Neuf Britannique Musée Huiles & Parfums De Ancien Égyptien Lotus Amande Cèdre

Huiles et parfums du British Museum de l'Egypte ancienne par JOANNE FLETCHER.

NOTE: Nous avons 75 000 livres dans notre bibliothèque, soit près de 10 000 titres différents. Il y a de fortes chances que nous ayons d'autres exemplaires de ce même titre dans des conditions variables, certaines moins chères, d'autres en meilleur état. Nous pouvons également avoir différentes éditions (certaines en livre de poche, d'autres à couverture rigide, souvent des éditions internationales). Si vous ne voyez pas ce que vous voulez, veuillez nous contacter et demander. Nous sommes heureux de vous envoyer un résumé des différentes conditions et prix que nous pouvons avoir pour le même titre.

DESCRIPTION: KIT ENTIER !!! Huiles/Parfums plus livre de poche de 64 pages. Éditeur : Harry N. Abrams, Inc.; (1999). Dans tout le monde antique, les Égyptiens étaient célèbres pour leurs senteurs et leurs parfums. Le pays était considéré comme le plus approprié pour la fabrication de tels produits. Comme la distillation de l'alcool n'était connue qu'au quatrième siècle avant JC, les parfums étaient extraits en trempant des plantes, des fleurs ou des éclats de bois odorants dans de l'huile pour obtenir de l'huile essentielle, qui était ensuite ajoutée à d'autres huiles ou graisses. Les matériaux étaient placés dans un morceau de tissu qui était essoré jusqu'à ce que la dernière goutte de parfum soit récupérée. Alternativement, ils étaient bouillis avec de l’huile et de l’eau et l’huile était écumée.

Quant aux huiles, le choix était large, les plus couramment utilisées étant le moringa, le balanos, l'huile de ricin, de lin, de sésame, de carthame et, dans une certaine mesure, l'amande et l'olive. Selon Théophraste, qui a fait une étude approfondie des substances odorantes dans un essai intitulé sur les odeurs, le balanos était l'huile la moins visqueuse et de loin la plus appropriée, suivie par l'huile d'olive fraîche et l'huile d'amande.

CONDITION : Tout neuf. Non ouvert. Il s'agit du kit complet, tel que publié, y compris tous les parfums et huiles originaux.

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REVUE DE L'ÉDITEUR:

AVIS : Quel type d’huile de massage Cléopâtre préférait-elle ? Quel pharaon brûlait de l'huile de lotus pour parfumer ses appartements ? Les amateurs d'aromathérapie et de parfums peuvent le découvrir dans ce coffret cadeau unique, qui ramène les parfums de l'Égypte ancienne au 20e siècle en proposant une sélection d'huiles essentielles authentiques prêtes à être appréciées. Les anciens Égyptiens disposaient d'une gamme d'huiles et de parfums pour chaque occasion et chaque usage. , à la fois dans cette vie et dans la suivante. Joann Fletcher discute des preuves fascinantes de leur bain et de leurs soins corporels et examine les différentes manières thérapeutiques et agréables dont ces essences ont été utilisées. Enfin, Fletcher suggère un certain nombre de méthodes avec lesquelles les amateurs de parfums modernes peuvent se faire plaisir, à la manière de l'Égypte ancienne. La boîte joliment imprimée contient : du lotus, du bois de cèdre, des feuilles de cannelle et de l'huile d'amande douce, le tout dans des bocaux en verre bleu ; Serviette en coton égyptien blanc 8 x 8, nouée avec un ruban de satin bleu ; Livre de poche illustré de 64 pages. Joann Fletcher est une experte en cosmétiques et cheveux anciens. Elle enquête actuellement sur la momie d'un pharaon au Caire et figure dans la prochaine série de Discovery Channel "Egypt Uncovered".

AVIS PROFESSIONNELS:

AVIS : Les anciens Égyptiens disposaient d'une gamme d'huiles et de parfums pour chaque occasion et chaque objectif, à la fois pour cette vie et la suivante. Fletcher discute des preuves fascinantes de leur bain et de leurs soins corporels et examine les différentes manières thérapeutiques et agréables dont ces essences ont été utilisées. Le coffret cadeau comprend un livre de 64 pages avec illustrations, trois flacons d'huiles essentielles dont un de 50 ml.

AVIS : Les anciens Égyptiens de tous les niveaux de la société étaient extrêmement préoccupés par le parfum et la propreté et utilisaient une gamme d'aromates et d'huiles essentielles pour convenir à toutes les occasions, dans cette vie et dans la suivante. Joann Fletcher étudie les nombreuses preuves provenant de sources artistiques, littéraires et archéologiques et fournit un guide sur diverses huiles et parfums appréciés par les anciens Égyptiens. Elle s'intéresse à leur origine, à la manière dont ils ont été produits et stockés et aux différentes manières dont ils étaient utilisés : pratiques, thérapeutiques, sociales, religieuses et funéraires. Enfin, elle suggère un certain nombre de façons de vous faire plaisir dans le véritable style égyptien ancien.

AVIS DES LECTEURS:

AVIS : J'ai récemment reçu cet ensemble en cadeau. Les huiles sont de qualité supérieure et le petit livre inclus est assez fascinant. Je le recommande vivement à tous ceux qui s'intéressent à l'aromathérapie et à l'herboristerie ainsi qu'à la culture des anciens Égyptiens.

AVIS : Le parfum de ces produits ne ressemble à rien de ce que j'ai jamais utilisé. Étant allergique à de nombreux parfums, ce n’était qu’une expérience heureuse. Après un massage d'aromathérapie, le parfum persiste pendant un bon moment et les gens me demandent quel parfum je porte. Alors que je fais des recherches sur les thérapies égyptiennes anciennes, ce fut juste une belle surprise. Je le recommande fortement.

AVIS : Une bonne première étape pour ceux qui souhaitent s'essayer à la fabrication des parfums utilisés par les anciens. Comprend des recettes et tous les noms connus des ingrédients, avec des alternatives. Un livre de bon rapport qualité prix, bien documenté et bien écrit.

AVIS: Cet ensemble du British Museum contient trois huiles de base largement utilisées dans l'Égypte ancienne et un livret de haute qualité retraçant l'histoire de cette utilisation, avec des recettes et des idées à utiliser. Je les adore et j’ai essayé de nombreuses idées. Apparemment, Cléopâtre a parfumé différentes zones de son corps et de ses cheveux avec des parfums différents en même temps, ce que j'ai commencé à imiter ; de l'huile de cannelle massée dans mes pieds, de l'huile de lotus légèrement brossée dans mes cheveux - s'entourer de parfum est tellement merveilleux ! C'est une expérience d'apprentissage délicieuse et sensuelle !

AVIS: C'est une lecture intéressante et une référence pour quiconque s'intéresse à la parfumerie du monde antique, l'Égypte. Il y a des recettes reproductibles à l’intérieur. Il comprend des informations sur les artefacts et les situations d'utilisation.

AVIS: J'ai lu de nombreux livres sur l'utilisation des plantes et des huiles aromatiques par l'Égypte ancienne, et celui-ci, bien que petit, regorge de documents très détaillés et historiquement précis. Les citations et la chronologie sont également utiles. Super recettes, super petit livre.

AVIS: Le parfum de ces produits ne ressemble à rien de ce que j'ai jamais utilisé. Étant allergique à de nombreux parfums, ce n’était qu’une expérience heureuse. Après un massage d'aromathérapie, le parfum persiste pendant un bon moment et les gens me demandent quel parfum je porte. Alors que je fais des recherches sur les thérapies égyptiennes anciennes, ce fut juste une belle surprise. Je le recommande fortement.

AVIS: Plein d'informations factuelles intéressantes et d'histoires intéressantes. Joanne Fletcher a un bon style d'écriture et une grande connaissance de son sujet.

CONTEXTE SUPPLÉMENTAIRE:

Arts cosmétiques de l’Égypte ancienne: Arts: Les peintures murales montrent clairement qu'il y a 4 000 ans, le maquillage était porté dans le haut Nil. Nous constatons désormais que des chimistes qualifiés ont créé des produits cosmétiques pour hommes, femmes et enfants – pour des raisons de santé. Lorsque Cléopâtre a séduit Marc Antoine, elle exerçait des pouvoirs plus subtils que ceux d'empiler des pierres dans des pyramides. La principale ruse féminine de la reine aurait été les arts cosmétiques. Aujourd’hui, les scientifiques sont également attirés par les lignes sombres et marquées du maquillage des yeux de l’Égypte ancienne. Des études montrent que les anciens Égyptiens possédaient peut-être une connaissance de la chimie complexe bien plus avancée que quiconque ne le soupçonnait auparavant.

"Pour nous, c'était très surprenant que les Égyptiens puissent créer des réactions chimiques aussi complexes sans connaître les lois de la chimie", déclare Patricia Pineau, directrice de la communication de recherche du géant des cosmétiques L'Oréal, qui a passé deux ans à analyser 4 000 ans d'expérience. cosmétiques égyptiens anciens avec des scientifiques du Louvre. Les 49 pots de maquillage en albâtre, bois et roseau qui constituent l'objet de l'étude ont été rapportés en France par Napoléon dans le cadre du butin de son invasion de l'Égypte. Finalement, les conteneurs ont fini dans les chambres fortes souterraines des laboratoires du Louvre.

Ce qui a dérouté les scientifiques, c'est que les anciens Égyptiens utilisaient la chimie « humide » : des réactions chimiques impliquant des ingrédients humides, généralement aqueux. On pense généralement que la plupart des règles de la chimie humide n’étaient pas entièrement comprises avant les derniers siècles. Pauline Martinetto, étudiante au laboratoire de recherche des Musées de France, affirme que l'on savait que les anciens Égyptiens utilisaient la chimie du « feu », employant la chaleur et le feu pour manipuler les matériaux, mais la découverte de leur utilisation de la chimie humide était totalement inattendue.

D'une manière élémentaire, la plupart des cuisines font appel à la chimie humide. Mélangez les œufs, la farine, le lait, le cacao et le sucre, et vous obtenez un gâteau au chocolat. Étant donné que les réactions chimiques sont rapides, la chimie humide en cuisine est facile à mettre en œuvre. Ce qui est étonnant dans la chimie humide égyptienne, c'est le temps qu'il a fallu pour obtenir un résultat et les procédures complexes nécessaires pour réussir. Les Égyptiens mélangeaient de l’eau salée, de l’oxyde de plomb et du chlorure de sodium pour produire des cristaux de chlorure de plomb destinés au maquillage des yeux. Le processus a nécessité plusieurs semaines de filtration de l’eau et de maintien des équilibres chimiques. " Sans beaucoup de connaissances en chimie, comment ont-ils eu la prévoyance de savoir qu'une réaction chimique déclenchée un jour produirait tel ou tel résultat au bout de plusieurs semaines ? " se demande Mme Pineau. "Et tout devait être pareil chaque jour. Changez un facteur et le produit aurait été ruiné. »

Ces composés sont bien trop rares en Égypte pour avoir été fournis naturellement au cours des huit siècles où ils ont été utilisés. Pauline Martinetto travaille parmi les hiéroglyphes et les microscopes dans le dédale des laboratoires de recherche sous le Louvre. Elle dit que ce n’est que récemment que les scientifiques ont eu le temps et les outils nécessaires pour jeter un nouveau regard sur ces cosmétiques très anciens. Ils se sont également tournés vers une recette vieille de 2 000 ans tirée de textes gréco-romains, pour recréer des composés similaires à ceux trouvés dans les cosmétiques égyptiens. À partir de là, ils spéculent que les Romains se sont peut-être inspirés des connaissances égyptiennes. L’équipe de recherche a également été surprise de constater à quel point les produits cosmétiques étaient bien conservés. Comme l'explique Marie Verdière, esthéticienne travaillant dans une parfumerie des Champs-Élysées, le maquillage moderne n'est valable qu'un an environ.

"Après cela, de nombreux rouges à lèvres ou crèmes commenceront à sentir mauvais et brûleront votre peau si vous essayez de les utiliser", dit-elle. Finalement, les graisses animales et autres huiles contenues dans le maquillage commencent à se décomposer. Une des raisons pour lesquelles les poudres sèches des cosmétiques égyptiens ont duré jusqu'à 40 siècles est qu'elles ont été enterrées dans l'air sec et sombre des tombes égyptiennes antiques. Mme Pineau dit que cela souligne l'importance du maquillage pour la femme égyptienne antique – et même pour l'homme. Le tombeau était censé contenir les objets nécessaires pour bien vivre dans l’au-delà.

Et les gens n’ont pas emporté les cosmétiques dans la tombe simplement pour paraître beaux dans le monde d’au-delà. Le maquillage était utilisé pour sa valeur thérapeutique. Les instructions médicales sur papyrus expliquent comment les produits ont été utilisés pour traiter les problèmes oculaires. Cette ancienne industrie pharmaceutique égyptienne en plein essor comptait plus d’une centaine de prescriptions rien que pour les yeux. Mme Pineau affirme que la valeur médicinale des cosmétiques faisait que les hommes et les enfants utilisaient le maquillage vert, blanc ou noir aussi bien que les femmes. Le maquillage est loin d’être l’apanage des femmes. [Indépendant (Royaume-Uni)].

Art égyptien antique: Les œuvres d’art de l’Égypte ancienne fascinent les gens depuis des milliers d’années. Les premiers artistes grecs et plus tard romains ont été influencés par les techniques égyptiennes et leur art inspirera ceux d’autres cultures jusqu’à nos jours. De nombreux artistes sont connus des périodes ultérieures mais ceux d'Égypte sont totalement anonymes et pour une raison très intéressante : leur art était fonctionnel et créé dans un but pratique alors que l'art ultérieur était destiné au plaisir esthétique. L'art fonctionnel est une œuvre réalisée pour la location, appartenant à la personne qui l'a commandée, tandis que l'art créé pour le plaisir - même s'il est commandé - permet une plus grande expression de la vision de l'artiste et donc la reconnaissance d'un artiste individuel.

Un artiste grec comme Phidias (vers 490-430 av. J.-C.) comprenait certainement les objectifs pratiques de la création d'une statue d'Athéna ou de Zeus, mais son objectif principal aurait été de réaliser une pièce visuellement agréable, de faire de « l'art » au sens où l'on entend ce mot aujourd'hui. , et non pour créer une œuvre pratique et fonctionnelle. Tout l'art égyptien avait un but pratique : une statue contenait l'esprit du dieu ou du défunt ; une peinture funéraire montrait des scènes de la vie d'une personne sur terre pour que son esprit puisse s'en souvenir ou des scènes du paradis que l'on espérait atteindre pour savoir comment y arriver ; les charmes et les amulettes protégeaient du mal ; des figurines éloignant les mauvais esprits et les fantômes en colère ; les miroirs à main, les poignées de fouet, les armoires à cosmétiques servaient tous à des fins pratiques et la céramique était utilisée pour boire, manger et stocker. L'égyptologue Gay Robins note :

"Pour autant que nous le sachions, les anciens Égyptiens n'avaient pas de mot qui correspondait exactement à notre utilisation abstraite du mot "art". Ils avaient des mots pour désigner certains types de monuments que nous considérons aujourd'hui comme des exemples de l'art égyptien - « statue », « stèle », « tombeau » - mais il n'y a aucune raison de croire que ces mots incluaient nécessairement une dimension esthétique dans leur signification. « L’art pour l’art » était inconnu et, de plus, aurait probablement été incompréhensible pour un ancien Égyptien qui considérait l’art comme fonctionnel avant tout. »

Bien que l'art égyptien soit aujourd'hui très apprécié et continue d'attirer beaucoup de musées présentant des expositions, les anciens Égyptiens eux-mêmes n'auraient jamais pensé à leur travail de la même manière et trouveraient certainement étrange que ces différents types d'œuvres soient exposées hors de leurs murs. contexte dans une salle de musée. La statuaire a été créée et placée pour une raison spécifique et il en va de même pour tout autre type d’art. Le concept de « l’art pour l’art » était inconnu et, en outre, aurait probablement été incompréhensible pour un ancien Égyptien qui considérait l’art comme fonctionnel avant tout.

Cela ne veut pas dire que les Égyptiens n’avaient aucun sens de la beauté esthétique. Même les hiéroglyphes égyptiens ont été écrits dans un souci d’esthétique. Une phrase hiéroglyphique pouvait être écrite de gauche à droite ou de droite à gauche, de haut en bas ou de bas en haut, selon la manière dont le choix affectait la beauté de l'œuvre finie. En termes simples, toute œuvre devait être belle, mais la motivation à créer était axée sur un objectif pratique : la fonctionnalité. Malgré tout, l’art égyptien est toujours admiré pour sa beauté, en raison de la valeur que les anciens Égyptiens accordaient à la symétrie.

L'équilibre parfait de l'art égyptien reflète la valeur culturelle de la ma'at (harmonie) qui était au cœur de la civilisation. Maât n'était pas seulement un ordre universel et social, mais le tissu même de la création qui a vu le jour lorsque les dieux ont créé l'univers ordonné à partir d'un chaos indifférencié. Le concept d'unité, d'unicité, était ce « chaos », mais les dieux ont introduit la dualité – la nuit et le jour, la femme et l'homme, l'obscurité et la lumière – et cette dualité était régulée par maât.

C’est pour cette raison que les temples, palais, maisons et jardins égyptiens, statues et peintures, chevalières et amulettes ont tous été créés dans un souci d’équilibre et reflètent tous la valeur de la symétrie. Les Égyptiens croyaient que leur terre avait été créée à l’image du monde des dieux et, lorsque quelqu’un mourait, ils se rendaient dans un paradis qui leur était tout à fait familier. Lorsqu'un obélisque était fabriqué, il était toujours créé et élevé avec un jumeau identique et on pensait que ces deux obélisques avaient des reflets divins, fabriqués en même temps, au pays des dieux. Les cours des temples ont été délibérément aménagées pour refléter la création, la ma'at, la heka (magie) et l'au-delà avec la même symétrie parfaite que les dieux avaient initiée lors de la création. L’art reflétait la perfection des dieux tout en répondant à un objectif pratique au quotidien.

L’art égyptien est l’histoire de l’élite, de la classe dirigeante. Pendant la plupart des périodes historiques de l'Égypte, les personnes aux revenus plus modestes ne pouvaient pas se permettre le luxe d'œuvres d'art pour raconter leur histoire et c'est en grande partie grâce à l'art égyptien que l'histoire de la civilisation a été connue. Les tombeaux, les peintures funéraires, les inscriptions, les temples, et même la majeure partie de la littérature, s'intéressent à la vie de la classe supérieure et ce n'est qu'en racontant ces histoires que celles des classes inférieures sont révélées. Ce paradigme était déjà établi avant l’histoire écrite de la culture. L'art égyptien commence dans la période pré-dynastique (vers 6000-3150 avant JC) à travers des dessins rupestres et des céramiques, mais est pleinement réalisé au début de la période dynastique (vers 3150-2613 avant JC) dans la célèbre palette de Narmer.

La palette Narmer (vers 3150 avant JC) est une plaque cérémoniale à deux faces en siltstone finement sculptée de scènes de l'unification de la Haute et de la Basse-Égypte par le roi Narmer. L'importance de la symétrie est évidente dans la composition qui présente les têtes de quatre taureaux (symbole de pouvoir) au sommet de chaque côté et dans la représentation équilibrée des personnages qui racontent l'histoire. L’œuvre est considérée comme un chef-d’œuvre de l’art de la première période dynastique et montre à quel point les artistes égyptiens étaient avancés à l’époque.

Les travaux ultérieurs de l'architecte Imhotep (vers 2667-2600 avant JC) sur la pyramide du roi Djéser (vers 2670 avant JC) reflètent l'avancée des œuvres d'art depuis la palette de Narmer. Le complexe pyramidal de Djoser est finement conçu avec des fleurs de lotus, des plantes de papyrus et des symboles de djed en haut et bas relief. La pyramide elle-même, bien sûr, est la preuve de l'habileté égyptienne à travailler la pierre sur des œuvres d'art monumentales.

Au cours de l'Ancien Empire (vers 2613-2181 avant JC), l'art fut standardisé par l'élite et les personnages furent produits uniformément pour refléter les goûts de la capitale Memphis. La statuaire de la fin du début de la dynastie et du début de l'Ancien Empire est remarquablement similaire, bien que d'autres formes d'art (peinture et écriture) montrent plus de sophistication dans l'Ancien Empire. Les plus grandes œuvres d'art de l'Ancien Empire sont les pyramides et le grand Sphinx de Gizeh, qui existent encore aujourd'hui, mais des monuments plus modestes ont été créés avec la même précision et la même beauté. En fait, l’art et l’architecture de l’Ancien Empire étaient très appréciés par les Égyptiens des époques ultérieures. Certains dirigeants et nobles (comme Khaemweset, quatrième fils de Ramsès II) ont délibérément commandé des œuvres dans le style de l'Ancien Empire, voire même la demeure éternelle de leurs tombeaux.

Au cours de la Première Période Intermédiaire (2181-2040 av. J.-C.), après l’effondrement de l’Ancien Empire, les artistes purent exprimer plus librement leurs visions individuelles et régionales. L'absence d'un gouvernement central fort pour commander des œuvres signifiait que les gouverneurs de district pouvaient réquisitionner des pièces reflétant leur province d'origine. Ces différents districts ont également constaté qu'ils disposaient de revenus disponibles plus élevés puisqu'ils envoyaient moins d'argent à Memphis. Un plus grand pouvoir économique local a incité davantage d’artistes à produire des œuvres dans leur propre style. La production de masse a également commencé au cours de la Première Période Intermédiaire, ce qui a conduit à une uniformité dans les œuvres d'art d'une région donnée, ce qui les rendait à la fois distinctives mais de moindre qualité que les œuvres de l'Ancien Empire. Ce changement est mieux visible dans la production de poupées shabti pour les objets funéraires, qui étaient autrefois fabriquées à la main.

L’art s’épanouira au cours de l’Empire du Milieu (2040-1782 av. J.-C.), généralement considéré comme le point culminant de la culture égyptienne. La statuaire colossale voit le jour à cette époque ainsi que le grand temple de Karnak à Thèbes. L'idéalisme des représentations de l'Ancien Empire dans la statuaire et les peintures a été remplacé par des représentations réalistes et les classes inférieures sont également représentées plus souvent dans l'art qu'auparavant. L'Empire du Milieu a cédé la place à la Deuxième Période Intermédiaire (vers 1782-1570 av. J.-C.) au cours de laquelle les Hyksos détenaient de vastes zones de la région du Delta tandis que les Nubiens empiétaient depuis le sud. L'art de cette période produit à Thèbes conserve les caractéristiques de l'Empire du Milieu tandis que celui des Nubiens et des Hyksos - qui admiraient et copiaient l'art égyptien - diffère par sa taille, sa qualité et sa technique.

Le Nouvel Empire (vers 1570-1069 av. J.-C.), qui suivit, est la période la plus connue de l'histoire de l'Égypte et produisit certaines des œuvres d'art les plus belles et les plus célèbres. Le buste de Néfertiti et le masque mortuaire doré de Toutankhamon proviennent tous deux de cette époque. L'art du Nouvel Empire se définit par une grande qualité de vision et de technique, due en grande partie à l'interaction de l'Égypte avec les cultures voisines. C'était l'époque de l'empire égyptien et les techniques de travail des métaux des Hittites - qui étaient désormais considérés comme des alliés, voire des égaux - influencèrent grandement la production d'objets funéraires, d'armes et d'autres œuvres d'art.

Après le Nouvel Empire, la Troisième Période Intermédiaire (vers 1069-525 avant JC) et la Période Basse (525-332 avant JC) tentèrent avec plus ou moins de succès de maintenir le haut niveau de l'art du Nouvel Empire tout en évoquant les styles de l'Ancien Empire dans un effort de reconquête. le déclin de la stature de l’Égypte. L'influence perse à la fin de la période est remplacée par les goûts grecs à la période ptolémaïque (323-30 avant JC) qui tentent également de suggérer les normes de l'Ancien Empire avec la technique du Nouvel Empire et ce paradigme persiste dans la période romaine (30 avant JC-646 après JC) et la fin de la culture égyptienne.

À toutes ces époques, les types d’art étaient aussi nombreux que les besoins humains, les ressources nécessaires à leur réalisation et la capacité de les payer. Les riches égyptiens possédaient des miroirs à main ornés, des étuis et des pots à maquillage, des bijoux, des fourreaux décorés pour les couteaux et les épées, des arcs complexes, des sandales, des meubles, des chars, des jardins et des tombes. Chaque aspect de chacune de ces créations avait une signification symbolique. De la même manière que le motif du taureau sur la palette Narmer symbolisait le pouvoir du roi, chaque image, dessin, ornement ou détail signifiait quelque chose en rapport avec son propriétaire.

Parmi les exemples les plus évidents, citons le trône d'or de Toutankhamon (vers 1336-1327 av. J.-C.) qui représente le jeune roi avec son épouse Ankhsenamun. Le couple est représenté dans un moment domestique calme alors que la reine frotte de la pommade sur le bras de son mari alors qu'il est assis sur une chaise. Leur relation étroite est établie par la couleur de leur peau, qui est la même. Les hommes sont généralement représentés avec une peau rougeâtre parce qu'ils passent plus de temps à l'extérieur, tandis qu'une couleur plus claire est utilisée pour la peau des femmes, car elles sont plus susceptibles de rester à l'abri du soleil. Cette différence dans la nuance des tons de peau ne représentait pas l’égalité ou l’inégalité mais était simplement une tentative de réalisme.

Dans le cas du trône de Toutankhamon, cependant, la technique est utilisée pour exprimer un aspect important de la relation du couple. D'autres inscriptions et œuvres d'art indiquent clairement qu'ils ont passé la plupart de leur temps ensemble et l'artiste l'exprime à travers leurs tons de peau communs ; Ankhesenamun est tout aussi bronzé que Toutankhamon. Le rouge utilisé dans cette composition représente également la vitalité et l'énergie de leur relation. Les cheveux du couple sont bleus, symbolisant la fertilité, la vie et la renaissance, tandis que leurs vêtements sont blancs, représentant la pureté. Le fond est doré, la couleur des dieux, et tous les détails complexes, y compris les couronnes que portent les personnages et leurs couleurs, ont tous leur propre signification spécifique et racontent l'histoire du couple présenté.

Une épée ou un étui à maquillage ont été conçus et créés dans ce même objectif : raconter une histoire. Même le jardin d'une maison racontait une histoire : au centre se trouvait une piscine entourée d'arbres, de plantes et de fleurs qui, à leur tour, étaient entourées d'un mur et on entrait dans le jardin depuis la maison par un portique de colonnes décorées. Tout cela aurait été soigneusement organisé pour raconter une histoire importante pour le propriétaire. Bien que les jardins égyptiens aient disparu depuis longtemps, des modèles fabriqués à partir de ceux-ci comme objets funéraires ont été découverts, ce qui montre le grand soin apporté à leur présentation sous forme narrative.

Dans le cas du noble Meket-Ra de la 11e dynastie, le jardin a été conçu pour raconter l'histoire du voyage de la vie vers le paradis. Les colonnes du portique avaient la forme de fleurs de lotus, symbolisant sa maison en Haute-Égypte, la piscine au centre représentait le lac Lily que l'âme devrait traverser pour atteindre le paradis, et le mur du jardin du fond était décoré de scènes de l'au-delà. Chaque fois que Meket-Ra s'asseyait dans son jardin, il se souvenait de la nature de la vie comme d'un voyage éternel, ce qui lui donnerait très probablement une perspective sur les circonstances qui pourraient être troublantes en ce moment.

Les peintures sur les murs de Meket-Ra auraient été réalisées par des artistes mélangeant des couleurs à base de minéraux naturels. Le noir était fabriqué à partir de carbone, le rouge et le jaune à partir d'oxydes de fer, le bleu et le vert à partir d'azurite et de malachite, le blanc à partir de gypse, etc. Les minéraux seraient mélangés à des matières organiques broyées de différentes consistances, puis mélangés à une substance inconnue (éventuellement du blanc d'œuf) pour les rendre collants afin qu'ils adhèrent à une surface. La peinture égyptienne était si durable que de nombreuses œuvres, même celles qui ne sont pas protégées dans les tombes, sont restées éclatantes après plus de 4 000 ans.

Bien que les murs des maisons, des jardins et des palais soient généralement décorés de peintures plates en deux dimensions, les murs des tombes, des temples et des monuments utilisaient des reliefs. Il y avait des hauts-reliefs (dans lesquels les personnages se détachent du mur) et des bas-reliefs (où les images sont gravées dans le mur). Pour les créer, la surface du mur était lissée avec du plâtre qui était ensuite poncée. Un artiste créerait une œuvre en miniature puis y tracerait un quadrillage et ce quadrillage serait ensuite dessiné sur le mur. En utilisant l’œuvre plus petite comme modèle, l’artiste serait capable de reproduire l’image dans les bonnes proportions sur le mur. La scène serait d’abord dessinée puis délimitée à la peinture rouge. Les corrections apportées à l'œuvre seraient notées, éventuellement par un autre artiste ou superviseur, à la peinture noire et une fois celles-ci prises en charge, la scène était sculptée et peinte.

La peinture était également utilisée sur les statues en bois, en pierre ou en métal. Le travail de la pierre s'est développé pour la première fois au début de la période dynastique et est devenu de plus en plus raffiné au fil des siècles. Un sculpteur travaillait à partir d'un seul bloc de pierre avec un ciseau en cuivre, un maillet en bois et des outils plus fins pour les détails. La statue serait ensuite lissée avec un chiffon frottant. La pierre d’une statue a été choisie, comme pour tout le reste de l’art égyptien, pour raconter sa propre histoire. Une statue d'Osiris, par exemple, serait réalisée en schiste noir pour symboliser la fertilité et la renaissance, toutes deux associées à ce dieu particulier.

Les statues en métal étaient généralement petites et faites de cuivre, de bronze, d'argent et d'or. L'or était particulièrement populaire pour les amulettes et les figures de sanctuaire des dieux, car on croyait que les dieux avaient la peau dorée. Ces figures ont été réalisées par moulage ou travail de tôle sur bois. Les statues en bois étaient sculptées dans différents morceaux d'arbres, puis collées ou chevillées ensemble. Les statues en bois sont rares mais un certain nombre ont été préservées et témoignent d'un immense savoir-faire.

Coffres à maquillage, cercueils, maquettes de bateaux et jouets étaient fabriqués de la même manière. Les bijoux étaient couramment fabriqués en utilisant la technique connue sous le nom de cloisonné dans laquelle de fines bandes de métal sont incrustées sur la surface de l'œuvre, puis cuites dans un four pour les forger ensemble et créer des compartiments qui sont ensuite ornés de bijoux ou de scènes peintes. Parmi les meilleurs exemples de bijoux cloisonnés figure le pendentif de l'Empire du Milieu offert par Senusret II (vers 1897-1878 avant JC) à sa fille. Cette œuvre est constituée de fins fils d'or attachés à un support en or massif incrusté de 372 pierres semi-précieuses. Le cloisonné était également utilisé dans la fabrication de pectoraux pour le roi, de couronnes, de coiffes, d'épées, de poignards de cérémonie et de sarcophages, entre autres objets.

Bien que l’art égyptien soit réputé pour son admiration, il a été critiqué pour son manque de raffinement. Les critiques affirment que les Égyptiens ne semblent jamais avoir maîtrisé la perspective car il n'y a pas de jeu d'ombre et de lumière dans les compositions, elles sont toujours bidimensionnelles et les personnages sont sans émotion. On prétend que les statues représentant des couples ne montrent aucune émotion sur les visages et il en va de même pour les scènes de bataille ou les statues d'un roi ou d'une reine.

Ces critiques ne reconnaissent pas la fonctionnalité de l’art égyptien. Les Égyptiens comprenaient que les états émotionnels sont transitoires ; on n’est pas toujours heureux, triste, en colère, content tout au long d’une journée donnée et encore moins éternellement. Les œuvres d'art présentent formellement des personnes et des divinités sans expression, car on pensait que l'esprit de la personne aurait besoin de cette représentation pour vivre dans l'au-delà. Le nom et l'image d'une personne devaient survivre sous une forme ou une autre sur terre pour que l'âme puisse continuer son voyage. C'était la raison de la momification et des rituels funéraires élaborés : l'esprit avait besoin d'une sorte de « phare » vers lequel revenir lorsqu'il visitait la terre pour se nourrir dans la tombe.

L’esprit pourrait ne pas reconnaître une statue d’une version en colère ou jubilatoire d’eux-mêmes, mais reconnaîtrait leurs traits posés et complaisants. Le manque d’émotion est lié à la finalité éternelle de l’œuvre. Les statues étaient faites pour être vues de face, généralement le dos contre un mur, afin que l'âme puisse se reconnaître facilement. Cela était également vrai pour les dieux et les déesses qui étaient censés vivre dans leurs statues.

La vie n’était qu’une petite partie d’un voyage éternel pour les anciens Égyptiens et leur art reflète cette croyance. Une statue ou une trousse à maquillage, une peinture murale ou une amulette, quelle que soit la forme que prend l'œuvre d'art, elle a été conçue pour durer bien au-delà de la vie de son propriétaire et, plus important encore, pour raconter l'histoire de cette personne ainsi que pour refléter les valeurs et les croyances égyptiennes dans leur ensemble. L’art égyptien a bien rempli cet objectif puisqu’il continue de raconter son histoire depuis des milliers d’années. [Encyclopédie de l'histoire ancienne].

L'art de l'Egypte ancienne: L'art de l'Égypte ancienne contribue à démêler 6 000 ans d'interactions écologiques complexes dans la vallée du Nil. L'anthropologue biologique de Dartmouth, Nathaniel Dominy, et ses collègues ont créé un catalogue chronologique des animaux du paysage sur la base de représentations artistiques dans des peintures funéraires et de reliefs sculptés sur des temples et des objets du quotidien. "Les anciens Égyptiens étaient de fervents historiens de la nature et les artistes accordaient une attention particulière aux détails anatomiques et aux proportions spécifiques dans leur art. Nous pouvons identifier précisément quelle espèce animale ils représentaient", explique Dominy, professeur agrégé d'anthropologie et de sciences biologiques. Ce solide dossier artistique présente une chronique d'animaux présents ou absents dans le paysage au fil du temps.

Sur le plan humain, les Égyptiens recensaient régulièrement leur population à des fins fiscales. Ces enregistrements servent désormais à documenter la croissance de la population, qui peut être corrélée à la structure et à la stabilité de la communauté animale locale. Dominy, son ancien étudiant diplômé Justin Yeakel et leurs collaborateurs viennent de publier un article dans les Actes de la National Academy of Sciences USA détaillant leur utilisation de l'art ancien et d'autres ressources pour construire une histoire écologique de l'Égypte ancienne. Yeakel, maintenant chercheur postdoctoral à l'Institut de Santa Fe, est le premier auteur de l'article.

"Nous sommes enthousiasmés par cet article car il s'agit du premier enregistrement à haute résolution d'une population humaine en expansion entrant en contact avec une communauté essentiellement intacte de grands mammifères du Pléistocène", explique Dominy. "Nous pouvons voir ces animaux disparaître du registre artistique et, par déduction, du paysage, un à la fois." Il s'agit notamment des lions, des hyènes tachetées, des phacochères, des zèbres, des gnous et des buffles d'eau. À mesure que les espèces disparaissent de l’environnement, c’est tout le réseau écologique qui s’effondre. Bien que cela puisse être dû à la croissance de la population humaine, il existe également des enregistrements historiques de changements environnementaux survenus à peu près au même moment.

Au cours de la période de 6 000 ans couverte par l'article, il y a eu deux fortes « impulsions d'aridification » – des périodes extrêmement sèches qui, reconnaissent les auteurs, ont pu avoir un impact à la fois sur les humains et les animaux le long du Nil. "Ils [les impulsions d'aridification] ont peut-être été un facteur dans l'effondrement de l'empire akkadien et de la civilisation de la vallée de l'Indus et, d'une certaine manière, ont pu catalyser les nouvelles dynasties en Égypte", explique Dominy.

Ces changements climatiques semblent entraîner des interactions complexes entre les animaux et les humains. Dominy explique qu'à mesure que les populations animales diminuent, les humains ne peuvent plus chasser aussi efficacement. "Les humains doublent essentiellement leur investissement dans l'agriculture et s'y engagent encore plus fortement en tant que stratégie de subsistance, ce qui a pour effet net d'augmenter la taille de la population, ce qui augmente ensuite la pression de la chasse - un doublé", dit-il. [Université de Dartmouth].

La couleur dans l’art égyptien antique: Les anciens Égyptiens appréciaient beaucoup la vie, ce qui est clairement représenté à travers leur art. Les images de personnes s'amusant - que ce soit dans cette vie ou dans l'autre - sont aussi nombreuses que celles que l'on voit le plus souvent des dieux ou des rituels funéraires. Les premiers égyptologues qui ont découvert cette culture ont concentré leur attention sur les nombreux exemples d’art funéraire trouvés dans les tombes et ont conclu que la culture égyptienne était obsédée par la mort alors qu’en réalité, les anciens Égyptiens étaient entièrement absorbés par la vie pleinement.

Les Égyptiens décoraient leurs maisons, jardins, palais et tombeaux avec des œuvres d'art impressionnantes qui reflétaient leur appréciation pour tout ce que les dieux leur avaient donné et accentuaient ces représentations avec des couleurs vibrantes. Le palais d'Amenhotep III (1386-1353 avant JC) à Malkata était peint de couleurs vives, les murs extérieurs étaient blancs et les intérieurs bleus, jaunes et verts, avec des peintures murales et autres ornements partout. Ces couleurs n’ont pas été choisies au hasard mais chacune avait un symbolisme très spécifique pour les Égyptiens et était utilisée pour transmettre cette signification. L'égyptologue Rosalie David commente à ce sujet : « La couleur était considérée comme un élément intégral de toutes les représentations artistiques, y compris les scènes murales, les statues, les objets funéraires et les bijoux, et les qualités magiques d'une couleur spécifique étaient considérées comme faisant partie intégrante de toute représentation artistique. objet auquel il a été ajouté.

Chaque couleur avait son propre symbolisme et était créée à partir d’éléments trouvés dans la nature. Dans l’Égypte ancienne, la couleur était utilisée non seulement dans des représentations réalistes de scènes de chaque vie, mais aussi pour illustrer les royaumes célestes des dieux, l’au-delà, ainsi que les histoires et les histoires des divinités du panthéon égyptien. Chaque couleur avait sa propre symbolique et était créée à partir d’éléments trouvés dans la nature. L'égyptologue Margaret Bunson écrit comment « les artisans ont commencé à observer l'apparition naturelle des couleurs dans leur environnement et à pulvériser divers oxydes et autres matériaux pour développer les teintes qu'ils désiraient ». Ce processus par lequel les artistes égyptiens créent des couleurs pour leur art date du début de la période dynastique (environ 3150-2613 avant JC) mais devient plus prononcé à l'époque de l'Ancien Empire (environ 2613-2181 avant JC). De l’Ancien Empire jusqu’à l’annexion du pays par Rome après 30 av. J.-C., la couleur était un élément important de chaque œuvre d’art façonnée par les Égyptiens.

Chaque couleur a été créée en mélangeant divers éléments naturels et chacune est devenue standardisée au fil du temps afin d'assurer une uniformité dans l'œuvre d'art. Un homme égyptien, par exemple, était toujours représenté avec une peau brun rougeâtre obtenue en mélangeant une certaine quantité de peinture rouge standard avec du brun standard. Des variations dans la composition se produisaient selon les époques mais, dans l’ensemble, restaient plus ou moins les mêmes. Cette couleur de peau masculine a été choisie pour le réalisme de la pièce, afin de symboliser la vie en plein air de la plupart des hommes, tandis que les femmes égyptiennes étaient peintes avec une peau plus claire (en utilisant des mélanges de jaune et de blanc) car elles passaient plus de temps à l'intérieur.

Les dieux étaient généralement représentés avec une peau dorée, reflétant la croyance selon laquelle les dieux avaient en fait une peau dorée. Une exception à cette règle est le dieu Osiris, qui est presque toujours représenté avec une peau verte ou noire symbolisant la fertilité, la régénération et le monde souterrain. Osiris a été assassiné, ramené à la vie par Isis, puis est descendu pour régner sur le pays des morts ; les couleurs utilisées dans ses représentations symbolisent toutes des aspects de son histoire. Qu'une scène représente un homme et sa femme en train de dîner ou les dieux dans la barge solaire, chaque couleur utilisée devait représenter avec précision les différents thèmes de ces événements.

Les différentes couleurs ci-dessous sont répertoriées avec leur nom égyptien, les matériaux utilisés pour les créer et ce qu'elles symbolisent. Les définitions suivent les travaux de Richard H. Wilkinson dans son Symbolisme et magie dans l'art égyptien et l'Encyclopédie de l'Égypte ancienne de Margaret Bunson, complétés par d'autres ouvrages. Rouge (desher) - fabriqué à partir de fer oxydé et d'ocre rouge, utilisé pour créer des tons chair et symbolisant la vie mais aussi le mal et la destruction. Le rouge était associé à la fois au feu et au sang et symbolisait ainsi la vitalité et l'énergie mais pouvait également être utilisé pour accentuer un certain danger ou définir une divinité destructrice.

Le dieu Seth, par exemple, qui assassina Osiris et apporta le chaos en Égypte au début des temps, était toujours représenté avec un visage ou des cheveux rouges ou entièrement rouge. On retrouve également ce schéma dans les travaux écrits où la couleur rouge est parfois utilisée pour désigner un personnage ou un aspect dangereux dans une histoire. Dans les peintures murales et les scènes funéraires, le rouge doit être soigneusement interprété dans le contexte de la scène. Bien qu'il ait été fréquemment utilisé pour souligner le danger ou même le mal, il est aussi communément vu comme symbolisant la vie ou un être supérieur (comme dans les représentations de l'Œil de Ra) ou un statut élevé comme dans la Couronne Rouge de Basse-Égypte.

Bleu (irtiu et khesbedj) - l'une des couleurs les plus populaires, communément appelée « bleu égyptien », composée d'oxydes de cuivre et de fer avec de la silice et du calcium, symbolisant la fertilité, la naissance, la renaissance et la vie et généralement utilisée pour représenter l'eau et le cieux. Wilkinson écrit : « De la même manière, le bleu pourrait signifier le Nil et ses récoltes, offrandes et fertilité associées, et bon nombre des chiffres dits de « fécondité » qui représentent la bounty du fleuve sont de cette teinte » (107). Les statues et les représentations du dieu Thot sont généralement bleues, bleu-vert ou présentent un aspect de bleu reliant le dieu de la sagesse aux cieux donneurs de vie. Le bleu symbolisait également la protection. Les amulettes de fertilité du dieu protecteur Bes étaient souvent bleues, tout comme les tatouages ​​​​que les femmes portaient de Bes ou des motifs en forme de losange sur le bas de l'abdomen, le dos et les cuisses. On pense que ces tatouages ​​étaient portés comme amulettes pour protéger les femmes pendant la grossesse et l'accouchement.

Jaune (khenet et kenit) - fabriqué à l'origine à partir d'ocre et d'oxydes mais, du Nouvel Empire (vers 1570-1069 avant JC), il était mélangé à partir de trisulfure d'arsenic et symbolisait le soleil et l'éternité. Le jaune était assombri pour la couleur chair dorée des dieux ou éclairci avec du blanc pour suggérer la pureté ou un aspect sacré d'un personnage ou d'un objet. Isis, par exemple, est toujours représentée avec une peau dorée dans une robe blanche mais, parfois, sa robe est jaune clair pour souligner son aspect éternel dans une scène ou une histoire. On pense que les prêtres et les prêtresses des dieux égyptiens s'habillaient parfois comme leurs divinités et Wilkinson suggère que les prêtres du dieu Anubis coloraient leur peau en jaune à certaines occasions pour « devenir » le dieu de l'événement. Bien qu'Anubis soit traditionnellement représenté avec la peau noire, il existe un certain nombre de textes le représentant avec la teinte dorée des autres dieux.

Vert (wadj) - mélangé à partir de malachite, un minéral de cuivre, et symbolisant la bonté, la croissance, la vie, l'au-delà et la résurrection. L’au-delà égyptien était connu sous le nom de Champ de Roseaux et, à certaines époques, de Champ de Malachite et était toujours associé à la couleur verte. Wilkinson écrit que le vert était « naturellement un symbole de la croissance des choses et de la vie elle-même » et poursuit en soulignant comment, dans l'Égypte ancienne, « faire des « choses vertes » était un euphémisme pour un comportement positif, producteur de vie, contrairement à des « choses rouges » qui symbolisaient le mal » (108). Le vert est la couleur du dieu Osiris mourant et ressuscité ainsi que de l'Œil d'Horus, l'un des objets les plus sacrés de la mythologie égyptienne. Dans les premières peintures funéraires, l’esprit du défunt est représenté en blanc mais, plus tard, en vert pour associer les morts à l’éternel Osiris. Conformément au symbolisme de la résurrection, le vert est également souvent utilisé pour représenter la déesse Hathor, Dame du Sycomore. Hathor était étroitement associée au sycomore, au renouveau, à la transformation et à la renaissance. Les momies de femmes tatouées suggèrent que l'encre aurait pu être verte, bleue ou noire et que les tatouages ​​​​ont été liés au culte d'Hathor.

Blanc (hedj et shesep) - fabriqué à partir de craie mélangée à du gypse, souvent utilisé comme éclaircissant pour d'autres teintes et symbolisant la pureté, le caractère sacré, la propreté et la clarté. Le blanc était la couleur des vêtements égyptiens et était donc associé à la vie quotidienne, mais il était également fréquemment utilisé dans des pièces artistiques pour symboliser la nature transcendante de la vie. Les prêtres portaient toujours du blanc, tout comme les serviteurs du temple et le personnel du temple participant à un festival ou à un rituel. Les objets utilisés lors des rituels (tels que bols, assiettes, autels, tables) étaient en albâtre blanc. Le blanc, comme les autres couleurs, a été utilisé de manière réaliste pour représenter des vêtements et des objets de cette couleur dans la vie réelle, mais il est fréquemment utilisé pour souligner l'importance de certains aspects d'une peinture ; dans certains cas, il a fait ces deux choses. La couronne blanche de Haute-Égypte, par exemple, est couramment appelée blanche - et est donc représentée de manière réaliste - mais elle symbolise également le lien étroit dont jouit le roi avec les dieux - et représente donc symboliquement la pureté et le sacré.

Noir (kem) - fabriqué à partir de carbone, de charbon de bois broyé, mélangé à de l'eau et parfois à des os d'animaux brûlés, symbolisait la mort, les ténèbres, le monde souterrain, ainsi que la vie, la naissance et la résurrection. Wilkinson écrit : « L'association symbolique de la couleur avec la vie et la fertilité pourrait bien provenir du limon noir fertile déposé par le Nil lors de ses crues annuelles et Osiris - le dieu du Nil et des enfers - était donc fréquemment représenté avec la peau noire. " (109). Le noir et le vert sont souvent utilisés de manière interchangeable dans l’art égyptien, en fait, comme symboles de la vie. Les statues des dieux étaient fréquemment taillées dans de la pierre noire mais, tout aussi souvent, dans de la pierre verte. Bien que le noir soit associé à la mort, il n'avait aucune connotation du mal - qui était représenté par le rouge - et apparaît fréquemment avec le vert, ou à la place du vert, dans les représentations de l'au-delà. Anubis, le dieu qui guide les morts jusqu'à la salle du jugement et qui assiste à la pesée du cœur de l'âme, est presque toujours représenté comme une figure noire, tout comme Bastet, déesse des femmes, l'une des divinités les plus populaires de toute l'Égypte. . Les tatouages ​​de Bes ont été réalisés à l'encre noire et les images de l'au-delà utilisent fréquemment un fond noir pour non seulement accentuer l'or et le blanc du premier plan, mais aussi symboliser le concept de renaissance.

Le noir symbolisait la mort, les ténèbres, les enfers, ainsi que la vie, la naissance et la résurrection. Ces couleurs de base étaient souvent mélangées, diluées ou combinées d'une autre manière pour créer des couleurs telles que le violet, le rose, le bleu sarcelle, l'or, l'argent et d'autres teintes. Les artistes n'étaient pas liés par les minéraux à partir desquels ils mélangeaient leurs peintures, mais uniquement par leur imagination et leur talent pour créer les couleurs dont ils avaient besoin pour raconter leurs histoires. Les considérations esthétiques étaient d'une grande importance pour les Égyptiens. L'art et l'architecture se caractérisent par la symétrie et même leur système d'écriture, les hiéroglyphes, ont été définis conformément à la beauté visuelle comme partie intégrante de leur fonction. En lisant les hiéroglyphes, on comprend la signification en notant dans quelle direction les personnages font face ; s'ils sont tournés vers la gauche, alors on lit vers la gauche et, s'ils sont vers le haut, vers le bas ou vers la droite, dans n'importe laquelle de ces directions. La direction des chiffres fournit le contexte du message et permet ainsi de comprendre ce qui est dit.

De la même manière, la couleur dans l’art égyptien doit être interprétée dans son contexte. Dans une certaine peinture, le rouge peut symboliser le mal ou la destruction, mais la couleur ne doit pas toujours être interprétée instantanément dans ce sens. Le noir est une couleur souvent mal interprétée dans l’art égyptien en raison de l’association moderne du noir avec le mal. Les images de Toutankhamon, trouvées dans sa tombe, le représentent parfois avec une peau noire et étaient à l'origine associées à la mort et au chagrin par les premiers archéologues interprétant les découvertes ; bien que l'association avec la mort soit correcte et que le chagrin accompagnait la perte de quelqu'un dans l'Égypte ancienne comme aujourd'hui, une interprétation appropriée serait l'association de Toutankhamon dans la mort avec Osiris et le concept de renaissance et de résurrection.

Le blanc conserve aujourd’hui la même signification que pour les anciens Égyptiens mais, comme indiqué, il doit également être interprété dans son contexte. La robe blanche d'Isis signifierait la pureté et le sacré, mais la jupe blanche de Seth serait simplement une représentation de la façon dont s'habillait un homme égyptien. Cependant, reconnaître le symbolisme des couleurs égyptiennes et pourquoi elles étaient le plus couramment utilisées permet de mieux apprécier l'art égyptien et de mieux comprendre le message que l'artiste antique essayait de transmettre. [Encyclopédie de l'histoire ancienne].

Musée métropolitain d'art (égyptien) de New York: La collection d'art égyptien ancien du New York Metropolitan Museum of Art comprend environ 26 000 objets d'importance artistique, historique et culturelle, datant du Paléolithique à la période romaine (environ 300 000 avant JC au 4ème siècle après JC). Plus de la moitié de la collection provient des 35 années de travaux archéologiques du Musée en Égypte, initiés en 1906 en réponse à l'intérêt croissant de l'Occident pour la culture de l'Égypte ancienne. La quasi-totalité de la collection est exposée dans les galeries d'art égyptienne Lila Acheson Wallace, avec des objets disposés chronologiquement dans 39 salles.

Dans l’ensemble, les fonds reflètent les valeurs esthétiques, l’histoire, les croyances religieuses et la vie quotidienne des anciens Égyptiens tout au long de leur grande civilisation. La collection est particulièrement connue pour le mastaba (chapelle d'offrande) de l'Ancien Empire de Perneb (vers 2450 avant JC) ; un ensemble de modèles en bois de l'Empire du Milieu provenant du tombeau de Meketre à Thèbes (vers 1990 avant JC) ; les bijoux de la princesse Sit-hathor-yunet de la XIIe dynastie (vers 1897-1797 avant JC) ; Sculpture de portrait royal de la XIIe dynastie (env. 1991-1783 avant JC) ; et statuaire de la pharaon Hatchepsout de la XVIIIe dynastie (vers 1473-1458 av. J.-C.). Le département expose également sa précieuse collection de fac-similés à l'aquarelle de peintures de tombes thébaines, dont la plupart sont des copies réalisées entre 1907 et 1937 par des membres de la section graphique de l'expédition égyptienne du musée.

L'une des destinations les plus populaires des galeries égyptiennes est le temple de Dendur dans l'aile Sackler. Construit vers 15 avant JC par l'empereur romain Auguste, qui avait succédé à Cléopâtre VII, le dernier des dirigeants ptolémaïques de l'Égypte, le temple était dédié à la grande déesse Isis et à deux fils d'un dirigeant nubien local qui avait aidé les Romains dans leur quête. guerres avec la reine de Méroé au sud. Situé en Basse Nubie, à environ 80 km au sud de l'actuelle Assouan, le temple a été démantelé pour le sauver de la montée des eaux du lac Nasser après la construction du haut barrage d'Assouan. Il a été présenté aux États-Unis comme cadeau du gouvernement égyptien en reconnaissance de la contribution américaine à la campagne internationale visant à sauver les anciens monuments nubiens.

Le Département d'art égyptien a été créé en 1906 pour superviser la collection déjà importante d'art de l'Égypte ancienne du musée. La collection s'est enrichie depuis 1874 grâce aux dons individuels de bienfaiteurs et à l'acquisition de collections privées (telles que la collection Drexel en 1889, la collection Farman en 1904 et la collection Ward en 1905), ainsi que grâce aux abonnements annuels, à partir de 1895. ensuite, à l’Egypt Exploration Fund, une organisation britannique qui a mené des fouilles archéologiques en Égypte et a fait don d’une partie de ses découvertes aux institutions abonnées.

Également en 1906, le conseil d'administration du musée a voté la création d'une expédition égyptienne chargée de mener des fouilles archéologiques sur plusieurs sites le long du Nil. J. Pierpont Morgan, président du Musée, qui visita périodiquement l'expédition jusqu'à sa mort en 1913, a joué un rôle déterminant dans cette décision. À l’époque, le gouvernement égyptien (par l’intermédiaire du Service égyptien des antiquités) accordait aux institutions étrangères le droit de fouiller, étant entendu que les découvertes qui en résulteraient seraient réparties à parts égales entre les fouilleurs et le Musée égyptien du Caire. Le Met a obtenu des concessions pour les cimetières royaux de Lisht de l'Empire du Milieu ; le temple d'Hibis de la fin de la période dynastique à l'oasis de Kharga dans le désert occidental ; le palais royal du Nouvel Empire à Malqata ; et les cimetières et temples du Moyen et du Nouvel Empire de Deir el-Bahri dans la nécropole thébaine en face de l'actuelle Louxor. Le Service des Antiquités égyptiennes a ensuite accordé l'accès à d'autres sites, parmi lesquels l'important cimetière prédynastique de Hiérakonpolis, dans le sud de l'Égypte.

Entre 1906 et 1935, l'expédition égyptienne du Met a mené 14 saisons de fouilles à Lisht. Le site comprend les complexes pyramidaux de l'Empire du Milieu d'Amenemhat I, le premier roi de la XIIe dynastie, et de son fils, Senwosret I ; un cimetière de fonctionnaires des XIIe et XIIIe dynasties ; et un important site de colonisation de l'Empire du Milieu. Les premières équipes de fouilles étaient dirigées par le célèbre égyptologue américain Albert M. Lythgoe, premier conservateur du Département d'art égyptien. Lythgoe était assisté de son collègue américain Ambrose Lansing et d'Arthur C. Mace, un égyptologue britannique. À Lisht se trouvait également Herbert E. Winlock, un jeune Américain qui commençait tout juste sa carrière en égyptologie. Parmi les découvertes les plus importantes du site figurent une figure rituelle en bois (vers 1929-1878 avant JC), l'une d'une paire, dont la seconde se trouve au Caire ; et du matériel funéraire provenant de la tombe de Dame Senebtisi. C'est en travaillant avec Mace dans cette tombe que Winlock a développé les méthodes archéologiques minutieuses qui ont fait de lui l'un des plus grands fouilleurs dans le domaine de l'égyptologie.

En 1911, après plusieurs saisons à Lisht, Herbert Winlock devint le principal directeur des travaux de terrain à Thèbes. Il succéda plus tard à Lythgoe à la tête du département d'art égyptien et devint finalement directeur du musée. Winlock a mené des fouilles dans le palais en briques crues d'Amenhotep III de la XVIIIe dynastie à Malqata, près de l'extrémité sud de la vaste nécropole thébaine, mais son travail principal a été effectué dans les temples et les cimetières de la région de Deir el-Bahri. Là, en 1920, il découvrit une petite chambre intacte dans la tombe du chancelier Meketre du début de l'Empire du Milieu (vers 1990 av. J.-C.). La chambre contenait un ensemble de 24 modèles en bois peint de bateaux, de jardins, de figurines d'offrandes et de scènes de production alimentaire qui sont plus détaillées que toutes celles trouvées avant ou depuis. Ces modèles comptent parmi les biens les plus précieux des collections du Met et du Musée égyptien du Caire. Winlock a également découvert des centaines de fragments de statues brisées qui embellissaient autrefois le temple funéraire d'Hatchepsout, la grande pharaon qui régna pendant la XVIIIe dynastie (vers 1473-1458 av. J.-C.). Minutieusement réassemblées, ces statues font partie des grands chefs-d'œuvre que l'on trouve aujourd'hui à New York et au Caire.

Au fil des années, le Département d'art égyptien a pu acquérir, par achat et legs, un certain nombre d'importantes collections privées, notamment celles du révérend Chauncey Murch (1910), Theodore M. Davis (1915), J. Pierpont Morgan ( 1917), le comte de Carnarvon (1926) et Albert Gallatin (1966). Des dons importants sont également venus de collectionneurs tels que Norbert Schimmel (1985), et des achats importants ont été rendus possibles grâce à des bienfaiteurs, notamment Darius Ogden Mills, Helen Miller Gould, Edward S. Harkness, Jacob S. Rogers et Lila Acheson Wallace, qui a également financé la réinstallation des galeries égyptiennes achevée en 1982. En plus d'interpréter et d'entretenir la collection permanente d'art égyptien ancien, le personnel du Département d'art égyptien continue de fouiller dans les concessions du Musée en Égypte.

Faïence égyptienne: La faïence égyptienne est une substance vitreuse fabriquée de manière experte par les anciens Égyptiens. Le procédé a été développé pour la première fois en Mésopotamie, d'abord à Ur puis à Babylone, avec des résultats significatifs, mais la production de faïence a atteint son apogée en termes de qualité et de quantité en Égypte. Certains des plus grands faïenciers de l'Antiquité étaient les Phéniciens de villes comme Tyr et Sidon, qui étaient si experts dans la fabrication du verre qu'on pense qu'ils ont inventé le procédé. Les Égyptiens ont repris la technique phénicienne et l'ont améliorée, créant des œuvres d'art qui intriguent et fascinent encore aujourd'hui.

La faïence était fabriquée en broyant des cristaux de quartz ou de sable avec diverses quantités d'oxyde de sodium, de potassium, de calcium, de magnésium et de cuivre. La substance résultante était façonnée selon la forme souhaitée, qu'il s'agisse d'une amulette, de perles, d'une broche ou d'une figurine, puis lesdites pièces étaient chauffées. Lors du chauffage, les pièces durcissaient et développaient une couleur vive qui était ensuite finement émaillée. On pense que les artisans égyptiens ont perfectionné la faïence dans le but d’imiter la turquoise et d’autres pierres précieuses difficiles à trouver. Les silicates de calcium contenus dans le mélange sont responsables des couleurs vives et du fini vitreux.

Parmi les statues en faïence les plus célèbres se trouve l'hippopotame bleu populairement connu sous le nom de "William", actuellement exposé au Metropolitan Museum of Art de Manhattan, New York, États-Unis. Cette pièce faisait partie d'une paire trouvée dans le puits de la tombe de l'intendant Senbi II qui a servi sous Senusret I (vers 1971-1926 avant J.-C.) ou sous Senusret II (vers 1897-1878 avant J.-C.), tous deux de la 12e dynastie du Royaume du millieu.

La figure a été moulée en faïence et peinte de plantes de rivières et de marais, représentant l'habitat naturel de l'hippopotame. Une pâte de cuivre, de calcaire et d'oxyde de quartz a ensuite été appliquée sur toute la figure qui, une fois chauffée, l'a rendue d'un bleu vif. L'hippopotame était considéré comme un animal extrêmement dangereux par les anciens Égyptiens et était parfois inclus dans les objets funéraires (que ce soit sous forme de statuaire, d'amulette ou d'inscription) pour la protection du défunt dans l'au-delà. Mais l'âme du défunt avait également besoin d'être protégée par son hippopotame protecteur et des dispositions devaient être prises à cet effet. Dans le cas de « Guillaume » l'hippopotame, trois de ses pattes ont été volontairement brisées après que la statue ait été achevée afin qu'il ne puisse pas courir après Senbi II dans l'au-delà et lui faire du mal.

Outre la statuaire, les Égyptiens utilisaient la faïence pour la fabrication de bijoux (bagues, amulettes, colliers) mais aussi de scarabées, pour créer le plateau et les pièces du jeu de Sennet, de meubles et même de bols et de tasses. Parmi les objets en faïence les plus populaires figuraient cependant les poupées Shabti qui étaient placées dans les tombes des morts. Le Shabti était une figure, parfois façonnée à l'effigie du défunt, qui prenait la place du défunt lors de projets de travaux communaux, ordonnés par le dieu Osiris, dans l'au-delà du Champ des Roseaux. Le mot égyptien pour la faïence était tjehenet, qui signifie « brillant » et on pensait que la faïence reflétait la lumière de l'immortalité.

Les pauvres d'Égypte, s'ils pouvaient se permettre une poupée Shabti, en auraient une en bois, tandis que les plus riches et la noblesse commanderaient une Shabti en faïence. On pensait que les couleurs de la faïence (comme la couleur en général) avaient un symbolisme particulier. Le bleu représentait la fertilité, la vie, le Nil sur terre et dans l'au-delà, le vert symbolisait la bonté et la renaissance dans le Champ des Roseaux, le rouge était utilisé pour la vitalité et l'énergie et aussi comme protection contre le mal, le noir représentait la mort et la décadence. mais aussi la vie et la régénération, et le blanc symbolisait la pureté. Les couleurs que l'on voit sur les poupées Shabti, et sur d'autres faïences, ont toutes une signification très spécifique et se combinent pour fournir une énergie protectrice au propriétaire de l'objet.

Le mot égyptien pour la faïence était tjehenet, qui signifie « brillant » et on pensait que la faïence reflétait la lumière de l'immortalité. La faïence était si étroitement associée à l'au-delà égyptien que les carreaux des murs des chambres des tombes étaient en faïence, comme on l'a vu dans la tombe du roi Djoser à Saqqara et, plus célèbre, dans la tombe de Toutankhamon où plus d'une centaine d'objets ont été entièrement ou partiellement en faïence.

Les premières traces d'un atelier de faïence ont été découvertes à Abydos et datées de 5 500 avant JC. L'atelier se compose d'un certain nombre de fosses circulaires, clairement des restes de fours, avec un revêtement en brique et toutes marquées au feu. Les couches de cendres anciennes dans les fosses témoignent d’une utilisation continue pendant de nombreuses années. De petites boules d'argile ont également été découvertes et on pense qu'elles ont pu être utilisées comme surface sur laquelle des perles de faïence étaient cuites dans les fours. Les noms des faïenciers sont perdus dans l'histoire, à l'exception d'un homme, Rekhamun, connu sous le nom de « Faïencier d'Amon », et d'un autre connu sous le nom de Debeni, le surveillant des faïenciers. Des autres faïenciers, et ils devaient être nombreux, on ne sait rien. [Encyclopédie de l'histoire ancienne].

Art funéraire égyptien antique: Alors que la momification et les coutumes religieuses traditionnelles égyptiennes sont restées à la mode même après la conquête romaine de l'Égypte en 31 avant JC, les formes d'art funéraire telles que ce portrait de momie peint ont commencé à manifester un intérêt accru pour les traditions artistiques gréco-romaines. Bien que de tels portraits de momies aient été trouvés dans toute l’Égypte, la plupart proviennent du bassin du Fayoum en Basse-Égypte, d’où le surnom de « Portraits du Fayoum ». De nombreux exemples de ce type de portraits de momies utilisent la technique grecque de l'encaustique, dans laquelle le pigment est dissous dans de la cire chaude ou froide puis utilisé pour peindre.

Le naturalisme de ces œuvres et l’intérêt de représenter de manière réaliste un individu spécifique proviennent également des conceptions grecques de la peinture. Les sujets de la majorité des portraits du Fayoum sont coiffés et habillés selon les modes romaines contemporaines, très probablement celles rendues populaires par la famille impériale au pouvoir actuelle. Le portrait de l’homme barbu, par exemple, rappelle les images de l’empereur Hadrien (règne de 117 à 138 après J.-C.), qui popularisa la mode du port d’une barbe épaisse comme symbole de son philhellénisme. Dans leur fonction, ces portraits de momies sont entièrement égyptiens et reflètent des traditions religieuses entourant la préservation du corps du défunt qui remontent à des milliers d'années. Dans leur forme, ces œuvres sont uniquement multiculturelles et affichent l'intersection des coutumes romaines et provinciales. [Collège de Dartmouth].

L'art des sarcophages: Les sarcophages sous forme humaine ont été créés comme moyen non seulement de protéger le corps lui-même, mais aussi comme ancrage alternatif pour la force vitale, ou ka, au cas où le cadavre serait endommagé. L'un des premiers développements dans les cercueils anthropoïdes au cours de la première période intermédiaire égyptienne (environ 2160-2025 avant JC) a été l'introduction de masques faciaux placés sur la tête des momies. Des images comme celle vue ici perpétuent cette tradition. Peints sur des panneaux de bois ou des linceuls de lin, ils étaient apposés sur les emballages de la momie.

Enracinés dans les pratiques et croyances égyptiennes, les portraits de momies de la région du Fayoum en Égypte doivent également à l’art du monde classique. Créées entre le premier et le troisième siècle de notre ère, pendant la période romaine de l'Égypte, les images s'inspirent stylistiquement des modèles gréco-romains. Bien qu’ils semblent être des ressemblances naturalistes, il existe un débat quant à savoir si ces « portraits » sont réellement tirés de la réalité. Certains pensent qu'ils ont été peints et exposés pour la première fois dans la maison du vivant du sujet, tandis que d'autres suggèrent qu'ils ont été produits au moment de la mort pour être portés avec le corps lors d'une procession connue sous le nom d'ekphora, une tradition originaire de Grèce.

La vie de la fabrication du verre égyptien antique: Il existe encore des doutes quant à la date et au lieu où le verre a été inventé. La tradition transmise par Pline situe l'événement sur la côte phénicienne, dans le Liban moderne, où se développera plus tard l'un des centres verriers les plus importants. En Égypte, le premier verre que nous connaissons, en tant que composant de la faïence, remonte à la culture néolithique badarienne, au tournant des cinquième et quatrième millénaires avant JC.

Le verre est produit à partir d'un mélange de sable de silice, de chaux et de soude, coloré avec du minerai de cuivre malachite et fondu à haute température. Dans les faïences égyptiennes les plus anciennes, une peau de cette substance était appliquée sur un noyau fait de sable de silice et d'argile, ou de pierre stéatite. Celui-ci fut d'abord utilisé uniquement pour les perles, mais plus tard pour les amulettes, les shawabtis (les petites figurines des serviteurs du défunt), d'autres figures et incrustations (formes insérées dans les parois des récipients, des objets en bois ou dans le plâtre).

En particulier au Moyen et au Nouvel Empire, une glaçure en faïence était souvent appliquée sur des vases et des statuettes complets. Le verre pur en tant que matériau distinct est apparu plus tard, à l'époque prédynastique, sous la forme de perles translucides. Dans l'Ancien et le Moyen Empire, des bijoux en verre, des amulettes, des petites figures d'animaux, des pierres en mosaïque et autres objets similaires firent leur apparition. Cependant, ce n'est que sous le règne de Thoutmosis Ier au Nouvel Empire qu'il y a des traces de fabrication de récipients en verre. Cette innovation était probablement due à l’expansion égyptienne au Moyen-Orient.

Là, les soldats et les administrateurs égyptiens auraient découvert des centres avancés de fabrication de verre et auraient ramené des artisans locaux, probablement comme esclaves. Ce point de vue est renforcé par le fait que la production de récipients en verre a commencé en Égypte en tant que monopole royal au service de la cour, des hauts dignitaires et du grand sacerdoce. Les ateliers de la XVIIIe dynastie découverts étaient très proches des palais royaux, comme celui d'Aménophis III à Malqata ou le quartier résidentiel d'Akhenaton à Akhetaton. D'autres usines de la 19e dynastie ont été découvertes à Lisht, Menshiya et peut-être Gurob.

Contrairement à d’autres métiers, les représentations de la production de verre sont manifestement absentes des dessins et des reliefs. (Les prétendues illustrations de fabrication du verre qui ont été reproduites de temps à autre sont en fait des fonderies de métaux.) Cela était sans doute dû au monopole royal. L'aristocratie ne possédant pas d'atelier de verrerie, le sujet ne figurait pas dans leurs tombes et dans les tombes royales du Nouvel Empire, les scènes non religieuses étaient très rares. Les méthodes de fabrication du verre seraient donc restées un mystère sans les recherches archéologiques et les récipients en verre existants eux-mêmes.

La verrerie trouvée à Lisht a livré des fragments de creusets, des supports coniques en argile pour maintenir les creusets lors de la fusion, des morceaux de scories provenant des fours, des échantillons des pigments ajoutés au verre, des petits disques aux bords bien usés utilisés pour la finition des surfaces, ainsi que des tiges de verre de différentes couleurs, des morceaux de faïence inachevée et près de 200 lambeaux de récipients en verre. Il y a des traces à l'intérieur de certains récipients d'un noyau d'argile et de sable, révélant la technologie utilisée.

La fabrication s'est déroulée comme suit. Le verre brut a été chauffé dans des casseroles jusqu'à 750 degrés C, puis de nouveau dans des creusets jusqu'à 1 000 degrés C. Un noyau d'argile et de sable a été fabriqué en forme de cavité du récipient prévu, recouvert de tissu et collé. sur une tige métallique. Celui-ci a été plongé dans la masse fondue et soumis à plusieurs tours rapides pour répartir le verre uniformément dessus. (Cela n’a pas toujours fonctionné, comme le montre l’épaisseur inégale de certains récipients).

Si une décoration était nécessaire, une ou plusieurs fines tiges colorées étaient enroulées en spirale sur le verre alors qu'il était encore mou. Avant que ces tiges ne durcissent, elles étaient déplacées de haut en bas avec des épingles métalliques pour produire des vagues, des guirlandes, des arcs et des motifs de feuilles ou de plumes. Parfois, un peigne était passé sur les tiges, produisant une série de nervures verticales. L'ensemble du travail a ensuite été réchauffé et roulé sur un bloc de pierre lisse pour produire une surface uniforme. Enfin, le bord et le pied peuvent être retirés et les poignées fusionnées. Une fois l’objet refroidi, il fallait en retirer le noyau.

Le verre égyptien antique était généralement teinté avec des pigments ajoutés au verre brut. Une couleur blanc laiteux était produite avec de l'oxyde d'étain ou de plomb, jaune avec de l'antimoine et du plomb, ou des composés ferreux, rouge ou orange avec des oxydes de cuivre, violet avec des sels de manganèse, bleu verdâtre (à l'imitation de la précieuse turquoise) avec du cuivre ou du fer. composés, bleu foncé (à l'imitation du lapis-lazuli) avec des composés de cobalt et noir avec une plus grande proportion de cuivre et de manganèse, ou avec des composés ferriques. Les objets finis - petites bouteilles, vases, gobelets et bols - étaient principalement destinés à contenir des cosmétiques et des onguents parfumés dans les boudoirs des reines et des dames de haute naissance.

Le déclin du pouvoir royal après la fin du Nouvel Empire met un terme à la production de verre pour un temps. Ce n'est qu'à l'époque gréco-romaine que de nouveaux centres de verre égyptiens apparurent dans les villes hellénistiques d'Alexandrie et de Naucratis. Ceux-ci entretenaient des liens étroits avec les centres d'Asie Mineure et leurs produits de style grec existants montrent qu'ils suivaient le marché international de leur époque. Vers le début de l'ère chrétienne, des bols en verre moulé apparaissent, et une autre innovation était le verre millefiori fabriqué à partir de tiges de verre de différentes couleurs fusionnées.

L'invention révolutionnaire du soufflage de verre a eu lieu, probablement en Syrie, au cours du 1er siècle avant JC, bien que la technique n'ait atteint Alexandrie que dans la seconde moitié du siècle suivant. En règle générale, on utilisait du verre transparent, soit de teinte verdâtre naturelle, soit additionné d'additifs pour le rendre incolore. Il a été découpé avec une meule en cuivre et broyé avec de la poudre d'émeri. La nouvelle découverte a multiplié la production et le verre a alors cessé d'être une rareté ou une prérogative de la classe supérieure.

Nous ne pouvons que spéculer sur le statut social des verriers. Il s'agissait d'un métier hautement artistique et les individus doués avaient la chance de devenir des maîtres reconnus. Bien que les employés de la verrerie semblent à l'origine être des esclaves, et pour la plupart étrangers, des ouvriers habiles furent probablement très tôt libérés et communiquèrent leurs secrets à leurs collègues égyptiens parmi les artisans royaux.

Le travail était sans aucun doute pénible et préjudiciable à la santé de ses praticiens. La chaleur intense produite par la fusion du verre sur des feux ouverts pourrait nuire à la gestion des fluides corporels ; la cornée et la rétine de l'œil souffraient de l'éblouissement et les brûlures cutanées n'étaient pas rares. Le soufflage du verre exerçait une contre-pression sur les poumons qui pouvait entraîner un emphysème et des troubles circulatoires à un âge précoce, raccourcissant considérablement la vie du travailleur. [TourEgypt.net].

Perles égyptiennes antiques dans un enterrement danois: La composition chimique de 23 billes de verre découvertes au Danemark a été examinée par spectrométrie plasma et comparée aux oligo-éléments trouvés dans les perles d'Amarna en Egypte et de Nippour en Mésopotamie. L'une des perles, en verre bleu, provenait d'une sépulture de femme de l'âge du bronze fouillée en 1880 sur le site d'Ølby. Elle avait été enterrée dans un tronc de chêne évidé, portant un disque de ceinture, une jupe à ficelle avec de petits tubes en bronze, un bracelet composé de perles d'ambre et une seule perle de verre bleue.

Science Nordic rapporte que l'équipe de recherche, composée de scientifiques du Musée Moesgaard, du Musée national du Danemark, de l'Université d'Aarhus et de l'Institut de Recherche sur les Archéomatériaux d'Orléans, en France, a fait correspondre la signature chimique de cette perle à celle de perles fabriquées il y a 3 400 ans. un atelier égyptien. Ils pensent maintenant que les perles de verre égyptiennes, symbolisant peut-être le culte solaire égyptien, ont voyagé vers le nord depuis la Méditerranée sur la route de l'ambre, qui transportait l'ambre nordique vers le sud. Des perles d'ambre et de verre ont été trouvées ensemble sur des sites du Moyen-Orient, de Turquie, de Grèce, d'Italie et d'Allemagne. [Institut archéologique d'Amérique].

Culture égyptienne antique: La culture égyptienne antique a prospéré entre environ 5 500 avant JC avec l'avènement de la technologie (comme en témoigne le travail du verre en faïence) et 30 avant JC avec la mort de Cléopâtre VII, le dernier dirigeant ptolémaïque de l'Égypte. Elle est aujourd'hui célèbre pour les grands monuments qui célébraient les triomphes des dirigeants et honoraient les dieux du pays. Cette culture est souvent comprise à tort comme étant obsédée par la mort, mais si cela avait été le cas, il est peu probable qu'elle aurait produit l'impression significative qu'elle a produite sur d'autres cultures anciennes telles que la Grèce et Rome. La culture égyptienne était, en fait, une affirmation de la vie, comme l'écrit l'érudite Salima Ikram :

"À en juger par le nombre de tombeaux et de momies que les anciens Égyptiens ont laissés derrière eux, on peut pardonner de penser qu'ils étaient obsédés par la mort. Cependant, ce n’est pas le cas. Les Égyptiens étaient obsédés par la vie et sa continuation plutôt que par une fascination morbide pour la mort. Les tombeaux, les temples mortuaires et les momies qu'ils produisaient étaient une célébration de la vie et un moyen de la perpétuer pour l'éternité… Pour les Égyptiens, comme pour d'autres cultures, la mort faisait partie du voyage de la vie, la mort marquant une transition ou une transformation après laquelle vie se poursuivait sous une autre forme, spirituelle plutôt que corporelle. »

Cette passion pour la vie a imprégné chez les anciens Égyptiens un grand amour pour leur terre, car on pensait qu'il ne pouvait y avoir de meilleur endroit sur terre pour profiter de l'existence. Même si les classes inférieures en Égypte, comme ailleurs, subsistaient avec beaucoup moins que les classes aisées, elles semblent néanmoins avoir apprécié la vie de la même manière que les citoyens les plus riches. Ceci est illustré dans le concept de gratitude et le rituel connu sous le nom des Cinq Dons d'Hathor dans lequel les pauvres ouvriers étaient encouragés à considérer les doigts de leur main gauche (la main avec laquelle ils atteignaient quotidiennement pour récolter les champs) et à considérer les cinq choses pour lesquelles ils étaient les plus reconnaissants dans leur vie. L'ingratitude était considérée comme un « péché d'entrée » car elle conduisait à tous les autres types de pensées négatives et aux comportements qui en résultaient. Une fois qu'on se sentait ingrat, observait-on, on était alors enclin à se livrer encore davantage à un mauvais comportement. Le culte d'Hathor était très populaire en Égypte, parmi toutes les classes sociales, et incarne l'importance primordiale de la gratitude dans la culture égyptienne.

La religion faisait partie intégrante de la vie quotidienne de chaque Égyptien. Comme les peuples de Mésopotamie, les Égyptiens se considéraient comme des collaborateurs des dieux, mais avec une distinction importante : alors que les peuples mésopotamiens croyaient qu'ils devaient travailler avec leurs dieux pour empêcher la répétition de l'état originel de chaos, les Égyptiens comprenaient leur les dieux avaient déjà atteint cet objectif et le devoir de l'homme était de célébrer ce fait et d'en remercier. La soi-disant « mythologie égyptienne » était, dans les temps anciens, une structure de croyance aussi valable que n'importe quelle religion acceptée de nos jours.

La religion égyptienne enseignait au peuple qu'au début, il n'y avait rien d'autre que des eaux tourbillonnantes chaotiques d'où s'élevait une petite colline connue sous le nom de Ben-Ben. Au sommet de cette colline se tenait le grand dieu Atoum qui a donné naissance à la création en s'appuyant sur le pouvoir de Heka, le dieu de la magie. On pensait que Heka était antérieure à la création et qu'elle était l'énergie qui permettait aux dieux d'accomplir leurs devoirs. La magie a informé toute la civilisation et Heka était la source de ce pouvoir créatif, durable et éternel. Dans une autre version du mythe, Atoum crée le monde en façonnant d'abord Ptah, le dieu créateur qui effectue ensuite le travail proprement dit. Une autre variante de cette histoire est que Ptah est apparu pour la première fois et a créé Atoum. Une autre version, plus élaborée, de l'histoire de la création voit Atoum s'accoupler avec son ombre pour créer Shu (l'air) et Tefnout (l'humidité) qui donnent ensuite naissance au monde et aux autres dieux.

De cet acte originel d’énergie créatrice est né tout le monde connu et l’univers. Il était entendu que les êtres humains constituaient un aspect important de la création des dieux et que chaque âme humaine était aussi éternelle que celle des divinités qu'ils vénéraient. La mort n'était pas la fin de la vie mais la réintégration de l'âme individuelle au royaume éternel d'où elle était issue. Le concept égyptien de l'âme la considérait comme composée de neuf parties : le Khat était le corps physique ; la double forme du Ka un ; le Ba, un aspect d'oiseau à tête humaine qui pouvait se déplacer entre la terre et le ciel ; Shuyet était le moi de l'ombre ; Akh le moi immortel et transformé, les aspects Sahu et Sechem de l'Akh ; Ab était le cœur, la source du bien et du mal ; Ren était son nom secret.

Le nom d'un individu était considéré comme d'une telle importance que le véritable nom d'un Égyptien restait secret tout au long de sa vie et que chacun était connu sous un surnom. La connaissance du vrai nom d'une personne lui donnait des pouvoirs magiques sur cet individu et c'est l'une des raisons pour lesquelles les dirigeants égyptiens ont pris un autre nom en montant sur le trône ; il ne s'agissait pas seulement de se lier symboliquement à un autre pharaon à succès, mais aussi d'une forme de protection pour assurer sa sécurité et contribuer à garantir un voyage sans problème vers l'éternité une fois sa vie sur terre terminée. Selon l'historienne Margaret Bunson :

« L’éternité était une période d’existence sans fin qu’aucun Égyptien ne devait craindre. Le terme « Aller vers son Ka » (être astral) était utilisé à chaque époque pour exprimer la mort. Le hiéroglyphe désignant un cadavre était traduit par « participer à la vie éternelle ». Le tombeau était le « Manoir de l'Éternité » et le mort était un Akh, un esprit transformé.

La célèbre momie égyptienne (dont le nom vient des mots persans et arabes signifiant « cire » et « bitume », muum et mumia) a été créée pour préserver le corps physique de l'individu (Khat) sans lequel l'âme ne pourrait atteindre l'immortalité. Comme le Khat et le Ka ont été créés en même temps, le Ka serait incapable de se rendre au Champ des Roseaux s'il lui manquait la composante physique sur terre. Les dieux qui avaient façonné l’âme et créé le monde veillaient constamment sur le peuple égyptien et entendaient et répondaient à ses requêtes. Un exemple célèbre de ceci est celui où Ramsès II fut encerclé par ses ennemis lors de la bataille de Kadesh (1274 avant JC) et, faisant appel au dieu Amon pour l'aide, trouva la force de se frayer un chemin vers la sécurité. Il existe cependant de nombreux exemples beaucoup moins dramatiques, enregistrés sur les murs des temples, les stèles et les fragments de papyrus.

Le papyrus (d'où vient le mot anglais « paper ») n'était qu'une des avancées technologiques de la culture égyptienne antique. Les Égyptiens étaient également responsables du développement de la rampe, du levier et de la géométrie à des fins de construction, des progrès en mathématiques et en astronomie (également utilisés dans la construction comme en témoignent les positions et les emplacements des pyramides et de certains temples, comme Abou Simbel), des améliorations dans l'irrigation et l'agriculture (peut-être apprises des Mésopotamiens), la construction navale et l'aérodynamique (peut-être introduites par les Phéniciens), la roue (apportée en Égypte par les Hyksos) et la médecine.

Le papyrus gynécologique de Kahun (vers 1800 avant JC) est un des premiers traités sur les problèmes de santé des femmes et de contraception et le papyrus d'Edwin Smith (vers 1600 avant JC) est l'ouvrage le plus ancien sur les techniques chirurgicales. La dentisterie était largement pratiquée et on attribue aux Égyptiens l’invention du dentifrice, des brosses à dents, du cure-dent et même des menthes pour l’haleine. Ils ont créé le sport du bowling et amélioré le brassage de la bière, pratiqué pour la première fois en Mésopotamie. Les Égyptiens n’ont cependant pas inventé la bière. Cette fiction populaire selon laquelle les Égyptiens seraient les premiers brasseurs vient du fait que la bière égyptienne ressemblait plus à la bière moderne qu'à celle des Mésopotamiens.

Le travail du verre, la métallurgie du bronze et de l'or et le mobilier étaient d'autres avancées de la culture égyptienne et leur art et leur architecture sont célèbres dans le monde entier pour leur précision et leur beauté. L'hygiène personnelle et l'apparence étaient très appréciées et les Égyptiens se lavaient régulièrement, se parfumaient avec du parfum et de l'encens et créaient des produits cosmétiques utilisés aussi bien par les hommes que par les femmes. La pratique du rasage a été inventée par les Égyptiens, tout comme la perruque et la brosse à cheveux. Vers 1600 avant JC, l’horloge à eau était utilisée en Égypte, tout comme le calendrier. Certains ont même suggéré qu'ils comprenaient le principe de l'électricité, comme en témoigne la célèbre gravure de la Lumière de Dendérah sur le mur du temple Hathor à Dendérah. Les images sur le mur ont été interprétées par certains comme représentant une ampoule et des personnages reliant ladite ampoule à une source d'énergie. Cette interprétation a cependant été largement discréditée par la communauté universitaire.

Dans la vie quotidienne, les Égyptiens semblent peu différents des autres cultures anciennes. Comme les habitants de la Mésopotamie, de l’Inde, de la Chine et de la Grèce, ils vivaient pour la plupart dans des maisons modestes, élevaient des familles et profitaient de leur temps libre. Cependant, une différence significative entre la culture égyptienne et celle des autres pays était que les Égyptiens croyaient que la terre était intimement liée à leur salut personnel et qu'ils avaient une profonde peur de mourir au-delà des frontières de l'Égypte. Ceux qui servaient leur pays dans l’armée, ou ceux qui voyageaient pour gagner leur vie, prenaient des dispositions pour que leurs corps soient rapatriés en Égypte s’ils étaient tués. On pensait que la terre fertile et sombre du delta du Nil était la seule zone sanctifiée par les dieux pour la renaissance de l'âme dans l'au-delà et que le fait d'être enterré ailleurs était une condamnation à la non-existence.

En raison de cette dévotion à la patrie, les Égyptiens n'étaient pas de grands voyageurs du monde et il n'y a pas d'« Hérodote égyptien » qui puisse laisser derrière lui des impressions du monde antique au-delà des frontières égyptiennes. Même dans les négociations et les traités avec d’autres pays, la préférence égyptienne pour rester en Égypte était dominante. L'historien Nardo écrit : « Bien qu'Aménophis III ait joyeusement ajouté deux princesses du Mitanni à son harem, il refusa d'envoyer une princesse égyptienne au souverain du Mitanni, car « depuis des temps immémoriaux, une fille royale d'Égypte n'a été donnée à personne ». ' Ceci n’est pas seulement une expression du sentiment de supériorité des Égyptiens sur les étrangers, mais en même temps une indication de la sollicitude accordée aux femmes de leur famille, qui ne pouvaient être incommodées par la vie parmi les « barbares ».

De plus, à l’intérieur des campagnes, les gens ne voyageaient pas très loin de leur lieu de naissance et la plupart, sauf en temps de guerre, de famine ou d’autres bouleversements, vivaient et mouraient au même endroit. Comme on croyait que l'au-delà serait une continuation du présent (mais mieux dans la mesure où il n'y aurait ni maladie, ni déception ni, bien sûr, mort), le lieu dans lequel on passerait sa vie constituerait son paysage éternel. La cour, l'arbre et le ruisseau que l'on voyait chaque jour devant sa fenêtre seraient exactement reproduits dans l'au-delà. Cela étant, les Égyptiens étaient encouragés à rejoice et à apprécier profondément leur environnement immédiat et à vivre avec gratitude selon leurs moyens. Le concept de ma'at (harmonie et équilibre) régissait la culture égyptienne et, qu'ils appartiennent à une classe supérieure ou inférieure, les Égyptiens s'efforçaient de vivre en paix avec leur environnement et entre eux.

Parmi les classes inférieures, les maisons étaient construites en briques de terre cuite cuites au soleil. Plus un citoyen est riche, plus la maison est épaisse ; les personnes les plus riches avaient des maisons construites avec une double couche, ou plus, de brique, tandis que les maisons des personnes plus pauvres n'avaient qu'une seule brique de largeur. Le bois était rare et n'était utilisé que pour les portes et les rebords de fenêtres (encore une fois, dans les maisons les plus riches) et le toit était considéré comme une autre pièce de la maison où les rassemblements avaient lieu régulièrement car l'intérieur des maisons était souvent faiblement éclairé.

Les vêtements étaient en lin simple, non teint, les hommes portant une jupe (ou un pagne) jusqu'aux genoux et les femmes portant des robes ou des robes légères jusqu'aux chevilles qui cachaient ou exposaient leurs seins selon la mode du moment. Il semblerait cependant que le niveau de déshabillage d'une femme soit révélateur de son statut social tout au long de l'histoire égyptienne. Les danseuses, les musiciennes, les servantes et les esclaves sont régulièrement montrées nues ou presque nues tandis qu'une dame de la maison est entièrement habillée, même à l'époque où les seins exposés étaient une déclaration de mode.

Malgré cela, les femmes étaient libres de s’habiller comme bon leur semblait et il n’y a jamais eu d’interdiction, à aucun moment de l’histoire égyptienne, de la mode féminine. Les seins exposés d'une femme étaient considérés comme un choix de mode naturel et normal et n'étaient en aucun cas considérés comme impudiques ou provocateurs. Il était entendu que la déesse Isis avait donné des droits égaux aux hommes et aux femmes et que, par conséquent, les hommes n'avaient pas le droit de dicter la façon dont une femme, même sa propre épouse, devait se vêtir. Les enfants portaient peu ou pas de vêtements jusqu'à la puberté.

Les mariages n'étaient pas arrangés entre les classes inférieures et il ne semble pas y avoir eu de cérémonie de mariage formelle. Un homme apporterait des cadeaux à la maison de sa future épouse et, si les cadeaux étaient acceptés, elle s'installerait avec lui. L'âge moyen d'une mariée était de 13 ans et celui d'un marié de 18 à 21 ans. Un contrat serait rédigé partageant les biens d'un homme entre sa femme et ses enfants et cette répartition ne pourrait être annulée que pour cause d'adultère (défini comme un rapport sexuel avec une femme mariée et non avec un homme marié). Les femmes égyptiennes pouvaient posséder des terres, des maisons, diriger des entreprises et présider des temples et pouvaient même être des pharaons (comme dans l'exemple de la reine Hatshepsout, 1479-1458 avant JC) ou, plus tôt, de la reine Sobeknofru, vers 1767-1759 avant JC).

L’historien Thompson écrit : « L’Égypte traitait ses femmes mieux que n’importe quelle autre grande civilisation du monde antique. Les Égyptiens croyaient que la joie et le bonheur étaient des objectifs légitimes de la vie et considéraient le foyer et la famille comme la principale source de plaisir. En raison de cette croyance, les femmes jouissaient d’un prestige plus élevé en Égypte que dans toute autre culture du monde antique.

Alors que l’homme était considéré comme le chef de la maison, la femme était la chef du foyer. Elle a élevé les enfants des deux sexes jusqu'à ce que, à l'âge de quatre ou cinq ans, les garçons soient placés sous la garde et la tutelle de leur père pour apprendre leur métier (ou fréquenter l'école si la profession du père était celle de scribe, de prêtre ou de médecin). ). Les filles restaient sous la garde de leur mère, apprenant à tenir un ménage jusqu'à leur mariage. Les femmes pouvaient également être scribes, prêtres ou médecins, mais cela était inhabituel car l'éducation était coûteuse et la tradition voulait que le fils doive suivre la profession de son père, pas la fille. Le mariage était l'état courant des Égyptiens après la puberté et le fait d'être célibataire, homme ou femme, était considéré comme anormal.

Les classes supérieures, ou noblesse, vivaient dans des demeures plus ornées et dotées d'une plus grande richesse matérielle, mais semblent avoir suivi les mêmes préceptes que les personnes inférieures dans la hiérarchie sociale. Tous les Égyptiens aimaient jouer à des jeux, comme le jeu de Senet (un jeu de société populaire depuis la période pré-dynastique, vers 5500-3150 avant JC), mais seuls ceux qui avaient les moyens pouvaient se permettre un plateau de jeu de qualité. Cela ne semble cependant pas empêcher les plus pauvres de jouer à ce jeu ; ils jouaient simplement avec un décor moins orné.

Regarder des matchs et des courses de lutte et participer à d'autres événements sportifs, tels que la chasse, le tir à l'arc et la voile, étaient populaires parmi la noblesse et la classe supérieure, mais, encore une fois, tous les Égyptiens en profitaient dans la mesure de leurs moyens (à l'exception des grands). chasse aux animaux qui était la seule provenance du souverain et de ceux qu'il désignait). Se régaler lors de banquets était une activité de loisir réservée aux classes supérieures, même si les classes inférieures pouvaient se divertir de la même manière (bien que moins somptueuse) lors des nombreuses fêtes religieuses organisées tout au long de l'année.

La natation et l'aviron étaient extrêmement populaires dans toutes les classes. L'écrivain romain Sénèque a observé des Égyptiens ordinaires en train de jouer sur le Nil et a décrit la scène : « Les gens embarquent sur de petits bateaux, deux par bateau, et l'un rame pendant que l'autre écope l'eau. Puis ils sont violemment ballottés dans les rapides déchaînés. Enfin, ils atteignent les canaux les plus étroits… et, entraînés par toute la force du fleuve, ils contrôlent à la main le bateau qui se précipite et plongent la tête en bas à la grande terreur des spectateurs. On croirait tristement qu'ils étaient désormais noyés et submergés par une telle masse d'eau lorsque, loin de l'endroit où ils sont tombés, ils jaillissent comme d'une catapulte, naviguant toujours, et la vague qui s'affaisse ne les submerge pas, mais les emporte. les vers des eaux douces.

La natation était une partie importante de la culture égyptienne et les enfants apprenaient à nager dès leur plus jeune âge. sports nautiques jouaient un rôle important dans le divertissement égyptien, car le Nil constituait un aspect majeur de leur vie quotidienne. Le sport des joutes nautiques, dans lequel deux petits bateaux, chacun avec un ou deux rameurs et un jouteur, s'affrontaient, semble avoir été très populaire. Le ou les rameurs dans le bateau cherchaient à manœuvrer stratégiquement tandis que le combattant tentait de faire tomber son adversaire de l'engin. Ils appréciaient également les jeux qui n'avaient rien à voir avec la rivière, mais qui étaient similaires aux jeux modernes de catch et de handball.

Les jardins et les décorations simples de la maison étaient très prisés par les Égyptiens. Un jardin potager était important pour la subsistance, mais procurait également du plaisir à s'occuper de sa propre récolte. Les ouvriers des champs n'ont jamais travaillé leur propre récolte et leur jardin individuel était donc un lieu de fierté de produire quelque chose qui leur était propre, cultivé à partir de leur propre sol. Ce sol, encore une fois, serait leur demeure éternelle après avoir quitté leur corps et était donc grandement apprécié. Une inscription funéraire datant de 1400 avant JC dit : « Puissé-je marcher chaque jour au bord de l'eau, que mon âme repose sur les branches des arbres que j'ai plantés, que je me rafraîchisse à l'ombre de mon sycomore » en faisant référence à l'éternité. aspect de l'environnement quotidien de chaque Égyptien. Après la mort, on jouirait encore de son sycomore particulier, de sa propre promenade quotidienne au bord de l'eau, dans une terre de paix éternelle accordée aux Egyptiens par les dieux qu'ils vénéraient avec gratitude. [Encyclopédie de l'histoire ancienne].

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Si à la réception de l'article vous êtes déçu pour quelque raison que ce soit, je propose une politique de retour de 30 jours sans poser de questions. Nous n'avons évidemment aucune possibilité d'influencer, de modifier ou de renoncer aux politiques d'eBay.

À PROPOS: Avant notre retraite, nous voyageions plusieurs fois par an en Europe de l'Est et en Asie centrale à la recherche de pierres précieuses et de bijoux anciens provenant des centres de production et de taille de pierres précieuses les plus prolifiques du monde. La plupart des articles que nous proposons proviennent d'acquisitions que nous avons réalisées au cours de ces années en Europe de l'Est, en Inde et au Levant (Méditerranée orientale/Proche-Orient) auprès de diverses institutions et revendeurs. Une grande partie de ce que nous générons sur Etsy, Amazon et Ebay est destinée à soutenir des institutions dignes d'Europe et d'Asie liées à l'anthropologie et à l'archéologie. Bien que nous ayons une collection de pièces de monnaie anciennes se comptant par dizaines de milliers, nos principaux intérêts sont les bijoux anciens et les pierres précieuses, reflet de notre formation universitaire.

Bien qu’elles soient peut-être difficiles à trouver aux États-Unis, en Europe de l’Est et en Asie centrale, les pierres précieuses antiques sont généralement démontées des anciennes montures cassées – l’or est réutilisé – les pierres précieuses sont recoupées et réinitialisées. Avant que ces magnifiques pierres précieuses antiques ne soient retaillées, nous essayons d’acquérir les meilleures d’entre elles dans leur état d’origine, antique et fini à la main – la plupart d’entre elles ont été fabriquées à l’origine il y a un siècle ou plus. Nous pensons que le travail créé par ces maîtres artisans disparus depuis longtemps mérite d'être protégé et préservé plutôt que de détruire ce patrimoine de pierres précieuses antiques en découpant l'œuvre originale de l'existence. En préservant leur travail, d’une certaine manière, nous préservons leur vie et l’héritage qu’ils ont laissé aux temps modernes. Il vaut bien mieux apprécier leur métier que de le détruire avec une coupe moderne.

Tout le monde n’est pas d’accord : au moins 95 % des pierres précieuses antiques qui arrivent sur ces marchés sont retaillées et l’héritage du passé est perdu. Mais si vous êtes d'accord avec nous que le passé mérite d'être protégé et que les vies passées et les produits de ces vies comptent toujours aujourd'hui, envisagez d'acheter une pierre précieuse naturelle antique, taillée à la main plutôt qu'une pierre précieuse taillée à la machine produite en série (souvent synthétique). ou « produites en laboratoire ») qui dominent le marché aujourd’hui. Nous pouvons sertir la plupart des pierres précieuses antiques que vous achetez chez nous dans votre choix de styles et de métaux allant des bagues aux pendentifs en passant par les boucles d'oreilles et les bracelets ; en argent sterling, en or massif 14 carats et en or 14 carats. Nous serions heureux de vous fournir un certificat/garantie d’authenticité pour tout article que vous achetez chez nous. Je répondrai toujours à chaque demande, que ce soit par e-mail ou par message eBay, alors n'hésitez pas à écrire.