_________
44.-196. Okt
Maße : Das Blatt: 70 cm x 50 cm.
Künstler : Keith HARING (1958-1990).
Lithographie aus dem Jahr 1990, nach dem Tod des Künstlers, gedruckt von der Keith Haring Foundation auf wunderschönem „Baumwoll“-Papier.
Unten rechts sind der Trockenstempel der Stiftung, ein gerechtfertigter 20/150-Bleistiftdruck, das Logo der Stiftung sowie die Unterschrift des Künstlers auf der Platte vorhanden.
Die folgenden Fotos veranschaulichen diese Informationen.
Trockenstempel des Fundaments (beidseitige Fotografie):
Auf der Rückseite des Blattes befinden sich holografische US-Aufkleber zum Exportieren von Kunstwerken:
Auf der Platte signiert:
In Transparenz:
Schnelle und ordentliche Lieferung
44.-196. Okt
_
Keith Haring, geboren am 4. Mai 1958 in Reading, Pennsylvania und gestorben am 16. Februar 1990 in New York, ist ein US-amerikanischer Künstler, Designer, Maler und Bildhauer.
Biografie
Keith Haring1, Sohn von Allen und Joan Haring, ist die älteste von drei Schwestern. Er verbrachte seine Kindheit in Kutztown. Er wuchs in einer Familie auf, in der Disziplin und ein gewisser konservativer Geist vorherrschten.
Ausbildung und Berufseinstieg
Mit 18 nahm er an Werbezeichenkursen an der Ivy School of Professional Art in Pittsburgh teil, merkte jedoch, dass das nicht zu ihm passte, und widmete sich seiner Leidenschaft: dem Zeichnen. Schnell fühlt er sich in dieser Stadt gefangen und beschließt, nach New York zu gehen, um neue Leute kennenzulernen. Nach seiner Ankunft schrieb er sich an der School of Visual Arts ein. Er versucht sich in Disziplinen wie Collage, Malerei, Installation, Video usw., seine bevorzugte Ausdrucksweise bleibt jedoch die Zeichnung. Er testet verschiedene Malträger (Metall, Fundstücke, Körper usw.). Er skizziert noch nie und malt immer sehr schnell.
In New York und insbesondere im East Village entdeckte er die reichhaltige Alternativkultur der 1980er Jahre, die außerhalb von Galerien und Museen ihren Ausdruck in neuen Gebieten entwickelte: Straßen, U-Bahnen, Lagerhäusern usw. Er lernte Künstler des New Yorker Untergrundlebens wie Kenny Scharf, Madonna und Jean-Michel Basquiat kennen, mit denen er Freunde wurde, und organisierte oder beteiligte sich an Ausstellungen und Performances im Club 57 und im Mudd Club, die zu Lieblingsorten der Avantgarde wurden Elite. Im Club 57 entstand das Radiant Baby, eines der bekanntesten Piktogramme des Künstlers. Die Strahlen um das Baby stellen seine Energie dar, dieses Piktogramm symbolisiert somit Leben, Freude und Hoffnung für die Zukunft.
Haring war nicht nur beeindruckt von der Innovation und Energie seiner Zeitgenossen, sondern wurde auch von der Arbeit von Jean Dubuffet, Pierre Alechinsky, Brion Gysin und Robert Henris Manifest The Art Spirit2 beeinflusst.
Stil und Themen
Im Gegensatz zu anderen amerikanischen Künstlern der 1950er und 1960er Jahre, die „die Kunst der Realität“ gefördert hatten (insbesondere Robert Rauschenberg und Jasper Johns), tauchte Keith auf eine bis dahin völlig unbekannte Weise in die Realität ein, da dieses Eintauchen ganzheitlich beabsichtigt war sogar fusional. Er wollte „in der Welt sein3“. Inspiriert von Graffiti, einem Befürworter des Bad Painting und bestrebt, ein breites Publikum zu erreichen, begann Haring, mit weißer Kreide auf schwarze Werbetafeln in der New Yorker U-Bahn zu zeichnen. Er ätzte auch Sandsteinplatten von Gehwegen im East Village (sie sind noch sichtbar). Ein Fotograf, Tseng Kwong Chi, fotografiert ihn ständig, auch wenn die Polizei ihn festnimmt. So fertigte er mehrere tausend Zeichnungen mit energischen und rhythmischen Linien an.
Seine Gemälde sind Teil der allgemeinen Bewegung der zeitgenössischen Kunst und nicht nur der strengen freien Figuration. Die „Haring-Signatur“ ist die unendliche Wiederholung von schwarz umrandeten synthetischen Formen mit leuchtenden, leuchtenden Farben auf verschiedenen Trägern. Es ist eine dauerhafte Geschichte, in der wir vierbeinige Babys, Delfine, Fernsehgeräte, bellende Hunde, Schlangen, Engel, Tänzer, androgyne Silhouetten, fliegende Untertassen, Pyramiden oder laufende Erwachen, aber auch Sexualität und den Todestrieb finden. Er ließ sich teilweise von den Designs der Nazca-Wüste4 inspirieren. Die Welt um ihn herum wird durch die Frische der Wahrheit und die Aufrichtigkeit seiner Kunst schön, weil sie seinem Bild entspricht. Eine kompromisslos nahe Kunst, die leicht zugänglich, aber tiefgründig ist, einfach für Kinder und zu kompliziert für Erwachsene5!
Graffiti Wir sind die Jugend
Fresko „Wir sind die Jugend“ – Philadelphia – 1987.
Öffentliche Anerkennung
Seine erste Einzelausstellung fand 1982 in der Tony Shafrazi Gallery in New York statt und war ein großer Erfolg. Im selben Jahr trat er im Juni auf der documenta 7 in Kassel auf und knüpfte während der Ausstellung „Statements New York 82 – Leadinq Contemporary Artists from France“ in New York Beziehungen zu den Künstlern der Figuration libre, mit denen er intervenieren wird seine zahlreichen nachfolgenden Reisen nach Paris6, darunter Remi Blanchard und dann François Boisrond7. 1983 nahm er an der Whitney Museum Biennale und der Sao Paulo Biennale teil.
Im Juni 1984 wurde er auf der Ausstellung „Trends in New York“ im Luxembourg Museum und auf der Biennale von Venedig präsentiert und im Dezember im ARC des Museums für moderne Kunst der Stadt Paris mit der großen Ausstellung „Figuration libre“ eröffnet , 5/5, Frankreich/USA“, wo er zusammen mit Robert Combas und Hervé di Rosa die Wände des Museums mit Fresken bedeckte8. 1985 wurde er zur Teilnahme an der Pariser Biennale eingeladen und profitierte dann im Dezember von seiner ersten Einzelausstellung in einem Museum im CAPC in Bordeaux. Sein internationaler Ruf wächst weiter und er nimmt an zahlreichen internationalen Ausstellungen teil. Außerdem schuf er 1984 zahlreiche Wandgemälde in Sydney, Melbourne, Rio de Janeiro, Minneapolis und New York. 1986 malte er eine Reihe ineinander verschlungener Figuren auf der Berliner Mauer, in Rot und Schwarz auf gelbem Grund, in Anlehnung an die Farben der deutschen Flagge9. Er erhielt auch prestigeträchtige Aufträge wie 1987 die Monumentalskulptur Roter Hund für Landois in Münster und das Fresko für das Necker-Krankenhaus in Paris 1987. Im Jahr 1988 wurde ihm die Ehre zuteil, das Etikett für den Jahrgang 1988 von Château Mouton Rothschild10 zu entwerfen. 1989 schuf er Tuttomondo, sein letztes öffentliches Werk, an der Fassade einer ehemaligen katholischen Kirche in Pisa.
In seinem Wunsch, ein breites Publikum zu treffen und seine Kunst möglichst vielen Menschen zugänglich zu machen, eröffnete er 1986 im SoHo-Viertel seinen Pop Shop in der 292 Lafayette Street, wo er seine abgeleiteten Produkte11 (Kleidung, Poster, usw.) von ihm selbst illustriert, wie so viele „Detail“-Werke. Dieser in Künstlerkreisen sehr umstrittene Ansatz wurde jedoch von seinen Freunden und seinem Mentor Andy Warhol nachdrücklich unterstützt. Seine Arbeit führt ihn zur Zusammenarbeit mit Künstlern wie Madonna, Grace Jones, Timothy Leary und William S. Burroughs.
Soziale und humanitäre Implikationen
Im Laufe seiner Karriere engagierte sich Keith Haring humanitär gegen die Sorgen seiner Zeit: Rassismus, Apartheid, Homophobie (sich selbst).
Biografie
Keith Haring1, Sohn von Allen und Joan Haring, ist die älteste von drei Schwestern. Er verbrachte seine Kindheit in Kutztown. Er wuchs in einer Familie auf, in der Disziplin und ein gewisser konservativer Geist vorherrschten.
Ausbildung und Berufseinstieg
Mit 18 nahm er an Werbezeichenkursen an der Ivy School of Professional Art in Pittsburgh teil, merkte jedoch, dass das nicht zu ihm passte, und widmete sich seiner Leidenschaft: dem Zeichnen. Schnell fühlt er sich in dieser Stadt gefangen und beschließt, nach New York zu gehen, um neue Leute kennenzulernen. Nach seiner Ankunft schrieb er sich an der School of Visual Arts ein. Er versucht sich in Disziplinen wie Collage, Malerei, Installation, Video usw., seine bevorzugte Ausdrucksweise bleibt jedoch die Zeichnung. Er testet verschiedene Malträger (Metall, Fundstücke, Körper usw.). Er skizziert noch nie und malt immer sehr schnell.
In New York und insbesondere im East Village entdeckte er die reichhaltige Alternativkultur der 1980er Jahre, die außerhalb von Galerien und Museen ihren Ausdruck in neuen Gebieten entwickelte: Straßen, U-Bahnen, Lagerhäusern usw. Er lernte Künstler des New Yorker Untergrundlebens wie Kenny Scharf, Madonna und Jean-Michel Basquiat kennen, mit denen er Freunde wurde, und organisierte oder beteiligte sich an Ausstellungen und Performances im Club 57 und im Mudd Club, die zu Lieblingsorten der Avantgarde wurden Elite. Im Club 57 entstand das Radiant Baby, eines der bekanntesten Piktogramme des Künstlers. Die Strahlen um das Baby stellen seine Energie dar, dieses Piktogramm symbolisiert somit Leben, Freude und Hoffnung für die Zukunft.
Haring war nicht nur beeindruckt von der Innovation und Energie seiner Zeitgenossen, sondern wurde auch von der Arbeit von Jean Dubuffet, Pierre Alechinsky, Brion Gysin und Robert Henris Manifest The Art Spirit2 beeinflusst.
Stil und Themen
Im Gegensatz zu anderen amerikanischen Künstlern der 1950er und 1960er Jahre, die „die Kunst der Realität“ gefördert hatten (insbesondere Robert Rauschenberg und Jasper Johns), tauchte Keith auf eine bis dahin völlig unbekannte Weise in die Realität ein, da dieses Eintauchen ganzheitlich beabsichtigt war sogar fusional. Er wollte „in der Welt sein3“. Inspiriert von Graffiti, einem Befürworter des Bad Painting und bestrebt, ein breites Publikum zu erreichen, begann Haring, mit weißer Kreide auf schwarze Werbetafeln in der New Yorker U-Bahn zu zeichnen. Er ätzte auch Sandsteinplatten von Gehwegen im East Village (sie sind noch sichtbar). Ein Fotograf, Tseng Kwong Chi, fotografiert ihn ständig, auch wenn die Polizei ihn festnimmt. So fertigte er mehrere tausend Zeichnungen mit energischen und rhythmischen Linien an.
Seine Gemälde sind Teil der allgemeinen Bewegung der zeitgenössischen Kunst und nicht nur der strengen freien Figuration. Die „Haring-Signatur“ ist die unendliche Wiederholung von schwarz umrandeten synthetischen Formen mit leuchtenden, leuchtenden Farben auf verschiedenen Trägern. Es ist eine dauerhafte Geschichte, in der wir vierbeinige Babys, Delfine, Fernsehgeräte, bellende Hunde, Schlangen, Engel, Tänzer, androgyne Silhouetten, fliegende Untertassen, Pyramiden oder laufende Erwachen, aber auch Sexualität und den Todestrieb finden. Er ließ sich teilweise von den Designs der Nazca-Wüste4 inspirieren. Die Welt um ihn herum wird durch die Frische der Wahrheit und die Aufrichtigkeit seiner Kunst schön, weil sie seinem Bild entspricht. Eine kompromisslos nahe Kunst, die leicht zugänglich, aber tiefgründig ist, einfach für Kinder und zu kompliziert für Erwachsene5!
Graffiti Wir sind die Jugend
Fresko „Wir sind die Jugend“ – Philadelphia – 1987.
Öffentliche Anerkennung
Seine erste Einzelausstellung fand 1982 in der Tony Shafrazi Gallery in New York statt und war ein großer Erfolg. Im selben Jahr trat er im Juni auf der documenta 7 in Kassel auf und knüpfte während der Ausstellung „Statements New York 82 – Leadinq Contemporary Artists from France“ in New York Beziehungen zu den Künstlern der Figuration libre, mit denen er intervenieren wird seine zahlreichen nachfolgenden Reisen nach Paris6, darunter Remi Blanchard und dann François Boisrond7. 1983 nahm er an der Whitney Museum Biennale und der Sao Paulo Biennale teil.
Im Juni 1984 wurde er auf der Ausstellung „Trends in New York“ im Luxembourg Museum und auf der Biennale von Venedig präsentiert und im Dezember im ARC des Museums für moderne Kunst der Stadt Paris mit der großen Ausstellung „Figuration libre“ eröffnet , 5/5, Frankreich/USA“, wo er zusammen mit Robert Combas und Hervé di Rosa die Wände des Museums mit Fresken bedeckte8. 1985 wurde er zur Teilnahme an der Pariser Biennale eingeladen und profitierte dann im Dezember von seiner ersten Einzelausstellung in einem Museum im CAPC in Bordeaux. Sein internationaler Ruf wächst weiter und er nimmt an zahlreichen internationalen Ausstellungen teil. Außerdem schuf er 1984 zahlreiche Wandgemälde in Sydney, Melbourne, Rio de Janeiro, Minneapolis und New York. 1986 malte er eine Reihe ineinander verschlungener Figuren auf der Berliner Mauer, in Rot und Schwarz auf gelbem Grund, in Anlehnung an die Farben der deutschen Flagge9. Er erhielt auch prestigeträchtige Aufträge wie 1987 die Monumentalskulptur Roter Hund für Landois in Münster und das Fresko für das Necker-Krankenhaus in Paris 1987. Im Jahr 1988 wurde ihm die Ehre zuteil, das Etikett für den Jahrgang 1988 von Château Mouton Rothschild10 zu entwerfen. 1989 schuf er Tuttomondo, sein letztes öffentliches Werk, an der Fassade einer ehemaligen katholischen Kirche in Pisa.
In seinem Wunsch, ein breites Publikum zu treffen und seine Kunst möglichst vielen Menschen zugänglich zu machen, eröffnete er 1986 im SoHo-Viertel seinen Pop Shop in der 292 Lafayette Street, wo er seine abgeleiteten Produkte11 (Kleidung, Poster, usw.) von ihm selbst illustriert, wie so viele „Detail“-Werke. Dieser in Künstlerkreisen sehr umstrittene Ansatz wurde jedoch von seinen Freunden und seinem Mentor Andy Warhol nachdrücklich unterstützt. Seine Arbeit führt ihn zur Zusammenarbeit mit Künstlern wie Madonna, Grace Jones, Timothy Leary und William S. Burroughs.
Soziale und humanitäre Implikationen
Im Laufe seiner Karriere engagierte sich Keith Haring humanitär gegen die Sorgen seiner Zeit: Rassismus, Apartheid, Homophobie (sich selbst).