L'Art Déco deriva il suo nome dall'Esposizione Internazionale del tenutasi a Parigi nel 1925, il cui nome formale era Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes; essa presentava gli oggetti di lusso nella moda parigina, e riassicurava il mondo che Parigi continuava a rimanere il centro internazionale per lo stile anche dopo la prima guerra mondiale. L'Art Déco non era però nata con l'Esposizione; era già uno degli stili principali in Europa dall'inizio degli anni '20, anche se non ebbe successo negli Stati Uniti fino intorno al 1928, a partire dalla quale data si tramutò rapidamente nello Streamline Moderne durante anni '30, la decade associata maggiormente all'Art Déco americana............

belle  epoque d'avant la Première Guerre mondiale, l'Art déco fut un mouvement artistique extrêmement influent surtout dans l'architecture et le design, mais concerna en fait plus ou moins toutes les formes d'arts plastiques.Le style Art déco tire son nom de L'Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes qui se tint à Paris en 1925.Contexte [modifier]Les années folles [modifier]1918 : fin de la Première grand prix monaco bugatti biscaretti  Guerre mondiale, un monde était mort, une société très différente surgissait des décombres.La France sort de quatre ans de cauchemars, de tranchées, et entend rattraper le temps perdu. La société a subi en quatre ans de conflits, des changements radicaux et irrémédiables. L’ordre bourgeois établi bascule, des fortunes colossales se sont établies pendant la guerre.Les découvertesLa italienne relativité avec Albert Einstein, l’aviation intercontinentale avec Charles Lindbergh et Jean Mermoz, l’automobile, le téléphone, etc.Littérature Jean Cocteau, André Breton et le surréalisme.Psychanalyse Freud, qui découvre l'hystérie, auprès du Docteur Charcot (neurologue français), et se met en quête de ce qui deviendra la psychanalyse.Le contexte artistique [modifier]Plusieurs événements artistiques ont provoqué des changements majeurs dans les arts décoratifs et particulièrement le mobilier.Les ballets russes de Serge DiaghilevMêlant danse, musique, peinture, au faste oriental, costumes de Lev Bakst, rideau de scène et décor de Picasso, de Derain, de Delaunay et encore bien d'autres, donnent le goût pour le coté « mille et une nuits », du luxe et de l’exotisme. D’où la mode des éventails des plumes, des jets d’eau, des couleurs vives. Les couleurs insolites vont s’imposer dans le décor du mobilier : on verra des boudoirs aux murs orangés, des salons tendus de noir. Vaslav Nijinsky en était le meilleur danseur, mais aussi le plus adulé, notamment pour ses interprétations du faune et du spectre de la rose.Le fauvismeLa couleur l’emporte sur la forme et ne joue plus un rôle descriptif, mais l’emporte par son audace. Tons purs, couleurs primaires. La première oeuvre fauve que l'on connaisse s'appelle le Talisman.Le cubismeLe cubisme se constitue autour de Braque et de Pablo Picasso art deco majorelle galle ecole de nancy jugendstil escargot dessous de plat barbotine guimar bol ancien dage vitrail. Le cubisme est né d'après Paul Cézanne qui théorise : « la nature peut se traiter par le cylindre, la sphère, le cône ». Picasso ira encore plus loin lithographie antica riccobaldi paleologue pal  belle epoque casas ramon plakat altes icart louis roger broders caldanzano huile le fevre lu utile panneau carton tole jugendstil tableau gravure cadre peinture xx xix XX XIX XXeme XIXeme  signe potrait rare entoilee originale dessin carte werbeplakat ancien orientaliste gouache acquarelle cromo superbe h.s.p.  eauforte eau-forte eau forte sur metal plaque carte postale cp cpa rare original pub publicitaire bernard lucian sncf enit mich chemin de fer bernhard lucian theatre leuenberger air france faivre d' alesi pub art nouveau litho lithographie 1900 gaspar camps old antique print litho lithograph ballestrer leunberger vecchia  ch charles loupot sem montaut plm chemins de fer air France mich henry toulouse lautrec publicite advertising le rire figaro illustre paleontologue kulagina russian urss ussr ausstelling jane avril  cartone cartoncino  mataloni chromo en reproduisant toutes les faces de l’objet sur un même plan. Ex : Les Demoiselles d'Avignon.L’art « nègre »Fauves et cubistes se passionnent pour l’art nègre. On collectionne des sculptures d’Afrique noire et on s’en inspire. Le succès des arts africains suscite l’emploi des lignes brisées, des formes totem, des couleurs sombres, des laques, de l’ébène. On donne même des « bals nègres », des expositions, et la revue de Joséphine Baker, célèbre poulbot sncf araca matania elzingre bateau sport ibels le journale cisari hohlwein carpanetto champenois imp xanti muggiani cabaret salon cent peikert moulin rouge romoli musati roger soubie moss carl amil huber danseuse garçonne durant les années folles, en 1925 connaîtra un vif succès.L’architecture fonctionnelle [modifier]Le béton armé devient d’utilisation courante. Il se prête à toutes les formes. Les architectes s’insurgent contre l’éclectisme. Ils revendiquent la simplicité, la géométrie et la cohérence structurelle. L’architecture fonctionnelle revendique que la forme exprime la fonction du bâtiment, sans ornements superflus. L’architecte Adolf Loos écrira « L’ornement est un crime ». À Lyon Tony Garnier construit : le stade Gerland, la grande halle, mais aussi l’hôpital Édouard-Herriot et le quartier des États-Unis.Remarque : Charles-Edouard Jeanneret, dit Le Corbusier ira encore plus loin avec le pavillon de l’Esprit Nouveau, lors de l’exposition de 1925. Mais on le cache derrière des palissades. Il deviendra néanmoins une construction phare du mouvement moderne. Le Corbusier sera par la suite le grand théoricien de cette architecture de l'architecture fonctionnelle. Plutard, il organisera le CIAM (Congrés International de l'Architecture Moderne), et en ressortira la Chartes d'Athènes. C'est d'ailleurs de là que partira l'idée de Walter Gropius, de créer la toute première école de design, le Bauhaus.manifesto pubblicitario nomellini Caractéristiques [modifier]Autant les formes de l'Art nouveau étaient ondulantes, très détaillées et prenaient exemple sur la nature, autant l'Art déco s'est tourné vers des formes épurées et essentiellement géométriques. boris bilinsky carlo ruffia biscaretti bouisset braque brenet brispot cambellotti chermayeff choubrac corbella coulon robert falcucci fernel feure flemwell garretto gaudy georges gesmar golay mary hohenstein adolfo  lenhart leunberger leupin menegazzo pannaggi penagos sonrel fernand touissant ancien old advertising publicity pubblicita  pubblicitario  pubblicitaria vecchio antico poster manifesto locandina  vintage estampe print poster ancient rare original litographie toile litho carton  pub publicitaire maitre affiches des  art nouveau  deco theatre  dessin design rire le sarah La courbe, encore très présente aux débuts de ce mouvement, tend à disparaître progressivement au profit de l'angle droit, notamment avec le courant De Stijl. Ce fut une véritable mais brève explosion artistique concernant de nombreuses disciplines artistiques :architecture : Chrysler Building (New York). Tony Garnier, Charles-Edouard Jeanneret (Le Corbusier) et son frère, Robert Mallet-Stevens. design : aménagement intérieur de l'Aubette (Strasbourg). Ludwig Mies Van Der Rohe. Amédée Ozenfant. cinéma : L'Inhumaine de Marcel L'Herbier avec des décors de Robert Mallet-Stevens. peinture : Tamara de Lempicka. La période Art déco est directement liée à la garçonne, terme désignant l'émancipation de la femme et instaurant la femme au dessus de l'homme, dans les années 1920. Le mot vient du roman du même nom écrit par Victor Marguerite. Les plus belles représentations de la garçonne sont Suzanne Lenglen (tennis), Louise Brooks (cinéma), Tamara de Lempicka (peinture) monaco ou encore Joséphine Baker (danseuse noire)...Après une période faste durant les années 1920, le courant s'essouffle peu à peu vers la fin des années 1930, progressivement remplacé par l'influence grandissante du Bauhaus et plus généralement du Style international qui accompliront le rêve des artistes de l’Art déco : la production en série. Et c'est ainsi que naquit les prémices de la société de consomation que nous connaissons, le beau à moindre prix.L'un des thèmes en architecture était d'utiliser les formes des objets quotidiennement utilisés par le propriétaire du bâtiment afin d'expliquer la fonction de ce dernier, mais le concept fut étendu. Ainsi, le toit du Chrysler Building évoque les pare-chocs des voitures de la marque. Ce concept atteint son paroxysme avec le style California Crazy où l'objet sur-dimensionné est un élément ou le bâtiment entier.Le style ART DÉCO ou style 1925 - 1939Le mot "Art Déco" est né dans les années 1960, période pop-art, pour désigner le style qui triomphe à l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes à Paris en 1925.En effet, la réaction contre l’Art Nouveau apparaît dès 1910 en France, et encore plus tôt à l’étranger comme l’Allemagne, la Hollande, l’Autriche. On qualifie les formes Art Nouveau de "molles" ou encore de "style nouille". On s’oriente par réaction vers des lignes simples, des formes droites, inspirées par la peinture cubiste et l’architecture aux structures orthogonales de béton armé.Deux tendances très différentes coexistent :La tendance traditionnelle : c’est le style "ART DECO", pour une élite fortunée. La tendance moderne, fonctionnaliste : c’est le début du design, recherchant une production industrielle, pour une clientèle de masse. style Art déco, tendance traditionaliste [modifier]Luxe et perfection [modifier]Le mobilier Art déco est l’œuvre d’artistes décorateurs pour des commandes de la part d’une clientèle riche, ayant soif de nouveauté, tout en restant conformiste. Ce sont des meubles réalisés en ébénisterie qui cherchent le luxe et la perfection. Les meubles sont donc des pièces uniques.Formes [modifier]Les formes restent classiques, avec parfois des rappels aux styles antérieurs : Louis XVI, Directoire, Louis-Philippe. Mais l’art cubiste va pousser à une simplification des formes.Les volumes sont parallélépipédiques, aux angles vifs, ou arrondis, ou à pans coupés. Le cercle et l’octogone sont également appréciés.Les meubles sont souvent supportés par des socles.La mouluration est rare.Deux écoles « révolutionnaires » [modifier]Le Bauhaus [modifier]En 1919 ouvrit en Allemagne un centre de formation esthétique connu sous le nom de Bauhaus. Sous la direction de Walter Gropius, il devint l'un des plus influents de ce siècle, et fut actif jusqu'en 1933. Son seul but était de former des artistes à travailler pour l'industrie, et même si l'on a parfois exagéré son influence, le Bauhaus imprima sa marque sur le design du vingtième siècle. A partir de matériaux industriels modernes réduits à leur forme la plus élémentaire et dénués de tout ornement, les créateurs du Bauhaus tentaient de créer des produits débarrassés de toutes références historiques. Cet objectif n'était pas toujours atteint. La célèbre chaise Wassily de Marcel Breuer présente nombre des caractéristiques associées "au style Bauhaus" : en acier tubulaire, de forme géométrique dépouillée, elle doit sa construction au talent de l'artisan et de la machine. Le plus grand succès du Bauhaus fut ses méthodes d'enseignement, qui furent copiées sur toute la planète. Gropius attira des artistes célèbres, comme Wassily Kandinsky, Josef Albers et Paul Klee.et des architectes reconnus comme Marcel Breuer et Ludwig Mies Van Der Rohe.Le VKhUTEMAS [modifier]Ecole de design d'avant garde qui ouvrit à Moscou en 1920. Son nom était le sigle des ateliers techniques d'état comme le Bauhaus, le but de l'école était de former des artistes à l'industrie. Elle partageait les caractéristiques de l'école allemande, Wassily Kandinsky et El Lissitzky participaient aux deux organisations. Alexandre Rodchenko, dessina des meubles manifesto vecchio antico ski affiche pour le cercle des travailleurs à l'exposition de Paris de 1925. Cependant aucun des prototypes de meubles créés par cette école, ne devint une réalité industrielle.Décoration et textile [modifier]Si la ligne est épurée, le mobilier affiche une décoration soignée et souvent luxueuse.La sculpture est très méplate. Elle utilise un répertoire géométrique, floral ou animal, très stylisé, géométrisé. La rose est très présente en bouquet, en corbeille, en guirlande.Le traitement de surface : dorure, laque.La marqueterie et l’incrustation de filets, de plaquettes en  (art nègre) de nacre ou de métal (argent, cuivre, laiton, aluminium).La coloration de certains bois tel l’érable, teinté en rouge, bleu, vert ou gris (goût de la polychromie né des ballets russes).Les figures sont stylisées, les motifs régulièrement répétés. Le tissu sature souvent les intérieurs de rythmes saccadés et vifs qui rappellent ceux de la musique légère de l’époque. Tous les motifs et influences déjà cités se répètent avec une constance qui contribue, certes, à l’unité du style, mais finit aussi par rendre les intérieurs étouffants.Le Corbusier et les modernistes prêchent quant à eux, "la loi du Ripolin" : le retour au simple mur blanc, qui s’imposera progressivement.Matériaux et techniques [modifier]Les bâtis sont le plus souvent en chêne. Les structures moulurées ou plaquées utilisent l’acajou, le palissandre, le thuya, l’amarante, le citronnier… Contrastes de bois clairs (citronnier) et de bois foncés (amarante), de couleurs et de matières.Principaux créateurs [modifier]Jean Dunand, dinandier d'exception tout autant que maître de l'art du laque, crée des vases de toutes formes, des panneaux décoratifs , des paravents , des meubles , des bijoux, des accessoires de mode.L’homme de l’époque, c’est Émile-Jacques Ruhlman. Il travaille sur commande, pour une élite fortunée. Il s’inspire du passé mais étire les lignes, fusèle les formes et crée des décors savants. Il utilise des bois rares et dessine avec une précision inouïe chaque détail pour que l’exécution (par les artisans) soit parfaite.Pierre Legrain, Pierre Chareau, également marqués par l’influence de l’art Nègre et du cubisme, créent des meubles aux lignes strictes. Néanmoins ces meubles ne sont pas pour une fabrication en série, mais pour une clientèle d’exception. Le luxe des matériaux contredit la sobriété des lignes.Esprit et variété des meubles [modifier]Les sièges sont souvent d’inspiration Directoire ou restauration. Un souci de confort est à remarquer dans les fauteuils, inspirés du fauteuil club, aux formes profondes. Le bois est peu apparent et souvent dissimulé par un recouvrement de cuir ou de textile.Le cosy-corner, création de l’époque, fait fureur. C’est un divan d’angle, encastré dans une boiserie avec diverses étagères.Les commodes et meubles  d’appui ont une façade très souvent galbée, voire même ventrue.Les tables sont soit rondes, ovales, rectangulaires avec les angles cassés. Les coiffeuses et bureaux de dames sont particulièremen 900 Tito lumiere mataloni abel faivre sepo martinati eugene grasset eugene broders rogers mauzan achille tamagno dupas grun jules villemont bernard gruau pierre bonnard livemont privat d' ylen jean berthon paul geo dorival george boccasile hugon roland mario borgoni sandy hook carlu jean fix masseau geo ham nizzoli marcello codognato plinio lazzaro di umberto brenet albert brodovitch alexeieff mucha alphonse maria cappiello leonetto dudovich marcello a.m. cassandre adolphe mouron metlicovitz leopoldo colin paul steinlen cheret jules ballester baumberger sara bernhardt t raffinés.On retiendra que le style Art Déco fut celui d’une clientèle restreinte et fortunée. Il a hésité entre esthétique nouvelle (sous l’influence du cubisme, du fauvisme et de l’art nègre) et tradition dans l’inspiration des styles du passé, dans l’ornementation.Dernier témoin d’une longue tradition française, il sombrera dès 1939 avec Hitler et le 1900 nazisme.Pendant que les traditionalistes de l’Art Déco font recette auprès de la bourgeoisie et des artistes en vogue, quelques ateliers méconnus, tenus à l’écart, s’intéressent à la production en série de meubles bon marché : les fonctionnalistes, prophètes du "style contemporain", jetteront les bases du design en s'éloignant de l'esthétique artisanale pour se lai chromo travel aviation velo cycle tole cartel dellepiane bianchi bertone alcyon bianchi metropolis paris imp imprimere folies bergere nord express chaix cinzano montecarlo exposition aristde bruant 1900 revue negre champenois ricordi davos pkz  graf flameng sncf amos peugeot chemin du fer  sncf raphael quinquina contratto martini aperol soda michelin pneu chocolat menier bugatti fiat misti delle piane cartel plakate cinari cordial campari moulin rouge bal portrait femme protrait el lissitsky recording prints litograph lithograp etching ancient design statue moderates sketch gouche watercolor bronze ceramic ceramics burlap wood pastel sculpture stone serigrafia elle imprime eau forte eau-forte vieux gravare statue attrempe èbauche ebauche gouche aqauarelle ceramique bois pierre pubblicita  pubblicitario  pubblicitaria vecchio antico poster manifesto locandina  vintage antica firma firmato raro originalr cromo acquaforte metallo placca carta postale cartello cartellone vecchia disegno statua pastello olio tela quadro stampa acquarello matita carboncino bronzo pietra serigrafia legno art nouveau deco liberty signedsser panneau panneaux gagner par l'esthétique industrielle. Dès 1917, un groupe de peintres, d'architectes, de designers et de philosophes Hollandais créèrent un collectif baptisé De Stijl, le style. S'éloignant des formes naturelles de l'architecture et du design, le groupe De Stijl tenta de créer un langage visuel capable d'exprimer une nouvelle esthétique industrielle en utilisant une palette réduite et en se limitant à des droites.Voir aussi [modifier]Christian Fjerdingstad Périodes de l'architecture Rockefeller Center : complexe architectural Art Déco à New York Tamara de Lempicka Musée Alice et David van Buuren : Ancienne maison des époux Van Buuren à Bruxelles

Parigi rimase il centro maggiore per il design Art Déco, con la mobilia di Jacques Emile Ruhlmann, il miglior designer di arredamento in stile Art Déco e forse l'ultimo ebanista parigino tradizionale, e di Jean Jaques Rateau, con l'azienda di Süe et Mare, i pannelli di Eileen Gray, il ferro battuto di Edgar Brandt, gli oggetti in metallo e le lacche di Jean Dunand, i lavori in vetro di René Lalique e Maurice Marinot, con gli orologi e la gioielleria di Cartier.

Anche se il termine Art Déco venne coniato durante l'Esposizione del 1925, non ebbe un ampio uso fino a che non fu rivalutato negli anni '60. I suoi fautori non formavano però una comunità uniforme. È uno stile eclettico, influenzato da una molteplicità di fonti, tra cui si possono citare:

• Le prime opere della Wiener Werkstätte, per il design industriale funzionale
• Le arti "primitive", come quella africana, egiziana o azteca
• La scultura e i vasi dell'Antica Grecia, del periodo arcaico, meno naturalistico
• Gli scenari e i costumi di Léon Bakst per i Balletti Russi di Diaghilev
• Le forme frazionarie, cristalline e sfaccettate del cubismo e del futurismo
• Le gamme di colori del Fauvismo
• Le forme severe del Neoclassicismo: Boullée, Schinkel
• Tutto ciò che riguarda il jazz, o l'era Jazz
• Motivi e forme di animali, il fogliame tropicale, le ziggurat, i cristalli, i motivi solari e i getti d'acqua
• Forme femminili "moderne", agili e atletiche
• Tecnologia da "macchina del tempo" come la radio e i grattacieli.

Il municipio di Asheville, North Carolina 1926–1928 è un classico dello stile Art Déco americano

Oltre a queste influenze, l'Art Déco è caratterizzata dall'uso di materiali come l'alluminio, l'acciaio inox, lacca, legno intarsiato, pelle di squalo o di zebra. L'uso massiccio di forme a zigzag o a scacchi, e curve vaste (diverse da quelle sinuose dell'Art Nouveau), motivi a 'V' e a raggi solari. Alcuni di questi motivi erano usati per opere molto diverse fra loro, come i motivi a forma di raggi solari: furono utilizzati per delle scarpe da donna, griglie per termosifoni, l'auditorium del Radio City Music Hall e la guglia del Chrysler Building. L'Art Deco fu uno stile opulento, probabilmente in reazione all'austerità forzata dagli anni della prima guerra mondiale. L'Art Déco fu uno stile molto popolare per gli interni dei cinema e dei transatlantici come l'Ile de France e il Normandie.

Un movimento parallelo che la seguiva da vicino, lo Streamline o Streamline Moderne, fu influenzato dalle tecniche manifatturiere e di aerodinamicità che nacquero dalla scienza e dalla produzione di massa di oggetti come i proiettili o le navi di linea, dove l'aerodinamicità era coinvolta. Dopo che il design dell'Air-Flo Chrysler del 1933 ebbe successo, le forme "streamlined" iniziarono ad essere usate anche per oggetti come frigoriferi o temperini. In architettura, questo stile fu caratterizzato da angoli arrotondati, soprattutto per edifici agli angoli delle strade.

Alcuni storici considerano l'Art Déco come una forma primitiva del Modernismo o del Movimento Moderno in architettura. Di fatto, il Razionalismo Italiano utilizzò alcuni elementi di questa epressione artistica frammisti a strutture razionali, soprattutto nelle Città di fondazione in epoca fascista in Italia e soprattutto nelle colonie,(Dodecaneso, Libia, Eritrea, Etiopia), dove riagganci alla tradizione locale ed un certo gusto dell'esotico ne furono il filo conduttorre. Come esempi più significativi potremmo citare diversi palazzi di Rodi, che ne portano i segni più evidenti, mentre in città di nuova fondazione ma essenzialmente razionaliste, come Portolago, nell'isola Greca di Leros, o Sabaudia in italia se ne leggono solo accenni in alcuni edifici.

L'Art Déco aveva però lentamente campo in Occidente dopo aver raggiunto la produzione di massa, nell'ambito della quale iniziò a essere derisa perché si riteneva che fosse pacchiana e che presentasse un'immagine falsa del lusso. Alla fine questo stile fu stroncato dall'austerità della seconda guerra mondiale. In Stati coloniali, come l'India, divenne il punto di partenza del Modernismo e continuò ad essere usato fino agli anni '60. Vi fu un nuovo interesse per l'Art Déco negli anni '80, grazie al design grafico di quel periodo, dove la sua associazione ai film noir ed alla moda degli anni '30 portò al suo uso nella pubblicità per la moda e la gioielleria.

Artisti e designer Art Déco [modifica]

Oggetti in metallo ideati dal designer Maurice Ascalon

Supper (1902), di Leon Bakst

• Maurice Ascalon (1913-2003)
• Adolphe Mouron Cassandre
• Jean Dunand
• Jean Dupas
• Erté (Romain de Tirtoff) (1892-1990)
• Vadim Meller
• Alexandra Exter
• Eileen Gray
• Georg Jensen
• René Lalique
• Jules Leleu
• Tamara de Lempicka
• Paul Manship
• Émile-Jacques Ruhlmann
• Sue et Mar
• Walter Dorwin Teague
• Carl Paul Jennewein

Architetti Art Déco [modifica]

• Ernest Cormier
• Raymond Hood
• Le Corbusier (Charles Edouard Jeanneret-Gris)
• William van Alen
• Wirt C. Rowland
• Joseph Sunlight
• Pablo Antonio
• Ralph Walker
• Ely Jacques Kahn

Alcune realizzazioni Art Déco [modifica]

Il palazzo della Corte Suprema a Ottawa, Canada

• L'Argyle Hotel a Los Angeles, California
• Il Bullock's Wilshire Building a Los Angeles, California (ora sede della Southwestern University School of Law)
• Empire State Building
• Chrysler Building
• Asmara, la capitale dell'Eritrea

Le style Art déco ou style 1925 - 1939 [modifier]

Le mot "Art déco" est né dans les années 1960, période pop-art, pour désigner le style qui triomphe à l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes à Paris en 1925.

En effet, la réaction contre l’Art nouveau apparait dès 1910 en France, et encore plus tôt à l’étranger comme en Belgique, en Allemagne, aux Pays-Bas, en Autriche, ... On qualifie les formes Art nouveau de "molles" ou encore de "style nouille". On s’oriente par réaction vers des lignes simples, des formes droites, inspirées par la peinture cubiste et l’architecture aux structures orthogonales de béton armé.

Deux tendances très différentes coexistent :

• La tendance traditionnelle : c’est le style "ART DECO", pour une élite fortunée.
• La tendance moderne, fonctionnelle : c’est le début du design, recherchant une production industrielle, pour une clientèle de masse.

Style Art déco, tendance traditionaliste [modifier]

Luxe et perfection [modifier]

Le mobilier Art déco est l’œuvre d’artistes décorateurs pour des commandes de la part d’une clientèle riche, ayant soif de nouveauté, tout en restant conformiste. Ce sont des meubles réalisés en ébénisterie qui cherchent le luxe et la perfection. Les meubles sont donc des pièces uniques.

Formes [modifier]

Les formes restent classiques, avec parfois des rappels aux styles antérieurs : Louis XVI, Directoire, Louis-Philippe. Mais l’art cubiste va pousser à une simplification des formes.

Les volumes sont parallélépipédiques, aux angles vifs, ou arrondis, ou à pans coupés. Le cercle et l’octogone sont également appréciés.

Les meubles sont souvent supportés par des socles.

La mouluration est rare.

Deux écoles « révolutionnaires » [modifier]

Le Bauhaus [modifier]

En 1919 ouvrit en Allemagne un centre de formation esthétique connu sous le nom de Bauhaus. Sous la direction de Walter Gropius, il devint l'un des plus influents de ce siècle, et fut actif jusqu'en 1933. Son seul but était de former des artistes à travailler pour l'industrie, et même si l'on a parfois exagéré son influence, le Bauhaus imprima sa marque sur le design du vingtième siècle. À partir de matériaux industriels modernes réduits à leur forme la plus élémentaire et dénués de tout ornement, les créateurs du Bauhaus tentaient de créer des produits débarrassés de toutes références historiques. Cet objectif n'était pas toujours atteint. La célèbre chaise Wassily de Marcel Breuer présente nombre des caractéristiques associées "au style Bauhaus" : en acier tubulaire, de forme géométrique dépouillée, elle doit sa construction au talent de l'artisan et de la machine. Le plus grand succès du Bauhaus fut ses méthodes d'enseignement, qui furent copiées sur toute la planète. Gropius attira des artistes célèbres, comme Wassily Kandinsky, Josef Albers et Paul Klee, et des architectes reconnus comme Marcel Breuer et Ludwig Mies van der Rohe.

Le VKhUTEMAS [modifier]

École de design d'avant-garde qui ouvrit à Moscou en 1920. Son nom était le sigle des ateliers techniques d'état comme le Bauhaus, le but de l'école était de former des artistes à l'industrie. Elle partageait les caractéristiques de l'école allemande, Wassily Kandinsky et El Lissitzky participaient aux deux organisations. Alexandre Rodtchenko, dessina des meubles pour le cercle des travailleurs à l'exposition de Paris de 1925. Cependant aucun des prototypes de meubles créés par cette école, ne devint une réalité industrielle.

Décoration et textile [modifier]

Si la ligne est épurée, le mobilier affiche une décoration soignée et souvent luxueuse.

La sculpture est très méplate. Elle utilise un répertoire géométrique, floral ou animal, très stylisé, géométrisé. La rose est très présente en bouquet, en corbeille, en guirlande.

Le traitement de surface : dorure, laque.

La marqueterie et l’incrustation de filets, de plaquettes en ivoire (art nègre) de nacre ou de métal (argent, cuivre, laiton, aluminium).

La coloration de certains bois tel l’érable, teinté en rouge, bleu, vert ou gris (goût de la polychromie né des ballets russes).

Les figures sont stylisées, les motifs régulièrement répétés. Le tissu sature souvent les intérieurs de rythmes saccadés et vifs qui rappellent ceux de la musique légère de l’époque. Tous les motifs et influences déjà cités se répètent avec une constance qui contribue, certes, à l’unité du style, mais finit aussi par rendre les intérieurs étouffants.

Le Corbusier et les modernistes prêchent quant à eux, "la loi du Ripolin" : le retour au simple mur blanc, qui s’imposera progressivement.

Matériaux et techniques [modifier]

Les bâtis sont le plus souvent en chêne. Les structures moulurées ou plaquées utilisent l’acajou, le palissandre, le thuya, l’amarante, le citronnier… Contrastes de bois clairs (citronnier) et de bois foncés (amarante), de couleurs et de matières.

Principaux créateurs [modifier]

Jean Dunand, dinandier d'exception tout autant que maître de l'art du laque, crée des vases de toutes formes, des panneaux décoratifs, des paravents, des meubles, des bijoux, des accessoires de mode.

L’homme de l’époque, c’est Émile-Jacques Ruhlmann. Il travaille sur commande, pour une élite fortunée. Il s’inspire du passé mais étire les lignes, fusèle les formes et crée des décors savants. Il utilise des bois rares et dessine avec une précision inouïe chaque détail pour que l’exécution (par les artisans) soit parfaite.

Pierre Legrain, Pierre Chareau, également marqués par l’influence de l’art nègre et du cubisme, créent des meubles aux lignes strictes. Néanmoins ces meubles ne sont pas pour une fabrication en série, mais pour une clientèle d’exception. Le luxe des matériaux contredit la sobriété des lignes.

Esprit et variété des meubles [modifier]

Les sièges sont souvent d’inspiration Directoire ou Restauration. Un souci de confort est à remarquer dans les fauteuils, inspirés du fauteuil club, aux formes profondes. Le bois est peu apparent et souvent dissimulé par un recouvrement de cuir ou de textile.

Le cosy-corner, création de l’époque, fait fureur. C’est un divan d’angle, encastré dans une boiserie avec diverses étagères.

Les commodes et meubles d’appui ont une façade très souvent galbée, voire ventrue.

Les tables sont soit rondes, ovales, rectangulaires avec les angles cassés. Les coiffeuses et bureaux de dames sont particulièrement raffinés.

On retiendra que le style Art déco fut celui d’une clientèle restreinte et fortunée. Il a hésité entre esthétique nouvelle (sous l’influence du cubisme, du fauvisme et de l’art nègre) et tradition dans l’inspiration des styles du passé, dans l’ornementation.

Dernier témoin d’une longue tradition française, il sombrera dès 1939 avec Hitler et le nazisme.

Pendant que les traditionalistes de l’Art déco font recette auprès de la bourgeoisie et des artistes en vogue, quelques ateliers méconnus, tenus à l’écart, s’intéressent à la production en série de meubles bon marché : les fonctionnalistes, prophètes du "style contemporain", jetteront les bases du design en s'éloignant de l'esthétique artisanale pour se laisser gagner par l'esthétique industrielle. Dès 1917, un groupe de peintres, d'architectes, de designers et de philosophes hollandais créèrent un collectif baptisé De Stijl, le style. S'éloignant des formes naturelles de l'architecture et du design, le groupe De Stijl tenta de créer un langage visuel capable d'exprimer une nouvelle esthétique industrielle en utilisant une palette réduite et en se limitant à des droites.

Voir aussi [modifier]

• Alexandre Léonard
• Maurice Ascalon
• Vadim Meller
• Alexandra Ekster
• Christian Fjerdingstad
• Périodes de l'architecture
• Rockefeller Center : complexe architectural Art Déco à New York
• Tamara de Lempicka
• Musée Alice et David van Buuren : Ancienne maison des époux Van Buuren à Bruxelles
• The Art Deco Home -Resources
• Musée des Arts Décoratifs et de la Modernité de Gourdon(06)

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Estratto E per gentile concessione di  "http://it.wikipedia.org/wiki/Art_d%C3%A9co"

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Storia dell'Art Nouveau [modifica]

L'Art Nouveau ebbe il suo inizio nel 1890. Il nome deriva da quello di un negozio parigino, «l'Art Nouveau Bing», aperto nel 1895 da Siegfrid "Samuel" Bing, che sfoggiava alcuni oggetti dal design innovativo, tra cui mobili, tinture, tappeti e vari oggetti d'arte.

Il movimento trae le sue origini dal socialismo utopistico di John Ruskin e si ispirò all'ideologia propugnata dall'Arts and Crafts di William Morris, il quale aveva posto l'accento sulla libera creazione dell'artigiano, come unica alternativa alla meccanizzazione e alla produzione in serie di oggetti di dubbio valore estetico, successivamente aveva cercato nell'industria un alleato piuttosto che un nemico. L'Art Noveau rielaborando questi assunti, precorse il moderno design e buona parte dell'architettura moderna, dando alla progettazione, il ruolo di premessa indispensabile ad ogni intervento creativo. Un punto importante per la diffusione di quest'arte fu l'Esposizione Universale del 1900, svoltasi a Parigi, nella quale il nuovo stile trionfò in ogni campo. Ma il movimento si diffuse anche attraverso altri canali: la pubblicazione di nuove riviste, come L'arts pour tous, e l'istituzione di scuole e laboratori artigianali. Lo stile raggiunse probabilmente il suo apogeo durante l'Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna, svoltasi a Torino nel 1902, in cui furono esposti i progetti di designers provenienti dai Paesi europei in cui il Liberty si era diffuso. Nella decade a seguire, il nuovo stile venne presto messo in commercio con prodotti dozzinali, diretti ad un pubblico di massa, all'incirca dal 1907, e a questo termine venne attribuito un significato negativo.

Nel campo letterario, i caratteri più importanti sono: il preziosismo, l'esotismo, l'allusione ai mondi del passato, ormai scomparsi (il Medioevo cavalleresco, le corti dei re Luigi in Francia, le monarchie cinesi e giapponesi), l'opposizione al positivismo, e l'interesse verso la teosofia. Nella narrativa, rigetta il realismo, optando per la novella storica e il racconto di esperienze di allucinazioni e pazzia, per la descrizione di raffinati ambienti di bohemia, introducendo il personaggio della donna fatale, che conduce gli uomini al piacere e alla morte.

Caratteristiche dell'Art Nouveau [modifica]

Esposizione Universale di St. Louis, 1904: entrata all'esibizione "Creation"

Una delle caratteristiche più importanti dello stile è l'ispirazione alla natura, di cui studia gli elementi strutturali, traducendoli in una linea dinamica e ondulata, con tratto «a frusta». Semplici figure sembravano prendere vita e evolversi naturalmente in forme simili a piante o fiori.

Entwurf für den Wandfries im Palais Stoclet a Brussel, dettaglio: Lebensbaum di Gustav Klimt

Come movimento artistico l'Art Nouveau possiede alcune affinità con i pittori Preraffaelliti e Simbolisti, e alcune figure come Aubrey Beardsley, Alfons Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt, e Jan Toorop possono essere collocate in più di uno di questi stili. Diversamente dai pittori simbolisti, tuttavia, l'Art Nouveau possedeva un determinato stile visivo; e al contrario dei Preraffaelliti che prediligevano rivolgere lo sguardo al passato, l'Art Nouveau non si formalizzava nell'adoperare nuovi materiali, superfici lavorate, e l'astrazione al servizio del puro design.

L'Art Nouveau in architettura e design d'interni evitò lo storicismo eclettico che permeava l'Epoca vittoriana. Gli artisti dell'Art Nouveau selezionarono e modernizzarono alcuni tra gli elementi del Rococò, come le decorazioni a fiamma e a conchiglia, al posto dei classici ornamenti naturalistici Vittoriani. Prediligevano invece la Natura per fonte di ispirazione ma ne stilizzarono evidentemente gli elementi e ampliarono tale repertorio con l'aggiunta di alghe, fili d'erba, insetti.

Caratteristiche le forme organiche, le linee curve, con ornamenti a predilezione vegetale o floreale. Le stampe giapponesi, con forme altrettanto curvilinee, superfici illustrate, vuoti contrastanti, e l'assoluta piattezza di alcune stampe, furono un'importante fonte di ispirazione. Alcuni tipi di linee e curve divennero dei cliché, poi adoperati dagli artisti di tutto il mondo. Altro fattore di grande importanza è che l'Art Nouveau non rinnegò l'uso dei macchinari come accadde in altri movimenti contemporanei, come quello di Arts & Crafts, ma vennero usati e integrati nella creazione dell'opera. In termini di materiali adoperati la fonte primaria furono certamente il vetro e il ferro battuto, portando ad una vera e propria forma di scultura e architettura.

L'Art Nouveau si configurò come stile ad ampio raggio, che abbracciava i più disparati campi – architettura, design d'interni, gioielleria, design di mobili e tessuti, utensili e oggettistica, illuminazione, ecc. Oggi l'Art Nouveau è considerata precursore dei movimenti più innovativi del ventesimo secolo, come l'espressionismo, il cubismo, il surrealismo, l'Art Deco ed il successivo Movimento Moderno in architettura (in Italia definito anche Razionalismo).

I settori [modifica]

Vaso Daum, Nancy 1900 circa

La lavorazione del vetro fu un campo in cui questo stile trovò una libera e grandiosa forma espressiva— per esempio, i lavori di Louis Comfort Tiffany a New York o di Émile Gallé e i fratelli Daum a Nancy in Francia.

In gioielleria l'Art Nouveau ne rivitalizzò l'arte, con la natura come principale fonte di ispirazione, arricchita dai nuovi livelli di virtuosismo nella smaltatura e nell'introduzione di nuovi materiali, come opali o pietre semipreziose. L'aperto interesse per l'arte giapponese e l'ancora più specializzato entusiasmo per la loro abilità nella lavorazione dei metalli, promosse nuove tematiche e approcci agli ornamenti. Per i primi due secoli l'accento fu posto sulle gemme, specialmente sul diamante, e il gioielliere o l'orafo si occupavano principalmente di incastonare pietre, per un loro vantaggio puramente economico. Ma ora stava nascendo un tipo di gioielleria completamente differente, motivato più da un'artista-designer che da un gioielliere in sola qualità di incastonatore di pietre preziose.

Furono i gioiellieri di Parigi e Bruxelles che crearono e definirono l'Art Nouveau in gioielleria, e fu in queste città che vennero creati gli esempi più rinomati. La critica francese dell'epoca fu concorde nell'affermare che la gioielleria stava attraversando una fase di trasformazione radicale, e che il disegnatore di gioielli francese René Lalique ne era il fulcro. Lalique glorificò la natura nella sua arte, estendendone il repertorio per includere nuovi aspetti— libellule o erba—, inspirati dall'incontro tra la sua intelligenza e l'arte giapponese.

I gioiellieri si dimostrarono molto acuti nel richiamarsi con il nuovo stile ad una nobile tradizione guardando indietro, al Rinascimento, con i suoi monili in oro lavorato e smaltato, e la visione del gioielliere come artista prima che artigiano. Nella maggior parte delle opere di quel periodo le pietre preziose retrocessero in un secondo piano. I diamanti furono per lo più utilizzati con un ruolo secondario, accostati a materiali meno noti come il vetro, l'avorio e il corno.

I centri principali [modifica]

Le città ed i centri principali dove lo stile si sviluppò sono diverse:

Facciata della Chiesa della Resurrezzione, anno 1899, Santa Maria di LicodiaCt

• Amsterdam
• Ålesund
• Barcellona
• Berlino
• Bruxelles
• Chicago
• Cracovia
• Darmstadt
• Glasgow
• Helsinki
• Londra
• Lubiana
• Messina
• Milano
• Monaco
• Mosca
• Nancy
• Napoli
• New York
• Oslo
• Palermo
• Parigi
• Praga
• Riga
• Roma
• ?ód?
• San Pietroburgo
• Torino
• Vienna

Protagonisti dell'Art Nouveau [modifica]

Tra i più importanti esponenti dell'Art Nouveau si ricordano:

Architettura [modifica]

Casa Fenoglio-La Fleur, Torino

• Émile André
• Ernesto Basile (1857-1932)
• Raimondo D'Aronco (1857-1932)
• August Endel (1871-1925)
• Pietro Fenoglio (1865-1927)
• Antoni Gaudi (1852-1926)
• Hector Guimard (1867-1942)
• Josef Hoffmann (1870-1956)
• Victor Horta (1861-1947)
• Charles Rennie Mackintosh (1868-1928)
• Louis Sullivan (1856-1924)
• Otto Wagner (1841-1918)

Illustrazioni, grafica [modifica]

• Aubrey Beardsley
• Pierre Bonnard
• Henri de Toulouse-Lautrec
• Gaston Gerard
• Gustav Klimt
• Alfons Mucha
• Edvard Munch
• Egon Schiele
• Giuseppe Sommaruga

Mobili ed interni [modifica]

• Ernesto Basile
• Carlo Bugatti
• Eugène Gaillard
• Louis Majorelle
• Henry van de Velde

Lavorazione del vetro [modifica]

• Louis Comfort Tiffany
• Albert Dammouse
• Francois Decorchemont
• Daum Frères
• Emile Gallé (1846-1904)
• René Lalique
• Argy Rousseau
• Almaric Walter

Altre arti decorative [modifica]

• Maurice Ascalon
• Charles R. Ashbee
• Samuel Bing
• William Bradley
• Jules Brunfaut
• Hermann Obrist
• Philippe Wolfers

Murali e mosaici [modifica]

• Carla Accardi
• Gustav Klimt

Voci correlate [modifica]

• Modernismo (architettura)
• Secessione viennese

Altri progetti [modifica]

• Commons

• Wikimedia Commons contiene file multimediali su Art Nouveau

Collegamenti esterni [modifica]

• (FR) L'Art Nouveau a Bruxelles con immagini di edifici Art Nouveau
• (FR) Le cercle Guimard - L'associazione per la protezione et la promozione dell'opera di Hector Guimard
• (FR, EN) Réseau Art Nouveau Network
• (FR, EN, IT) lartnouveau.com in Francia e in Europa
• (EN, IT) Torino liberty
• (EN) The Vienna Secession Home
• (EN)Art Nouveau in Poland
• (HU)Csetneki Lace
• (HU)Csetneki Lace galerie
• (EN, IT) szecesszio.com - Art Nouveau in Ungheria

 

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