Granulation étrusque par Gerhard Nestler.

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DESCRIPTION: Broché. Editeur : Brynmorgen Press (2010). Pages : 96. Taille : 10 x 7 pouces ; 1 livre. Publiée à l'origine en italien, cette traduction permet aux lecteurs anglais d'explorer le talent artistique et la maîtrise technique des orfèvres qui ont créé des œuvres époustouflantes il y a des milliers d'années. Les auteurs combinent l'orfèvrerie, la métallurgie et l'archéologie pour explorer dans les moindres détails les méthodes et les réalisations des artistes travaillant à l'époque préromaine.

CONDITION: NOUVEAU. Nouvelle couverture souple surdimensionnée. Presse Brynmorgen (2010) 96 pages. Sans tache, sans marque, intact à tous égards. Les pages sont vierges ; propre, net, non marqué, non mutilé, étroitement relié, sans ambiguïté non lu. Satisfaction garantie sans condition. En inventaire, prêt à livrer. Aucune déception, aucune excuse. EMBALLAGE TRÈS REMBOURRÉ ET SANS DOMMAGE ! Descriptions soignées et précises ! Vente en ligne de livres d'histoire ancienne rares et épuisés depuis 1997. Nous acceptons les retours pour quelque raison que ce soit dans les 30 jours ! #8122a.

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AVIS DES ÉDITEURS:

AVIS: Suivez deux chercheurs retraçant l'histoire de la granulation étrusque depuis ses racines en Orient jusqu'à son développement en Grèce et en Étrurie. En plus d'une description détaillée de la science du collage par diffusion, les auteurs reproduisent les outils et les processus utilisés par les orfèvres anciens pour créer des œuvres d'art éblouissantes qui continuent d'étonner des générations d'amateurs de bijoux.

AVIS: Brynmorgen Press est heureux de proposer la publication d'un livre italien désormais disponible pour la première fois dans une édition en langue anglaise. À travers des photos historiques, la microscopie électronique et des expériences inspirées de la recherche archéologique, les auteurs examinent les méthodes et les résultats des orfèvres classiques alors qu'ils créaient des œuvres qui continuent de nous fasciner aujourd'hui.

AVIS: Le maître orfèvre Edilberto Formigli a restauré l'un des Riace Bronse à Florence, ce qui l'a conduit à son intérêt actuel pour l'archéo-métallurgie. Gerhard Nestler travaille de manière expérimentale dans le domaine des techniques d'orfèvrerie anciennes. Il a collaboré avec Formigli lors d'un colloque professionnel qui a conduit à la création de ce livre. Les deux auteurs vivent à Murlo, en Italie, une petite ville d'origine étrusque non loin de Sienne.

AVIS PROFESSIONNELS:

AVIS: De nombreux aspects de la civilisation étrusque restent un mystère, car une grande partie a été ignorée par les Romains et délibérément détruite par les chrétiens. Une partie des connaissances perdues concerne l'origine des technologies étrusques de joaillerie et, en particulier, la manière dont les Étrusques ont atteint la granulation extrêmement fine et le filigrane qui caractérisent une grande partie du travail de l'or étrusque. Ces techniques existaient déjà, sous des formes plus primitives, dans d'autres régions méditerranéennes avant d'apparaître « subitement » dans la bijouterie étrusque.

On suppose le plus souvent que des bijoutiers syro-phéniciens* se sont installés dans le sud de l'Étrurie, peut-être à Tarquinia et Cerveteri, et ont enseigné aux apprentis locaux les subtilités de la granulation de l'or et du filigrane (décoration avec de fins fils d'or et d'argent en spirale). La granulation -- l'art de décorer les surfaces lisses des bijoux en or avec des motifs composés de minuscules granules d'or -- est enregistrée pour la première fois en Mésopotamie au troisième millennium avant JC et des travaux plus récents ont été découverts en Anatolie, en Syrie, en Égypte, à Chypre et Grèce mycénienne. L'effondrement de la civilisation de l'âge du bronze dans la mer Égée a entraîné la disparition de ces arts sophistiqués en Grèce, mais ils ont survécu au Proche-Orient et de là ont été réintroduits en Grèce au IXe siècle et transférés en Italie au cours de la seconde moitié du XXe siècle. huitième.

Grâce à ces techniques, de nouveaux motifs décoratifs commencèrent également à apparaître dans les bijoux étrusques. Les emblèmes sacrés syro-phéniciens, comme le disque solaire et la demi-lune, furent incorporés au répertoire géométrique traditionnel, mais bientôt les éléments floraux et figuratifs d'inspiration orientale dominèrent. Les anciennes méthodes d'estampage et d'incision de motifs sur des feuilles d'or et d'argent martelées ont continué à être utilisées, mais les bijoutiers au service des mécènes aristocratiques ont commencé à utiliser le filigrane et la granulation pour embellir les ornements en métaux précieux. Cette décoration s'applique de manière toujours plus exubérante à des formes héritées, auparavant travaillées en bronze, telles que les fibules, les spirales de cheveux, les têtes d'épingles, les perles, les bagues, les bracelets, les boucles d'oreilles et les grands pectoraux. Les mêmes artisans ont peut-être fabriqué les vases de banquet en or et en argent trouvés dans les tombeaux princiers d'Étrurie et du Latium.

Cerveteri, Tarquinia et Vetulonia semblent avoir été les principaux centres de production de ces bijoux exquis.

AVIS DES LECTEURS:

AVIS: Achetez ce bijou ! Extraordinaire, beau et instructif. Ce livre devrait se trouver dans n'importe quelle bibliothèque métallurgique ou de bijouterie.

AVIS: Comprendre la granulation. J'ai failli l'acheter l'automne dernier en italien mais j'aurais un peu eu du mal à comprendre les détails techniques. C'est passionnant et les explications sont claires et bonnes.

AVIS: Cinq stars ! La photographie et le texte sont exceptionnels.

AVIS: Trompement direct. Bon rapport qualité/prix pour utilisateur averti. Livre génial et précis. On peut croire à tort qu’il s’agit d’un autre livre d’images. Mais après avoir fait quelques granulations et fait mes propres découvertes au fil des années, ce livre contient des informations qui m'ont permis d'améliorer encore ma technique.

AVIS: Excellent ouvrage de référence pour les professeurs, les étudiants et les bijoutiers. Excellente présentation de l'histoire de la technique de granulation (plus précisément de la granulation en poussière ou en velours) et de sa diffusion à travers les époques et les cultures. Images au micron de granules tronqués, photographies aux rayons X de la métallurgie, graphiques du point de fusion eutectique des alliages, ainsi que des exemples existants et des gros plans détaillés. Parfait. Ça vaut bien le prix. Excellent ajout à la bibliothèque.

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CONTEXTE SUPPLÉMENTAIRE:

ARTS ÉTRUSQUES ANCIENS : UN APERÇU:

Étrurie et civilisation étrusque: La civilisation étrusque a prospéré en Italie centrale entre le VIIIe et le IIIe siècle avant JC. L'ancienne nation d'Étrurie, patrie des Étrusques, était réputée dans l'Antiquité pour ses riches ressources minérales et comme puissance commerciale majeure de la Méditerranée. Une grande partie de la culture étrusque et même de l’histoire ont été soit effacées, soit assimilées à l’Empire romain conquérant. Néanmoins, les tombes étrusques survivantes, leur contenu et leurs peintures murales transmettent aux historiens et aux archéologues beaucoup de choses sur la culture. L'adoption romaine de certains vêtements, pratiques religieuses et architecture étrusques transmettent également cette culture du passé antique au présent. Ceux-ci constituent un témoignage convaincant de la grande prospérité et de la contribution significative à la culture méditerranéenne réalisée par la première grande civilisation italienne [Encyclopédie de l'histoire ancienne].

Culture Villanovienne: La culture villanovienne d'Étrurie s'est développée pendant l'âge du fer en Italie centrale vers 1100 avant JC. Le nom de la culture villanovienne est en fait trompeur car il s'agit de la culture étrusque dans sa forme primitive. Il n’existe aucune preuve de migration ou de guerre suggérant que les deux peuples étaient différents. La culture villanovienne a bénéficié d'une plus grande exploitation des ressources naturelles de la région. Cela a encouragé la formation de villages. Les maisons étaient généralement circulaires et constituées de murs en torchis et en torchis et de toits de chaume avec une décoration en bois et en terre cuite ajoutée. Des modèles de maisons en poterie survivent. Ceux-ci servaient à stocker les cendres des défunts, mais informaient les archéologues et les historiens sur l'apparence et la structure des maisons villanoviennes.

Une agriculture bien gérée et robuste a donné aux Villanoviens un rendement agricole fiable et régulier. Ainsi, une partie de la communauté fut libérée pour se consacrer à l'industrie et au commerce. L'importance des chevaux est attestée par les nombreuses découvertes de mors en bronze dans les grands cimetières villanoviens situés juste à l'extérieur de leurs colonies. Vers 750 avant JC, la culture villanovienne avait évolué vers ce que les historiens reconnaissent comme la culture étrusque proprement dite. De nombreux sites villanoviens continueraient à se développer en tant que grandes villes étrusques. Les Étrusques étaient désormais prêts à s’imposer comme l’un des groupes de population les plus prospères de l’ancienne Méditerranée.

Les villes étrusques étaient des cités-États indépendantes liées les unes aux autres uniquement par une religion, une langue et une culture communes en général. L'Étrurie s'étendait géographiquement du Tibre au sud jusqu'à certaines parties de la vallée du Pô au nord, les principales villes étrusques comprenaient Cerveteri (Cisra), Chiusi (Clevsin), Populonia (Puplona), Tarquinia (Tarchuna), Veii (Vei) , Vetulonia (Vetluna) et Vulci (Velch). Les villes se sont développées de manière indépendante. Les innovations dans des domaines tels que l’industrie manufacturière, l’art, l’architecture et le gouvernement se sont produites à des moments différents et dans des lieux différents. D'une manière générale, les sites côtiers, plus en contact avec d'autres cultures contemporaines, ont évolué plus rapidement. Cependant, les connaissances qu'ils ont acquises ont finalement été transmises sous forme d'idées nouvelles aux populations étrusques de l'intérieur des terres. Malgré cette diffusion culturelle, les villes étrusques se développèrent toujours selon leurs propres lignes. Des différences significatives sont évidentes d’une ville à l’autre [Encyclopédie de l’histoire ancienne].

Civilisation étrusque: La prospérité de l'Étrurie antique reposait avant tout sur des terres fertiles et des outils agricoles améliorés pour mieux les exploiter. Elle s’appuyait également sur de riches ressources minérales locales, notamment en fer. La base économique prospère comprenait également la fabrication d'outils métalliques, de poteries et de produits en matériaux précieux tels que l'or et l'argent. Les réseaux commerciaux étrusques étaient tout aussi importants en tant que source de prospérité. Celles-ci ne reliaient pas seulement les villes étrusques entre elles. Ils reliaient également les Étrusques aux tribus du nord de l’Italie et de l’autre côté des Alpes. Enfin, mais tout aussi importante, les routes commerciales comprenaient des réseaux maritimes avec d'autres nations commerçantes maritimes telles que les Phéniciens, les Grecs, les Carthaginois et le Proche-Orient en général.

Des esclaves, des matières premières et des produits manufacturés, notamment des poteries grecques, étaient importés. Les Étrusques exportaient du fer, leurs propres poteries bucchero indigènes et des produits alimentaires. Les exportations de produits agricoles particulièrement notables comprenaient le vin, l'huile d'olive, les céréales et les pignons de pin. Avec l'essor du commerce à partir du 7ème siècle avant JC, l'impact culturel de l'augmentation des contacts entre les cultures qui en a résulté est également devenu plus profond. Des artisans de Grèce et du Levant se sont installés à Emporia. Des ports de commerce semi-indépendants surgirent sur la côte tyrrhénienne. Le port le plus célèbre était celui de Pyrgri, un des ports de Cerveteri. Les habitudes alimentaires, les vêtements, l’alphabet et la religion ne sont que quelques-uns des domaines dans lesquels les peuples grecs et proche-orientaux allaient transformer la culture étrusque. Cela s'est produit au cours de ce que les anthropologues culturels, les archéologues et les historiens ont appelé la période « orientalisante ».

Les villes étrusques se sont associées à Carthage pour défendre avec succès leurs intérêts commerciaux contre une flotte navale grecque lors de la « bataille d'Alalia », également connue sous le nom de « bataille de la mer de Sardaigne » en 540 avant JC. La domination étrusque sur les mers et le commerce maritime le long de la côte italienne était telle que les Grecs les qualifiaient à plusieurs reprises de pirates scélérats. Cependant, au 5ème siècle avant JC, c'était Syracuse en Sicile qui était la puissance commerciale dominante en Méditerranée. La ville sicilienne s'associe à Cumes pour infliger une défaite navale aux Étrusques lors de la « Bataille de Cumes en 474 av. Le pire était à venir lorsque Denys Ier, le tyran de Syracuse, décida d'attaquer la côte étrusque en 384 avant JC. De nombreux ports étrusques furent détruits. Ces facteurs ont contribué de manière significative à la perte du commerce et au déclin conséquent de nombreuses villes étrusques observés du 4ème au 3ème siècle avant JC.

La guerre étrusque intérieure semble avoir initialement suivi les principes grecs et l'utilisation des Hoplites. Les guerriers portaient un plastron en bronze, un casque corinthien, des jambières pour les jambes et un grand bouclier circulaire. Ils ont été déployés dans la formation de phalange statique. Cependant, à partir du VIe siècle avant JC, le plus grand nombre de casques ronds en bronze, plus petits, suggérerait une guerre plus mobile. Bien que plusieurs chars aient été découverts dans des tombes étrusques, il est probable qu'ils étaient uniquement destinés à un usage cérémoniel. La frappe de la monnaie à partir du 5ème siècle avant JC suggère que les mercenaires étaient utilisés dans la guerre, comme ils l'étaient dans de nombreuses cultures contemporaines des Étrusques.

Également au cours du 5ème siècle avant JC, de nombreuses villes ont construit de vastes murs de fortification avec des tours et des portes. Tous ces développements laissent entrevoir une nouvelle menace militaire. La menace viendrait du sud où un grand empire était en train de se construire. Depuis la conquête des Étrusques, la Rome antique était non seulement ascendante mais aussi sur le sentier de la guerre. Au 6ème siècle avant JC, certains des premiers rois de Rome, bien que considérés comme de simples légendes, étaient originaires de Tarquinia, en Étrurie. À la fin du IVe siècle avant JC, Rome n’était plus le moindre voisin des Étrusques et Rome commençait à montrer ses muscles. De plus, la cause étrusque ne fut en rien aidée par les invasions venues du nord. Même si elles furent parfois leurs alliées contre Rome, les tribus celtes firent des incursions répétées en Étrurie du Ve au IIIe siècle avant JC.

S'ensuivront environ 200 ans de guerre intermittente entre l'Étrurie et Rome. Les traités de paix, les alliances et les trêves temporaires ont été ponctués de batailles et de sièges. Citons par exemple l'attaque de Rome contre Véies qui dura 10 ans à partir de 406 av. J.-C., ainsi que le siège de Chiusi et la bataille de Sentinum, tous deux en 295 av. Finalement, l'armée professionnelle de Rome, ses plus grandes compétences organisationnelles, sa main-d'œuvre et ses ressources supérieures se sont révélées largement supérieures à celles des Étrusques. Le manque d'unité politique entre les villes étrusques était encore plus crucial. Tous ces facteurs signifiaient qu’il ne pouvait y avoir qu’un seul vainqueur dans la lutte en cours entre les Étrusques et les Romains. L'année 280 avant JC s'est avérée cruciale car elle a vu la chute des villes étrusques, entre autres, Tarquinia, Orvieto et Vulci. Cerveteri tomba en 273 av. Cerveteri fut l’une des dernières grandes villes étrusques à résister à l’expansion incessante de l’empire romain.

Les Romains massacraient et vendaient souvent comme esclaves les Étrusques vaincus. Les Romains établirent alors des colonies et repeuplèrent les zones autrefois étrusques avec les vétérans de Rome. La fin arriva lorsque de nombreuses villes étrusques soutinrent Marius dans la guerre civile gagnée par Sylla. Sylla se retourna ensuite et pilla à nouveau les villes étrusques de ses anciens alliés en 83 et 82 av. Les Étrusques furent complètement absorbés par l’Empire romain. Leur culture et leur langue ont cédé la place au latin et aux traditions latines car elles ont été complètement « romanisées ». La littérature étrusque fut détruite et leur histoire effacée. Il faudra 2 500 ans et la découverte presque miraculeuse de tombeaux intacts remplis d’objets exquis et décorés de peintures murales aux couleurs vives avant que le monde ne réalise ce qui avait été perdu.

ART ÉTRUSQUE: Les Étrusques ont prospéré en Italie centrale entre le VIIIe et le IIIe siècle avant JC. Leur art est réputé pour sa vitalité et ses couleurs souvent vives. Les peintures murales étaient particulièrement vibrantes et représentaient fréquemment des scènes d'Étrusques s'amusant lors de fêtes et de banquets. Les ajouts en terre cuite aux bâtiments étaient une autre spécialité étrusque. Ils étaient également réputés pour leurs miroirs en bronze sculpté et leurs fines sculptures en bronze et en terre cuite. Les arts mineurs sont peut-être mieux représentés par des bijoux en or complexes. C'étaient aussi des potiers talentueux. Leur poterie noire distinctive, connue sous le nom de bucchero, a été façonnée dans des formes telles que la coupe cantharos qui inspireraient les potiers grecs.

L'identification de ce qu'est exactement l'art étrusque est rendue plus compliquée par le fait que l'Étrurie n'a jamais été un seul État unifié. C’est une question déjà assez difficile pour n’importe quelle culture. Mais les Étrusques étaient un ensemble de cités-États indépendantes qui formèrent à la fois des alliances et des rivalités les unes avec les autres au fil du temps. Bien que culturellement très similaires, ces villes ont néanmoins produit des œuvres d’art selon leurs propres goûts et tendances. Une autre difficulté est présentée par les influences résultant du fait que les Étrusques ne vivent pas isolés des autres cultures méditerranéennes.

Les idées et les objets d'art de Grèce, de Phénicie et du Moyen-Orient ont atteint l'Étrurie via les réseaux commerciaux établis de longue date de l'ancienne Méditerranée. Des artistes grecs se sont également installés en Étrurie à partir du VIIe siècle avant JC. De nombreuses œuvres d’art « étrusques » sont signées par des artistes aux noms grecs. La géographie a également joué un rôle. Les villes côtières comme Cerveteri avaient un accès beaucoup plus large au commerce maritime. En conséquence, ces villes étaient beaucoup plus cosmopolites en termes de population et de perspectives artistiques que ne l'étaient les villes situées plus à l'intérieur des terres comme Chiusi. Les Étrusques appréciaient grandement l’art étranger et adoptaient facilement les idées et les influences des formes d’art répandues dans d’autres cultures.

À l’époque comme aujourd’hui, l’art grec était très estimé par les Étrusques, en particulier les œuvres d’Athènes. Mais c'est une erreur de croire que l'art étrusque n'était qu'une pauvre copie de l'art grec. Il est vrai que les artistes étrusques et grecs d'Étrurie manquaient parfois des techniques plus raffinées de peinture sur vase et de sculpture sur pierre que possédaient leurs contemporains de Grèce, d'Ionie et de la Grande Grèce. Néanmoins, d'autres formes d'art telles que la taille de pierres précieuses, le travail de l'or et la sculpture en terre cuite démontrent que les Étrusques possédaient une plus grande connaissance technique dans ces domaines. Il est vrai que les Étrusques toléraient souvent des œuvres de moindre qualité que celles qui auraient été acceptées dans le monde grec. Cela ne veut pas dire pour autant que les Étrusques n'étaient pas capables de produire un art équivalent à celui produit ailleurs.

Que les Étrusques appréciaient beaucoup l'art étranger est attesté par le fait que les tombes étrusques regorgent de pièces importées. Les Étrusques ont également facilement adopté des idées et des formes répandues dans l'art d'autres cultures. Cependant, ils ont également ajouté leur propre touche aux conventions. Par exemple, les Étrusques produisaient des statues nues de divinités féminines avant les Grecs. Ils mélangeaient également de manière unique des motifs et des sujets orientaux avec ceux du monde grec. Cela était particulièrement vrai en ce qui concerne les motifs mythologiques et les créatures jamais présentes en Étrurie, comme les lions. Les idées locales de l'Étrurie remontent à la culture indigène villanovienne d'environ 1000 à 750 avant JC. La culture villanovienne était le précurseur de la culture étrusque proprement dite.

Cette synthèse perpétuelle d’idées est peut-être mieux visible dans la sculpture funéraire. Quand on inspecte de près chaque figure. Couvercles de cercueils en terre cuite avec un couple allongé en ronde-bosse, ils peuvent ressembler à des modèles grecs archaïques. Cependant, l'attitude physique du couple vu comme un couple et l'affection entre eux que l'artiste a capturée sont entièrement étrusques. Le plus grand héritage des Étrusques réside peut-être dans leurs tombes magnifiquement peintes trouvées dans de nombreux sites comme Tarquinia, Cerveteri, Chiusi et Vulci. Les peintures représentent des scènes vivantes et colorées de la mythologie étrusque et de la vie quotidienne.

Les représentations de la vie quotidienne comprennent notamment les banquets, la chasse et sports . Ils comprenaient généralement également des figures héraldiques, des éléments architecturaux et parfois même l'occupant du tombeau lui-même. Des parties du mur étaient souvent divisées pour des types spécifiques de décoration. Généralement, il y avait un dado en bas, un grand espace central pour les scènes et une corniche ou entablement supérieur. L'espace triangulaire qui en résulte était également réservé aux scènes peintes, atteignant le plafond comme le fronton d'un temple classique.

Les couleurs utilisées par les artistes étrusques étaient fabriquées à partir de peintures de matériaux organiques. L'ombrage est très peu utilisé jusqu'à l'influence des artistes grecs via la Magna Graecia. Ceux-ci utilisèrent leur nouvelle méthode du clair-obscur avec ses forts contrastes de lumière et d'obscurité au 4ème siècle avant JC. À Tarquinia, les peintures sont appliquées sur une fine couche de base de plâtre. Les artistes ont d’abord dessiné les contours à la craie ou au fusain. En revanche, de nombreuses peintures murales de Cerveteri et de Veii ont été appliquées directement sur les murs en pierre, sans sous-couche de plâtre. Seulement 2 % des tombes étaient peintes. Ils constituent un exemple suprême de consommation ostentatoire de la part de l’élite étrusque.

Le « Tombeau de François » de la fin du IVe siècle avant JC à Vulci est un exemple exceptionnel de cette forme d'art. Il contient un duel tiré du mythe thébain, une scène de l'Iliade et une scène de bataille entre la ville et ses rivaux locaux. Il comprend même certains guerriers portant des noms romains. Un autre bel exemple est le Tombeau des Lionnes de Tarquinia, au nom trompeur. Ce tombeau a été construit entre 530 et 520 avant JC. Il y a en fait deux panthères peintes. Il y a aussi une grande scène de fête. Il est également très intéressant pour son plafond à motif en damier inhabituel. Le Tombeau du Singe se trouve également à Tarquinia et a été construit entre 480 et 470 avant JC. Le Tombeau du Singe est remarquable par son plafond. Le plafond présente un intéressant coffre peint unique qui présente quatre sirènes mythologiques soutenant une rosace avec une plante à quatre feuilles. Le motif réapparaîtra dans l'architecture romaine et paléochrétienne, mais avec des anges au lieu de sirènes.

L'Étrurie avait la chance de disposer d'abondantes ressources en métaux, notamment en cuivre, en fer, en plomb et en argent. Les premiers Étrusques en faisaient bon usage. Le bronze était utilisé pour fabriquer une large gamme de produits. Mais les Étrusques sont particulièrement connus dans l’histoire pour leur sculpture. Le bronze était martelé, découpé et coulé à l'aide de moules ou selon la technique de la cire perdue. Il a également été gaufré, gravé et riveté selon toute une gamme de techniques. De nombreuses villes étrusques installèrent des ateliers spécialisés dans la production d'œuvres en bronze. Pour donner une idée de l'ampleur de la production, les Romains auraient pillé plus de 2 000 statues de bronze lorsqu'ils attaquèrent Volsinii (Orvieto moderne) en 264 avant JC. Les Romains fondaient les œuvres d’art pour produire de la monnaie.

Souvent, avec une petite base en pierre, les figurines en bronze étaient une forme courante d'offrande votive dans les sanctuaires et autres sites sacrés. Certains étaient à l'origine recouverts de feuilles d'or, comme ceux trouvés à la Fonte Veneziana d'Arretium. La plupart des figurines sont des femmes vêtues de longues robes chiton, des hommes nus comme les kouroui grecs, des guerriers armés et des jeunes nus. Parfois, des dieux étaient présentés, notamment Hercule. Une pose courante des figurines votives consiste à avoir un bras levé, peut-être en signe d'appel, et à tenir un objet. L'objet tenu était le plus souvent une grenade, des fleurs ou un aliment circulaire. L’objet alimentaire était très probablement un gâteau ou du fromage.

De beaux exemples d'œuvres en bronze plus petites incluent une figurine du 6ème siècle avant JC représentant un homme faisant une offrande votive. Cela provient du « Tombeau de la statuette en bronze du porteur d'offrande » à Populonia. Volterra était connue pour sa production de figurines en bronze distinctives, représentant des figures humaines extrêmement grandes et minces avec de petites têtes. Il s'agit peut-être d'une relic de figures beaucoup plus anciennes taillées dans une feuille de bronze ou sculptées dans du bois. Cependant, elles rappellent curieusement la sculpture d’art moderne. Les œuvres plus grandes célèbres incluent la Chimère d'Arezzo. Ce monstre cracheur de feu de la mythologie grecque date du 5ème ou 4ème siècle avant JC.

Il faisait probablement partie d’une composition plus vaste de pièces. Généralement, cela aurait été en compagnie du héros Bellérophon, qui a tué le monstre. Bellérophon à son tour aurait été accompagné de son cheval ailé Pégase. Il y a une inscription sur une jambe qui dit tinscvil ou « cadeau à Tin ». Cela indique qu'il s'agissait d'une offrande votive au dieu Tin (alias Tinia), chef du panthéon étrusque. Il est actuellement exposé au Musée Archéologique de Florence. D'autres œuvres célèbres incluent le « Mars de Todi ». Il s'agit d'un jeune homme grandeur nature, très frappant, portant une cuirasse et qui tenait autrefois une lance. D'un autre côté, il versait probablement une libation. Il se trouve désormais aux Musées du Vatican à Rome.

Une autre sculpture célèbre est celle de « La Minerve d'Arezzo ». Il s'agit d'une représentation de la déesse étrusque « Ménerve ». Ménerve était l'équivalent de la déesse grecque Athéna et de la divinité romaine Minerve. Enfin, il y a la figure marquante « Portrait d'un homme barbu ». Il est souvent connu sous le nom de « Brutus » en hommage au premier consul de Rome, mais il n'y a aucune preuve d'une manière ou d'une autre qu'il s'agissait bien de Brutus. La plupart des historiens de l'art s'accordent à dire que, pour des raisons stylistiques, il s'agit d'une œuvre étrusque datant d'environ 300 avant JC, des siècles avant l'époque de Brutus. Il est aujourd'hui exposé aux Musées Capitolins de Rome.

Les Étrusques ont été très critiqués par leurs conquérants, les Romains, pour être un peu trop efféminés et partisans. Le grand nombre de miroirs en bronze trouvés dans leurs tombes et ailleurs n'a fait qu'alimenter cette réputation de plus grand narcissique de la Méditerranée antique. Les Étrusques appelaient les miroirs « malena » ou « malstria ». Ils ont été produits en grande quantité pour la première fois à partir de la fin du VIe siècle avant JC jusqu'à la fin de la culture étrusque au IIe siècle avant JC. Les miroirs étaient bien entendu un objet d’usage pratique au quotidien. Cependant, avec leurs dos finement sculptés, ils constituaient également un symbole de statut social pour les femmes étrusques aristocratiques. Ils étaient même couramment offerts dans le cadre de la dot de la mariée.

Les miroirs ont été conçus pour être tenus à la main à l’aide d’une seule poignée. Le côté réfléchissant des miroirs a été réalisé en polissant ou en argenté la surface. Certains miroirs à partir du IVe siècle avant J.-C. étaient protégés par un couvercle concave fixé par une seule charnière. L'intérieur du couvercle était souvent poli pour refléter davantage de lumière sur le visage de l'utilisateur. La surface extérieure du couvercle portait des reliefs découpés remplis d'un support en plomb. Parmi les miroirs en bronze produits, environ la moitié étaient sans décoration sur le revers plat. Cependant, pour l'autre moitié, les revers plats constituaient une toile idéale pour une décoration gravée, une inscription ou même un relief peu profond sculpté. Certaines poignées étaient peintes ou comportaient également des scènes en relief sculptées.

Les scènes et les personnes représentées sur les éléments décoratifs des miroirs sont souvent utilement identifiées par des inscriptions qui les accompagnent autour du bord du miroir. Les sujets populaires étaient les préparatifs du mariage, les couples enlacés ou une dame en train de s'habiller. Le sujet le plus courant pour la décoration des miroirs était la mythologie et les scènes sont souvent encadrées par une bordure de feuilles de lierre, de vigne, de myrte ou de laurier torsadées.

La première poterie indigène d'Étrurie était la poterie empâtée de la culture villanovienne. Ces produits relativement primitifs contenaient de nombreuses impuretés dans l'argile et n'étaient cuits qu'à basse température. À la fin du VIIIe siècle avant JC, les potiers avaient réussi à améliorer la qualité de leurs produits. Les petites maisons modèles et les urnes biconiques étaient des formes populaires. Les urnes biconiques sont constituées de deux vases, l'un plus petit servant de couvercle à l'autre. Ils étaient fréquemment utilisés pour stocker des restes humains incinérés.

Chronologiquement, le type de poterie suivant était le rouge sur les articles blancs. Ce type de style de poterie est originaire de Phénicie. Le style a été produit en Étrurie à partir de la fin du 8ème siècle avant JC et jusqu'au 7ème siècle avant JC. Le style a été produit le plus largement à Cerveteri et Veii. Les vaisseaux de couleur rouge étaient souvent recouverts d'une engobe blanche. Ils étaient ensuite décorés de motifs géométriques ou floraux rouges. Alternativement, le blanc était souvent utilisé pour créer des motifs sur le fond rouge non peint. Les grands vases de rangement avec de petits couvercles à anse sont courants de ce type. Les cratères étaient également courants et étaient fréquemment décorés de scènes telles que des batailles navales et des guerriers en marche.

Les articles Bucchero ont largement remplacé les articles empâtés à partir du 7ème siècle avant JC. Les objets Bucchero étaient utilisés à des fins quotidiennes ainsi que pour des objets funéraires et votifs. Tourné sur un tour, ce nouveau type de poterie se caractérisait par une cuisson plus uniforme et une finition distinctive gris foncé brillant à noir. Des navires de tous types étaient produits. Ils étaient pour la plupart unis, mais ils étaient souvent décorés de lignes simples, de spirales et d'éventails en pointillés incisés sur la surface. Des figures tridimensionnelles d'humains et d'animaux ont également été ajoutées à l'occasion. Les Étrusques étaient des commerçants dans toute la Méditerranée. Les articles Bucchero étaient exportés au-delà de l'Italie vers des pays aussi éloignés que la péninsule ibérique, le Levant et la région de la mer Noire.

Au début du Ve siècle avant JC, le bucchero fut remplacé par des poteries étrusques plus raffinées, telles que des objets à figures noires et rouges. Celles-ci ont été influencées par la poterie grecque importée de l’époque. Un domaine inhabituel de la poterie qui est devenu une spécialité étrusque particulière était la création de décorations de toit en terre cuite. L'idée remonte à la culture villanovienne. Cependant, les Étrusques sont allés plus loin et ont réalisé des sculptures grandeur nature pour décorer les toits de leurs temples. Le survivant le plus impressionnant de ce domaine est la figure d'Apollon du temple de Portonaccio à Véies, datée d'environ 510 avant JC. Les bâtiments privés présentaient également des décorations en terre cuite sous forme de plantes, de palmiers et de figurines. De plus, des plaques en terre cuite représentant des scènes de la mythologie étaient souvent fixées sur les murs extérieurs de tous types de bâtiments.

Les Étrusques incinéraient les restes des morts. Ils étaient enterrés dans des urnes funéraires ou dans des sarcophages décorés en terre cuite. Les urnes et les sarcophages peuvent comporter une figure sculptée du défunt sur le couvercle. Dans le cas des sarcophages, ils représentaient parfois un couple. L'exemple le plus célèbre de ce dernier type est le « Sarcophage des mariés de Cerveteri », aujourd'hui conservé à la Villa Giulia à Rome. C'est à l'époque hellénistique que les arts funéraires prennent un véritable essor. Les personnages représentés, bien que rendus dans des poses similaires à celles des versions de sarcophages du VIe siècle avant JC, deviennent moins idéalisés et donnent des représentations beaucoup plus réalistes des morts. Ils représentent généralement un seul individu et étaient à l’origine peints de couleurs vives. Le « Sarcophage de Seianti Thanunia Tlesnasa de Chiusi » en est un excellent exemple.

Les Étrusques étaient de grands collectionneurs d’art étranger, mais leurs propres œuvres étaient également largement exportées. Des marchandises Bucchero ont été trouvées à travers la Méditerranée, de l’Espagne à la Syrie. Les Étrusques commerçaient également avec les tribus d’Europe centrale et septentrionale. Ainsi, leurs œuvres parvinrent aux Celtes à travers les Alpes, dans la Suisse et l'Allemagne modernes. La plus grande influence de l’art étrusque s’est exercée sur leurs voisins immédiats et successeurs culturels en général, les Romains. Rome conquit les villes étrusques au IIIe siècle avant JC. Cependant, ces villes sont restées des centres de production artistique artistiquement indépendants. Cependant, au fil du temps, les œuvres d’art reflétaient les goûts et la culture romaine. Finalement, à un moment donné, l’art étrusque et romain est souvent devenu indiscernable.

Un excellent exemple de la proximité entre les deux est la statue en bronze d'un orateur de Pila, près de l'actuelle Pérouse. Fondé en 90 avant JC, le personnage, avec sa toge et son bras droit levé, est aussi typiquement romain qu'une statue de la période impériale. Les Étrusques ont joué un rôle évident en tant que lien culturel entre le monde grec et la Rome antique. Cependant, l’héritage le plus durable des artistes étrusques est peut-être le réalisme qu’ils atteignent souvent dans le portrait.

Bien qu'encore partiellement idéalisés, les portraits funéraires des sarcophages étrusques sont suffisamment honnêtes pour révéler les défauts physiques de l'individu. Les artistes tentent clairement d'illustrer la personnalité unique de l'individu. C’était le même idéalisme conceptuel que leurs successeurs romains aspiraient également à atteindre. Les artistes romains ont réussi à capturer des portraits très souvent émouvants de citoyens romains privés, brillamment rendus en peinture, en métal et en pierre. Une grande partie du succès des artistes romains est attribuable à leurs prédécesseurs étrusques [Encyclopédie de l'histoire ancienne].

POTERIE ÉTRUSQUE BUCCHERO: Les articles « Bucchero » sont une poterie brillante gris foncé à noire. Ils ont été produits par les Étrusques du centre de l’Italie du VIIe au IVe siècle avant JC. Bucchero était utilisé à des fins quotidiennes et comme objets funéraires et votifs. Et bucchero a incorporé de nombreuses formes, depuis de simples pichets jusqu'à des pièces de sculpture très décoratives. Au VIIIe siècle avant JC, les Étrusques produisaient déjà une poterie assez grossière appelée « empâtement ». L'empâtement était fait d'argile contenant des impuretés de mica ou de pierre. Les potiers ont réussi à améliorer la qualité des empâtements grâce à une longue pratique. Cependant, l'empâtement a été remplacé comme poterie quotidienne de choix par un type intermédiaire connu sous le nom d'« empâtement bucchéroïde ». Au début du VIIe siècle avant JC, le bucchero proprement dit s'était développé et était le matériau de prédilection des potiers.

Allumé, la roue bucchero a été produite avec un tir prolongé. Grâce à un processus de réduction de l'oxygène dans le four, l'oxyde ferrique rouge de l'argile s'est transformé en oxyde ferreux noir. Cela a permis aux marchandises de posséder une finition brillante allant du gris foncé au noir, cohérente et distinctive. Les premiers exemples connus proviennent de Cerveteri et datent d'environ 675 avant JC. Cerveteri était également connue sous le nom de Cisra ou Caera. Les articles Bucchero étaient également produits dans de nombreux centres étrusques, dont les plus notables étaient Cerveteri, Tarquinia, Veii et Vulci). Cette découverte de fragments de poterie bucchero est devenue une marque révélatrice de la présence étrusque sur les sites archéologiques du centre et du nord de l'Italie. Les Étrusques étaient également des commerçants dans toute la Méditerranée. Ainsi, les produits bucchero étaient exportés au-delà de l'Italie vers des pays aussi lointains que l'Ibérie et le Levant.

Curieusement, les objets bucchero affichent la tendance inverse du raffinement observée dans de nombreuses autres évolutions de types de poterie. Les objets de la première période sont plus fins, avec des parois beaucoup plus minces et fabriqués avec plus de soin. Ce style de bucchero est connu sous le nom de « sottile » ou « fin ». Il existe ensuite une étape intermédiaire dite « transizinale » ou « transitionnelle ». Vient ensuite une phase finale où les marchandises sont qualifiées de « pesante » ou « lourdes ». Les produits raffinés sont généralement associés aux villes étrusques du sud et les produits plus lourds au nord. Chiusi est devenu un centre particulièrement réputé pour les objets pesante, la plupart étant des objets funéraires. Les dates de chaque style sont généralement citées comme suit : beau bucchero de 675 à 625 avant JC ; bucchero de transition de 625 à 575 avant JC ; et bucchero lourd de 575 à 480 avant JC.

Finalement, au début du 5ème siècle avant JC, le bucchero fut remplacé par des poteries étrusques plus raffinées telles que des articles à glaçure noire et rouge. Il y avait également une quantité importante de vaisseaux grecs importés, spécialement fabriqués en Grèce pour répondre aux goûts étrusques. La poterie grecque a finalement été fabriquée par des potiers locaux et immigrés, imitant les styles grecs populaires. Malgré l’importation de poteries grecques, les potiers étrusques n’étaient pas dénués d’ambition. Ils produisaient des récipients destinés à un usage quotidien ordinaire, tels que des bols, des tasses à une ou deux anses, des calices et des cruches. Cependant, les potiers étrusques ont également réalisé des pièces plus élaborées avec l'ajout de figures tridimensionnelles d'animaux et d'humains, les têtes féminines étant particulièrement populaires.

L'influence grecque sur les styles de poterie étrusque se manifeste dans des choix tels que l'amphore omniprésente et la tasse à deux anses ou « kantharos ». D'autres formes incluent des offrandes votives et des objets placés dans les tombes pour accompagner les morts dans la vie suivante. Un exemple courant de ces dernières offrandes votives sont les plateaux de service simples appelés « focolare ». Ces plateaux étaient livrés avec des bols, des assiettes, des tasses et des ustensiles. Une autre forme d'ex-voto était celle des figurines. Celles-ci sont plus proches de la sculpture que de la poterie pure. Il en va de même pour les récipients anthropomorphes comme le coq de Viterbe qui possédait un petit couvercle. Si l’on en croit l’inscription de l’alphabet étrusque, le récipient fonctionnait comme un encrier.

Les formes du bucchero ont également été influencées par la ferronnerie contemporaine, en particulier les objets en bronze. La poterie était probablement appréciée pour sa finition brillante rappelant le métal bruni. En effet, cette imitation allait parfois jusqu'à se manifester par le revêtement de certains vases bucchero de feuilles d'or ou d'argent, et parfois aussi d'une fine couche d'étain. Des décorations de crêtes et des pièces sculptées appliquées peuvent compléter l'illusion d'une ferronnerie en relief. De nombreux produits bucchero sont restés bruts. Cependant, la décoration lorsqu'elle est présente peut prendre la forme de lignes simples, de spirales et d'éventails en pointillés incisés sur la surface. De l'ocre rouge était parfois peinte dans ces incisions. Cependant, les archéologues n'ont récupéré que très peu d'exemplaires avec leur peinture intacte.

Une autre décoration populaire était l’application de formes géométriques disposées symétriquement autour du récipient. Cela donnait l'illusion d'optique que le récipient avait été pressé de l'intérieur. Comme c'était le cas pour les formes d'art étrusques, de nombreux motifs décoratifs et scènes utilisés dans la production de poterie ont été influencés par l'art ionien et du Proche-Orient. La poterie grecque décorée d’Attique et de Corinthe était particulièrement populaire en Étrurie. Les scènes incisées de la mythologie grecque étaient également un choix très populaire pour les artistes bucchero. Des motifs et des scènes ont été appliqués sur le pot avant la cuisson à l'aide d'un tampon fixe ou d'un tampon cylindrique [Encyclopédie de l'histoire ancienne].

SCULPTURE ÉTRUSQUE EN BRONZE: Les Étrusques produisaient des objets en bronze remontant à la période villanovienne entre 1100 et 750 avant JC. Ils utilisaient le bronze pour toutes sortes d’objets, tant utilitaires que décoratifs. Mais ce sont les sculptures villanoviennes et étrusques qui sont devenues certaines des attractions vedettes des musées du monde entier. Le bronze était un matériau très recherché tout au long de l’Antiquité. Il était fréquemment et facilement fondu pour être réutilisé. Il est donc encore plus remarquable que des œuvres aussi belles que la Chimère d'Arezzo et Mars de Todi aient survécu. Ils témoignent aujourd'hui du talent artistique exquis de la première grande civilisation italienne.

L'Étrurie avait la chance de disposer de riches ressources en métaux, notamment en cuivre, en fer, en plomb et en argent. Les premiers Étrusques en faisaient bon usage. Le bronze était utilisé pour fabriquer une large gamme de produits. Ceux-ci comprenaient des outils, des armes, des armures, des pièces de monnaie, des bijoux, des éventails, des lampes à huile, des brûleurs d'encens, des miroirs, des trépieds, des plats et ustensiles de tous les jours, des chaudrons, des mors de cheval, des coffres et même des chars. Les Étrusques utilisaient une gamme complète de techniques. Le bronze était martelé, taillé, gaufré, gravé, riveté et coulé à l'aide de moules ou selon la technique de la cire perdue.

À partir du milieu du VIIIe siècle avant JC, les artistes étrusques bénéficièrent de contacts avec des commerçants de Phénicie, de Sardaigne, d'Égypte, d'Europe centrale et des Balkans. L'Étrurie a également bénéficié de l'immigration de colons grecs, notamment eubéens. Ces influences ont introduit des raffinements technologiques dans le travail du métal et une toute nouvelle gamme d'idées artistiques. De nombreuses villes étrusques installèrent des ateliers spécialisés dans la production d'œuvres en bronze. Ceux-ci comprenaient Acquarossa, Cerveteri, Chiusi, Populonia, Tarquinia, Vulci, Volsinii et Volterra.

Pour donner une idée de l'ampleur de la production et de la prépondérance des objets en bronze, les Romains auraient pillé plus de 2 000 statues en bronze lorsqu'ils attaquèrent Volsinii en 264 av. Volsinii était l'Orvieto d'aujourd'hui. Les statues pillées ont été fondues pour produire de la monnaie romaine. Souvent montées sur un petit socle en pierre, les figurines en bronze constituaient une forme courante d'offrande votive dans les sanctuaires et autres sites sacrés. Certaines étaient à l'origine recouvertes de feuilles d'or, comme celles trouvées à la Fonte Veneziana d'Arretium. Une des premières découvertes archéologiques était une figurine en bronze martelé et coulé du 6ème siècle avant JC représentant une déesse tenant un oiseau. Trouvé dans le « Tombeau d'Isis » à Vulci, il mesure près de 15 pouces de hauteur. À l’origine, il possédait des yeux incrustés et certaines parties étaient recouvertes d’une feuille d’or. La figurine se trouve désormais au British Museum de Londres.

La plupart des figurines sont des femmes vêtues de longues robes chiton, des hommes nus comme les kouroui grecs, des guerriers armés et des jeunes nus. Parfois, des dieux étaient représentés, notamment Hercule. Une pose courante des figurines votives est d'avoir un bras levé, peut-être en signe d'appel, et de tenir un objet. L'objet détenu pouvait varier, mais il s'agissait généralement d'une grenade, de fleurs ou d'un aliment circulaire qui était probablement un gâteau ou du fromage. De beaux exemples d'œuvres en bronze plus petites incluent une figurine du VIe siècle avant JC représentant un homme faisant une offrande votive. Cette découverte archéologique particulière provenait du « Tombeau de la statuette en bronze du porteur d'offrande » à Populonia. Une autre œuvre remarquable est la statuette du IVe siècle avant JC représentant deux bœufs et un laboureur d'Arretium.

Volterra était connue pour sa production de figurines en bronze distinctives. La caractéristique la plus extraordinaire qui les distingue est qu’ils sont des figures humaines extrêmement grandes et minces avec de petites têtes. Ils semblent presque modernistes, comme dans l’art moderne curieusement quelque peu abstrait. Mais en fait, il s’agit très probablement d’une relic de figures beaucoup plus anciennes taillées dans une feuille de bronze ou sculptées dans du bois. L'exemple le plus célèbre date du IIIe siècle avant JC. Elle est connue sous le nom d'"Ombra della Sera" ou "Ombre du soir". Il mesure presque deux pieds et représente un garçon nu qui se tient rigidement au garde-à-vous et affiche juste un soupçon de sourire. La figure est exposée au « Musée Etrusco Guarnacci » de Volterra.

Les œuvres d’art étrusques étaient exportées partout dans la Méditerranée. Beaucoup ont été découverts sur des sites sacrés comme Olympia , Delphes et Dodone. Des écrivains anciens tels que l'historien romain Pline l'Ancien du 1er siècle après JC ont fait l'éloge des Étrusques pour leur sculpture en bronze en déclarant : « Nous voyons l'Apollon toscan, dans la bibliothèque du temple d'Auguste, à cinquante pieds de haut ; et la question se pose de savoir si elle est plus remarquable par la qualité du métal ou par la beauté du travail… » L'historien contemporain W. Keller explique ce qui était unique dans la sculpture étrusque en bronze par rapport aux œuvres d'autres cultures contemporaines :

«… Ce n'était pas la manière étrusque de se concentrer sur l'extérieur, de viser une perfection irréelle et idéalisée de la forme. Leurs œuvres dynamiques et vitales pulsées de vie. Qu'il s'agisse de figures d'animaux ou d'êtres humains, elles n'étaient ni régulières, ni équilibrées, ni idéales. Les artistes étrusques cherchaient avant tout à faire ressortir la quintessence de leur sujet, ses caractéristiques individuelles. Ils s'efforçaient d'exprimer la force motrice intérieure, les profondeurs inconscientes... Les artistes étrusques cherchaient à saisir la personnalité d'un homme, son noyau dur et à le transmettre de manière réaliste, indépendamment de l'esthétique. Ce sont leurs œuvres qui ont inspiré l’art sobre et réaliste du portrait romain… »

La Chimère d'Arezzo est l'un de ces chefs-d'œuvre. C'est un monstre cracheur de feu de la mythologie grecque. La Chimère possédait une tête de lion, une queue de serpent et une tête de chèvre dépassant de son dos. Cette sculpture étrusque a été coulée en bronze selon la technique de la cire perdue. La sculpture mesure 31 pouces de haut et mesure 51 pouces (plus de 4 pieds !) et 129 cm de longueur. Elle date du 5ème ou 4ème siècle avant JC. La queue originale a été perdue dans l'Antiquité et la queue actuelle est le résultat d'une restauration. La restauration a été réalisée au XVIIIe siècle à partir d'un fragment survivant. La Chimère faisait probablement partie d'une composition de pièces qui aurait inclus le héros Bellérophon, qui tua le monstre. La composition aurait également probablement inclus le cheval ailé de Bellérophon, Pégase.

Il y a une inscription sur une jambe de la Chimère qui dit « tinscvil » ou « cadeau à Tin ». L'inscription indique clairement que la Chimère était une offrande votive au dieu Tin, également connu sous le nom de « Tinia ». L’étain était le chef du panthéon étrusque, comme Zeus l’était pour les Grecs et Jupiter pour les Romains. Miraculeusement, la sculpture a été retrouvée dans un fossé en 1553 après JC, alors que de nouvelles fortifications étaient érigées à Arezzo par Cosme de Médicis, le grand-duc de Toscane. Il est actuellement exposé au Musée Archéologique de Florence.

Un autre chef-d'œuvre étrusque est le « Mars de Todi ». Datant de la fin du Ve siècle ou du début du IVe siècle avant JC, ce personnage saisissant, presque grandeur nature, porte une cuirasse et tenait autrefois une lance. D'un autre côté, il versait probablement une libation. La figurine mesure 56 pouces de haut et porte une inscription en ombrien « ahal trutitis donum dede ». Cela révèle que la statue a été dédiée par Ahal Trutitis, un Celte. On pense qu'il a été fabriqué à Arretium. Cependant, la statue a été découverte près de Todi où elle a été enterrée rituellement dans une tranchée bordée de pierres après avoir été frappée par la foudre. Il est aujourd'hui exposé aux Musées du Vatican à Rome.

Un autre chef-d'œuvre étrusque en bronze est la « Minerve d'Arezzo ». Cette statue est une représentation de la déesse étrusque « Ménerve ». Ménerve était l'équivalent étrusque de la déesse grecque Athéna et de la déesse romaine Minerve. La statue « Minerve d'Arezzo » a été réalisée entre le IIIe et le Ier siècle avant JC. Découvert en 1541 après JC dans un puits d'Arezzo, il est actuellement exposé au Musée Archéologique de Florence.

Un autre chef-d'œuvre du bronze étrusque est une tête de portrait connue sous le nom de « Portrait d'homme barbu – 'Brutus' ». Cette tête de portrait est montée sur un buste moderne et a longtemps été identifiée à Brutus. Brutus fut le premier conseil de Rome, vers la fin du 6ème siècle avant JC. Cependant, il n’existe aucune preuve solide de cette association. La plupart des historiens de l'art s'accordent à dire que, pour des raisons stylistiques, il s'agit d'une œuvre étrusque datant d'environ 300 avant JC, des siècles après l'époque de Brutus. La tête du portrait en bronze est aujourd'hui exposée aux Musées Capitolins de Rome.

Une autre statue étrusque en bronze remarquable est la représentation grandeur nature de « L'Arringatore » ou « L'Orateur ». Cette figure grandeur nature a été réalisée dans la première moitié du Ier siècle avant JC. La représentation présente un personnage masculin debout portant une tunique à manches courtes et une toge. Un bras est tendu comme pour prononcer un discours. Une inscription indique qu'elle était offerte au nom d'un certain « Aule Meteli ». Bien sûr, la statue peut représenter ou non cet individu spécifique). La statue a été découverte près du lac Trasimène en 1566 après JC et est actuellement exposée au musée archéologique de Florence.

Aucune description de la statuaire en bronze ne serait complète sans la mention de l’une des statues les plus célèbres et immédiatement reconnaissables au monde. Initialement considéré comme d'origine étrusque, ce chef-d'œuvre est connu sous le nom de « Louve Capitoline ». Cette représentation mondialement reconnaissable est celle d’une louve allaitant les mythiques frères cofondateurs de Rome, Romulus et Remus. Exposée aux Musées Capitolins de Rome, on a longtemps pensé qu'il s'agissait d'une sculpture étrusque. Cependant, les experts pensent désormais que ce magnifique bronze a été produit au 11ème ou 12ème siècle après JC [Encyclopédie de l'histoire ancienne].

MIROIRS ÉTRUSQUES EN BRONZE: La civilisation étrusque a prospéré en Italie centrale entre le VIIIe et le IIIe siècle avant JC. À cette époque, la culture produisait un art distinctif sous la forme de poteries décorées, de sculptures de personnages, de peintures murales et de miroirs en bronze gravés. Peut-être assez injustement, ce sont les miroirs en bronze gravés qui ont fait la renommée des Étrusques au cours des millénaires qui ont suivi. Les Étrusques ont longtemps eu une réputation d’efféminité et d’amateurs de luxe qui était tout à fait imméritée. Cette image a été encouragée et perpétuée par leurs conquérants les Romains. Le grand nombre de miroirs en bronze de fabrication étrusque trouvés dans leurs tombes et ailleurs n'a fait qu'alimenter cette réputation de grands narcissiques de l'ancienne Méditerranée.

Les anciens Étrusques appelaient les miroirs « malena » ou « malstria ». Ils ont été produits en grande quantité pour la première fois à partir de la fin du 6ème siècle avant JC jusqu'à la conquête du 2ème siècle avant JC par Rome. Ils étaient fabriqués localement dans des villes étrusques telles que Vulci, Tarquinia, Cerveteri et Chiusi. Ceci est amplement attesté par le grand nombre de découvertes dans ces lieux. En plus d'être un objet pratique d'usage quotidien, les miroirs étaient un symbole de statut pour les femmes aristocratiques étrusques. Ils étaient souvent décorés avec un grand savoir-faire. Ils apparaissent également sur les peintures murales des tombes étrusques, souvent portées par une servante.

Si le fait qu’ils aient été trouvés dans des tombes réservées aux hommes est un indicateur, il existe des preuves qu’ils ont également été utilisés par certains hommes. Les miroirs ont survécu en grand nombre. Plus de 3 000 ont été découverts. Les miroirs étaient généralement offerts dans le cadre de la dot de la mariée. Il est fort probable que ces objets de valeur aient également acquis une valeur sentimentale. Ils étaient généralement déposés avec les défunts dans les tombes étrusques. Les chercheurs pensent que cela reflète la valeur sentimentale qu’une personne attacherait normalement à l’un des objets les plus précieux que la personne a utilisés quotidiennement tout au long de sa vie. Curieusement, de nombreux miroirs ainsi placés dans les tombes ont vu leur surface réfléchissante rendue inutile par l'ajout de l'inscription « suthina », signifiant « de la tombe ».

Comme leurs homologues grecs, les miroirs étrusques en bronze étaient conçus pour être tenus à la main à l’aide d’une seule poignée. Le côté réfléchissant des miroirs a été réalisé en polissant ou en argenté la surface. À partir du 3ème siècle avant JC, davantage d’étain fut utilisé dans l’alliage du bronze. Cela a abouti à une surface réfléchissante avec une image plus claire et moins sujette aux rayures et à la corrosion. Certains miroirs à partir du IVe siècle avant J.-C. étaient protégés par un couvercle concave fixé par une seule charnière. L'intérieur du couvercle était souvent poli pour refléter davantage de lumière sur le visage de l'utilisateur. La surface extérieure du couvercle portait souvent des reliefs découpés remplis d'un support en plomb. Un troisième type de miroir a une surface réfléchissante ronde placée dans le couvercle d'une boîte en bois.

La moitié des miroirs en bronze récupérés par les archéologues ont un revers uni. L'autre moitié des spécimens récupérés s'est avérée une surface irrésistible pour une décoration gravée, une inscription ou même un relief peu profond sculpté. Cette dernière technique de décoration est encore plus rarement incrustée d'argent. Il existe un exemple de ce traitement exquis et rare au British Museum de Londres. Les poignées ont été formées en coulant le miroir avec une soie en bas. Celui-ci pourrait ensuite être inséré dans un manche en bois, en os ou en ivoire. Cependant, à l'exception de la soie, peu de manches fabriqués à partir de substances périssables comme le bois, l'os ou l'ivoire ont survécu intacts aux millénaires. Certaines poignées étaient peintes ou comportaient des scènes en relief sculptées.

Un type différent de miroir a été produit à partir du 4ème siècle avant JC, dont la poignée était moulée avec le corps. Beaucoup de ce dernier type ont une tête de bélier ou de biche en bronze décorant l'extrémité du manche. L’objectif principal de la décoration étrusque des miroirs semble être précisément cela : la décoration. Cependant, ces objets de valeur pourraient aussi être devenus des transferts symboliques de richesse et de liens familiaux. Un exemple aurait pu être lorsque les mariés appartenaient à des clans différents. Le décor peut alors avoir représenté soit directement, soit métaphoriquement l'union du patrimoine de deux familles.

Les scènes et les personnes ornées des miroirs sont souvent utilement identifiées par des inscriptions qui les accompagnent autour du bord du miroir, et celles-ci décrivent parfois même le propriétaire. Un spécimen possédait par exemple l'inscription « Je suis le miroir de Larthi Puruhena ». Un autre spécimen identifiait le donateur ou le donateur avec l'inscription « Tite Cale à sa mère a offert ce miroir en cadeau ». Environ 300 miroirs découverts portent des noms inscrits, la plupart étant des femmes. Ils constituent donc un indicateur anthropologiquement significatif de l’alphabétisation des femmes étrusques.

Certains miroirs présentent des scènes de la vie quotidienne. Il s'agit notamment des préparatifs du mariage, des couples s'embrassant ou d'une dame en train de s'habiller. Cependant, les sujets de loin les plus courants pour la décoration des miroirs étaient les scènes de la mythologie. Ici, les miroirs ont illustré la grande influence de la culture grecque sur les Étrusques, car les mythes représentés sont invariablement d'origine grecque. Parfois, le mythe est une variante possédant une « torsion » ou une « saveur » étrusque, mais ils étaient néanmoins d'origine grecque. Les scènes représentées sont souvent encadrées par une bordure de feuilles torsadées de lierre, de vigne, de myrte ou de laurier.

Il n’est peut-être pas surprenant que les mythes impliquant un certain degré de vanité ou des dieux réputés pour leur beauté physique soient des sujets particulièrement populaires. Ainsi l’histoire a conservé des scènes de Paris déterminant laquelle des trois déesses est la plus belle. La plupart des représentations suggèrent que la beauté d'Aphrodite était supérieure à celle d'Athéna et d'Héra. Aphrodite était connue des Étrusques sous le nom de « Turan », la déesse de l’amour et de la beauté. Alternativement, Aphrodite était souvent représentée comme étant soignée et embellie par son entourage.

D'autres représentations sont celles de l'incroyablement beau Adonis, favori d'Aphrodite, connu des Étrusques sous le nom d'« Atune ». Une autre représentation courante était celle de Zeus emportant le séduisant jeune Ganymède, connu des Étrusques sous le nom de « Catamite ». Eos, l'Aube ailée connue pour son amour des beaux chasseurs, est également fréquemment représentée sur le côté embelli des miroirs gravés. Une autre représentation très populaire était celle de la beauté terrestre la plus célèbre de toutes : Hélène de Troie. Il s'agissait toutes de divinités et de personnifications mythologiques destinées à inspirer ceux qui parvenaient à s'extraire du côté réfléchissant du miroir [Encyclopédie de l'histoire ancienne].

LA CHIMÈRE ÉTRUSQUE: La Chimère d'Arezzo est une statue en bronze sculptée par les Étrusques du nord et du centre de l'Italie entre le Ve et le IVe siècle avant JC. La créature est le monstre cracheur de feu de la mythologie grecque qui a une tête de lion, une queue de serpent et une tête de chèvre dépassant de son dos. La statue menaçante a été découverte à Arezzo en Toscane, en Italie et est souvent citée comme le plus bel exemple de l'art étrusque. C'est aujourd'hui l'une des pièces phares du Musée Archéologique National de Florence. Dans la mythologie grecque, le monstre cracheur de feu Chimère était la progéniture de Typhon et d'Échidna. Typhon et Echidna eux-mêmes étaient des monstres mi-serpent, mi-humains. Dans d'autres versions du mythe, la Chimère a été élevée par Amisodarus.

La Chimère fut finalement tuée par le héros Bellérophon, fils de Poséidon. C'était un défi apparemment impossible que lui avait lancé Iobates, le roi de Lycie, à l'instigation de son frère, le roi Protée de Tirynthe. Aidé de son cheval ailé Pégase Bellérophon, il poignarda mortellement le monstre avec sa lance. Les sujets mythologiques étaient un sujet populaire dans l'art étrusque. Cela était particulièrement vrai pour les animaux, et particulièrement lorsque le support artistique était le bronze. La statue de la Chimère a été découverte en 1553 après JC lors de la construction de fortifications dans la ville d'Arezzo, l'ancienne Arretium. La découverte a eu lieu sous le règne de Cosme de Médicis, grand-duc de Toscane.

La Chimère a été fouillée dans une tranchée avec d'autres ex-voto tels que de petites statues près de la Porta San Lorentino. En 1566 après JC, les travaux de tranchées ont révélé une autre belle statue étrusque, « l'Orateur ». Tellement impressionné par la figure de la Chimère qu'il était Cosme de Médicis, le grand-duc de Toscane l'a adoptée comme symbole de son règne. La créature grandeur nature mesure 31 pouces de haut et mesure 50 pouces de longueur. Il a été coulé en bronze selon la technique de la cire perdue. Il prend une pose tendue, presque prêt à se jeter sur sa victime. L'arrière de la Chimère s'accroupit, prêt pour le ressort et ses griffes sont complètement déployées.

La tête de lion a une crinière de points triangulaires superposés qui correspondent aux pointes velues le long de son dos pour compléter l'apparence d'une menace hérissée. La tête de la chèvre qui dépasse de son dos vacille d'un côté à cause d'une blessure qui saigne. La queue du serpent a également des crocs prêts. Il faut cependant ajouter que la queue de serpent est une restauration réalisée au XVIIIe siècle après J.-C. à partir d'un fragment survivant de la queue originale. Une autre blessure saignante est trouvée sur la patte arrière de la créature. La pièce faisait probablement partie d'une composition plus vaste qui aurait inclus Bellérophon et Pégase, d'où les blessures saignantes.

La Chimère comprend une inscription qui a été incisée dans la cire lors du processus de coulée. Écrite sur la jambe avant droite, l'inscription dit « tinscvil » ou « cadeau à Tin ». Cela indique que le chef-d'œuvre en bronze était destiné à être une offrande au dieu « Tin », également connu sous le nom de « Tinia ». « Étain » était la divinité suprême du panthéon étrusque, tout comme Zeus pour les Grecs ou Jupiter pour les Romains. L'offrande aurait eu pour but soit de persuader la divinité d'apporter son aide, soit d'apprécier l'aide déjà apportée. Les offrandes votives étaient déposées sur les autels sacrés des temples ou même enterrées. Cette dernière pourrait expliquer la survie miraculeuse de ce beau chef-d’œuvre de la statuaire étrusque [Encyclopédie de l’histoire ancienne].

PEINTURES TOMBEAUX ÉTRUSQUES: Les Étrusques ont prospéré en Italie centrale du VIIIe au IIIe siècle avant JC. L'un de leurs plus grands héritages historiques, culturels et artistiques réside dans les tombes magnifiquement peintes trouvées dans nombre de leurs villes importantes. Tarquinia, Cerveteri, Chiusi et Vulci possèdent notamment des tombes aux peintures murales remarquables. Celles-ci représentent des scènes vivantes et colorées de la mythologie étrusque et de la vie quotidienne. Parfois, les représentations représentent même les occupants de la tombe eux-mêmes. Dans la mesure où la civilisation a été impitoyablement écrasée, absorbée et éliminée presque sans laisser de trace par les conquérants romains, ces peintures funéraires sont un aperçu alléchant du monde perdu des Étrusques.

Les couleurs utilisées par les artistes étrusques étaient fabriquées à partir de peintures de matériaux organiques. Le blanc provenait de la craie ou du kaolin, le noir d'un mélange végétal et le vert de la malachite. Le rouge, l'ocre et le jaune provenaient des oxydes de fer. Le bleu est rare et était peut-être fabriqué à partir de matériaux importés tels que le lapis-lazuli. Il y a très peu d'utilisation de l'ombrage jusqu'au 4ème siècle avant JC par les artistes grecs via la Magna Graecia. Ces artistes ont introduit leur nouvelle méthode de clair-obscur avec ses forts contrastes de lumière et d'obscurité.

À Tarquinia, les peintures des tombes ont été appliquées sur une fine couche de base de plâtre. Les artistes ont d’abord dessiné les contours à la craie ou au fusain. En revanche, de nombreuses peintures murales de Cerveteri et de Veii ont été appliquées directement sur les murs en pierre, sans sous-couche de plâtre. Malheureusement, cela signifie qu'ils se sont détériorés dans une bien plus grande mesure que sur d'autres sites étrusques, comme Tarquinia. La « Tombe du singe » de Chiusi offre un autre aperçu fascinant de la technique. Là, l'artiste a peut-être utilisé un modèle pour ses sujets. Cela semble probable car certaines scènes ressemblent beaucoup à celles des tombes de Tarquinia. Encore plus convaincant, une paire de boxeurs qui se font face reflètent exactement les contours de chacun.

Aussi magnifiques que soient ces peintures, il convient de rappeler qu'elles n'ont été vues par personne, sauf lors de la cérémonie d'enterrement ou peut-être brièvement lorsqu'un autre membre de la famille a été enterré plus tard. Les tombes sont alors un exemple suprême de consommation ostentatoire. Seulement 2 % des tombes étaient peintes. Ainsi, pour l’élite, il s’agissait d’une brève démonstration de sa richesse et de sa supériorité au sein de la communauté. Cependant, les peintures ont un autre but, au-delà de la simple démonstration de richesse, et certainement plus important. Les peintures des tombes étrusques montrent que ces peuples croyaient à une vie après la mort. En plus de la fourniture d'objets funéraires allant des bijoux en or aux services de table, des décorations telles que des peintures funéraires ont en quelque sorte réconforté et aidé le défunt dans son voyage vers ce monde nouveau et inconnu.

Les premières tombes étrusques peintes datent du milieu du VIe siècle avant JC et ne comportent que des figures héraldiques peintes autour des portes ou de la large colonne centrale supportant deux entrées. Il s'agit généralement de représentations de sphinx ou de monstres mythiques qui servaient de gardiens de tombes et témoignent d'une influence phénicienne et proche-orientale. La Campana « Tombeau de Véies » du VIe siècle avant JC est un bon exemple de ce type. Au cours des siècles suivants, les murs des tombes de l'élite étrusque furent peints de manière plus ambitieuse. Des parties du tombeau ont été divisées pour des types spécifiques de décoration. Il y avait un dado en bas, un grand espace central, une corniche supérieure ou entablement, et l'espace triangulaire atteignant le plafond comme le fronton d'un temple classique.

Dans le grand espace mural central et dans la zone du fronton, des scènes colorées et animées ont été peintes de la mythologie, des pratiques et cérémonies religieuses et de la vie quotidienne étrusque. Les représentations de la vie quotidienne concernaient particulièrement les banquets en plein air, la danse, la chasse, la pêche et les événements sportifs tels que les jeux funéraires. Les jeux funéraires représentés comprenaient des compétitions de course, de saut, de lutte, de boxe et de disque. Il y a aussi des scènes érotiques occasionnelles. Les musiciens sont un autre sujet courant. Les musiciens étaient représentés jouant de la lyre en écaille de tortue, des castagnettes et de la double flûte aulos.

Tous les éléments de ces représentations montrent une influence résolument grecque, notamment ionienne. Cela ne comprend pas seulement les objets illustrés tels que les instruments de musique et les récipients à mélanger le vin. Il comprend également les activités illustrées. Ceux-ci incluent des convives allongés sur des canapés bas à un bras et le jeu grec consistant à jeter des restes de vin (résidus de vin non filtré) dans un vase, ou « kottabos ».

Il est peut-être surprenant que les tombes contiennent très peu de scènes liées à l'enterrement et à la mort. Les scènes se concentrent plutôt sur les joies de la vie. Le festin est une scène répétée maintes et maintes fois dans les tombes des sites étrusques. En effet, les Étrusques étaient célèbres dans toute la Méditerranée pour leur vie de luxe et leurs somptueux banquets mettant en vedette des produits exotiques. Les scènes donnent un aperçu important du statut social. Ils montrent que les femmes étrusques pouvaient assister à des beuveries alors que leurs homologues grecques ne le pouvaient pas.

En Grèce, seules les courtisanes pouvaient divertir les invités. Cependant, les inscriptions de certaines scènes représentées dans les tombes étrusques indiquent clairement que les femmes respectables participaient sur un pied d'égalité avec les hommes à ces soirées étrusques. Nous ne pouvons que spéculer sur la véritable signification des banquets peints. S'agit-il de représentations de défunts dans un moment heureux depuis longtemps révolu, de souvenirs de leur vie ? Ou est-ce que la représentation de personnes en deuil organise un festin funéraire pour leur être cher perdu ? Pourraient-ils même être une vision imaginaire de l’au-delà où la nourriture, la boisson et la joie ne cessent jamais ? Peut-être que nous ne le saurons jamais.

D'autres éléments décoratifs des peintures funéraires comprennent des éléments architecturaux qui encadrent souvent les scènes peintes décrites ci-dessus, ou y sont même représentés. Les tombes ont souvent une porte et un cadre peints comme métaphore du passage du défunt vers la vie suivante. D'autres éléments apparaissant dans la peinture incluent windows et des colonnes. Ceux-ci ont aidé les chercheurs à vérifier et à étayer les fouilles archéologiques de véritables bâtiments étrusques. Tarquinia possède environ 200 tombeaux étrusques. Ceux-ci se sont avérés riches en artefacts et décorés de magnifiques peintures murales. Par conséquent, Tarquinia a été désignée site du patrimoine mondial de l'UNESCO.

Les premières tombes sont des chambres rectangulaires creusées dans la roche et peintes pour reproduire les caractéristiques architecturales de vraies maisons. D'autres ont des plafonds peints pour imiter le tissu des tentes, faisant allusion à la pratique étrusque antérieure consistant à utiliser des tentes pour couvrir le défunt. Les créatures mythiques sont généralement peintes sur les piliers et les scènes de banquet près des plafonds. Les tombes ultérieures ont de fausses portes et des scènes peintes plus ambitieuses couvrant des murs entiers. Les scènes peintes représentent le plus souvent des convives allongés sur des canapés, des buveurs sur des nattes, des chasses, des jeux et des personnages faisant leurs adieux au défunt.

Le Tombeau des Taureaux date de 540 à 530 avant JC. Ce tombeau porte le nom de son occupant peint sur un mur, « Aranth Spurianas ». Les scènes peintes incluent Achille attaquant Troilus, le jeune prince troyen. Une frise au-dessus de cette scène représente deux taureaux et deux couples en train de s'accoupler. L'une des représentations est celle d'un trio hétérosexuel, l'autre représente un couple homosexuel). Un autre mur du tombeau représente le mythe de Bellérophon et Pégase avec le héros chevauchant un cheval et faisant face à la Chimère et à un sphinx. Enfin, il y a une scène d'un jeune homme chevauchant un hippocampe, un hippocampe mythique. L'homme chevauche l'hippocampe au-dessus de l'océan. Les érudits pensent qu'il s'agit peut-être d'une métaphore du voyage de l'occupant de la tombe vers la vie suivante.

Le nom trompeur de « Tombeau des Lionnes » a été construit entre 530 et 520 avant JC. Il représente en réalité deux panthères et non des lions. Les peintures de la tombe représentent une grande scène de beuverie. Le tombeau est également remarquable pour son plafond à damier inhabituel et ses six colonnes en bois peint. On y trouve également une belle frise de dauphins, d'oiseaux, de palmettes et de fleurs de lotus. Le Tombeau des Augures fut achevé vers 520 avant JC. Les peintures funéraires comprennent la représentation de deux lutteurs nus. Même leurs noms sont donnés, « Teitu » et « Latithe ». Les deux étaient probablement des esclaves. Entre les deux lutteurs se trouvent trois bols, les prix du victor .

On y trouve également la représentation d'un personnage qui apparaît dans plusieurs autres tombes contemporaines. Le chiffre est celui de « Phersu ». Il est représenté comme un homme portant un masque à barbe noire. Il tient en longue laisse un chien féroce. Le chien est représenté attaquant un homme dont la tête est enveloppée dans un tissu. Le « Tombeau du Baron » date d'environ 510 avant JC. La tombe porte le nom de son découvreur, le baron Kestner. Les peintures de la tombe comprennent une représentation de diverses figures humaines debout ou à cheval. Il s'agit notamment d'une femme surprise en train de dire adieu, vraisemblablement à l'occupant de la tombe.

Contemporain de ce tombeau se trouve le « Tombeau Cardarelli », du nom d'un poète local. Cette tombe comprend la représentation d'une femme portant une cape fluide et des chaussures pointues rouges. Elle est accompagnée d'une fille et d'un garçon esclaves, ce dernier portant un éventail. Parmi les autres personnages représentés dans la tombe figurent deux boxeurs nus, des danseurs et des musiciens. Le « Tombeau des Bigas » est daté d’environ 480 avant JC. Les peintures de la tombe représentent des jeux sportifs et une course de chars. Un char était connu sous le nom de « bighe » par les anciens Étrusques, d'où le nom de « Tombeau des Bigas ». La représentation de la course comprend une grande foule de spectateurs qui regardent la course. La foule dessinée avec imagination comprend certains personnages en vue de trois quarts et d'autres en raccourci pour fournir une perspective.

Le « Tombeau des mourants » et le « Tombeau du mort » sont tous deux datés d’environ 470 av. Les deux sont inhabituels dans la mesure où ils représentent en réalité leurs occupants respectifs allongés sur leur lit de mort, entourés de parents en deuil. Le « Tombeau des Démons Bleus » fut achevé entre 420 et 400 avant JC). Les représentations de cette tombe offrent un rare aperçu de la vision étrusque des enfers. À ce stade avancé de la culture étrusque, le point de vue est probablement fortement influencé par les idées grecques. Néanmoins, le monde souterrain représenté est habité par des démons à la peau bleue et noire. L'un des démons est représenté tenant deux serpents. Cependant, il existe également des représentations plus chaleureuses de parents déjà décédés de l'occupant attendant d'accueillir l'occupant de la tombe, en attente d'une réunification dans l'au-delà.

Parmi les tombes ornées de peintures murales, citons la « Tombe du Singe » à Chiusi. Ce tombeau a été construit entre 480 et 470 avant JC. Les représentations à l'intérieur de la tombe incluent une scène d'un singe assis dans un arbre. Une autre représentation est celle d’une femme vêtue d’une robe rouge assise sous un parasol. Ses pieds sont posés sur un tabouret tandis qu'elle regarde un défilé de jongleurs, d'athlètes, de danseurs et de chars. Une autre figure féminine est représentée en train de danser, tout en tenant en équilibre un brûle-encens sur sa tête. Le brûleur d'encens constitue une cible sur laquelle les buveurs peuvent jeter leurs restes de vin. Le plafond présente un intéressant coffre unique peint qui présente quatre sirènes soutenant une rosace avec une plante à quatre feuilles. Le motif réapparaîtra dans l'architecture romaine et paléochrétienne, mais avec des anges au lieu de sirènes.

Le splendide « Tombeau des reliefs en stuc » a été construit à Cerveteri pour la famille Matuna au cours du dernier quart du IVe siècle avant JC. On y accède par un couloir en escalier raide. Le couloir s'ouvre sur une salle avec des bancs en pierre de tous les côtés et des emplacements pour 32 corps. Les deux colonnes et les murs de la chambre sont recouverts de stuc peint représentant des objets du quotidien tels que des cordes, des bannières, des cruches, des couverts, des haches, des éventails, du linge de lit, des armures, des trompettes et même des jeux de société. De nombreux objets sont suspendus à des clous, imitant la maison étrusque typique. Les armoires de rangement étaient largement inconnues dans les maisons étrusques et les biens étaient accrochés aux murs. Les animaux apparaissent également apparemment au hasard avec des oies, des canards et même un chien maltais poursuivant un lézard.

La contribution exceptionnelle de Vulci à la peinture murale étrusque est le « Tombeau de François » de la fin du IVe siècle avant JC. Le tombeau porte le nom de son découvreur Alessandro François. L'atrium du tombeau comportait deux scènes principales. Les deux scènes sont des massacres sanglants. L’une est une représentation d’un épisode du mythe thébain. L'autre est tiré de l'Iliade d'Homère. Le premier montre Etéocle qui était roi de Thèbes et fils d'Œdipe. Il est représenté en combat mortel contre son frère Polyneikes. Tous deux sont représentés nus et juste au moment de s'entre-tuer avec leurs épées. Le sang jaillit de partout.

La scène de l'Iliade montre le sacrifice des prisonniers troyens lors des funérailles de Patrocle, l'acolyte préféré d'Achille. La figure de Charun est également représentée. Charun est le gardien des enfers et est représenté portant son marteau habituel. Et puis il y a la représentation d’un Vanth ailé, l’une des divinités messagères étrusques. Un autre mur semble être la représentation d'une véritable bataille entre les Étrusques de Vulci et leurs rivaux des villes étrusques de Volsinii et Sovana. Pour ajouter une autre couche de complexité, plusieurs des dix personnages représentés sont nommés en étrusque. Leur ville natale est également identifiée. Cependant, si certains portent des noms étrusques, d’autres portent des noms romains.

Cette représentation pourrait être une référence au conflit du VIe siècle avant JC entre les Étrusques et les Romains. Cette époque a été marquée par diverses luttes de pouvoir dynastiques au cours desquelles plusieurs des premiers rois de Rome étaient d'origine étrusque. Les noms de la bataille incluent trois héros de Vulci. Le premier est Macstrna. Il s'agit peut-être du légendaire deuxième roi étrusque de Rome, mieux connu sous le nom de Servius Tullius. Les deux autres héros représentés sont Caile et Avle Vipinas, deux frères. Il s’agit probablement de véritables personnages historiques. La tradition veut qu'ils s'étaient installés à Rome sur la colline Caelienne.

Macstrna est en train de libérer Caile Vipinas dont les mains sont liées. En même temps, Avle Vipinas est représenté en compagnie de trois autres personnes vraisemblablement également de Vulci. Ils sont montrés attaquant avec des épées un groupe de coalition de Volsinii, Sovana et Rome. Le Romain est identifié comme étant Cnaeus Tarquinius. Il est représenté recroquevillé sous l'épée de Marce Camitlnas, sur le point d'être tué. Certains historiens considèrent le personnage romain comme Tarquinius Priscus, le légendaire roi de Rome qui régna de 616 à 579 av. Il pourrait également s'agir de la représentation d'un jeune parent du roi Tarquinius Priscus.

S'il s'agit du roi, le tableau offre une alternative à la tradition romaine selon laquelle Priscus a été assassiné par ses fils. Le tombeau de François suggérerait qu'il a perdu la vie et son trône dans une bataille contre les Étrusques. Une autre peinture dans la tombe montre un homme nommé dans une inscription comme « Vel Saties ». Situé à l'origine près de la porte de l'atrium, il s'agit peut-être de l'occupant du tombeau. Le personnage représenté est peut-être celui d'un magistrat ou d'un auspicium, un lecteur de présages. Il est représenté portant un manteau brodé bleu foncé sur lequel figurent plusieurs personnages masculins nus qui dansent tout en portant des boucliers. L'homme porte également une couronne de laurier et est accompagné d'un nain nommé Arnza.

Le nain est représenté agenouillé tenant un pic ou une hirondelle attachée à une ficelle. L'oiseau est sur le point d'être relâché sous les yeux de Vel Saties. Un érudit interprète la représentation de Verl Saties comme un auspicium sur le point de lire le vol de l'oiseau et de deviner sa signification en tant que présage. C'était une pratique courante au sein de la religion étrusque et aurait été pratiquée par un auspicium. D'autres interprétations de la représentation suggèrent que l'oiseau n'est rien de plus qu'un animal de compagnie pour un enfant. Un autre érudit suggère que Vel Saties regarde l'oiseau sur le point d'être relâché dans une métaphore de son propre passage imminent dans la vie suivante [Encyclopédie de l'histoire ancienne].

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